MADHOUSE, casa de locos

MADHOUSE cierra sus puertas, bienvenidos a LOS QUE ACECHAN...

2011-08-04T22:00:00.002+02:00

Pues sí, aunque pueda resultar sorpresivo para los habituales de MADHOUSE, este manicomio cierra sus puertas (por el momento). Es algo que venía macerando en mi mente desde hace tiempo. El motivo es doble y de sentido común:

1. Había cumplido con su cometido, divertirme.

2. Había dejado de hacerlo, y a cambio se había convertido casi en una obligación, obligación que además no podía atender como quisiera.

También hace tiempo que venía dándole vueltas a un blog dedicado al subgénero de las monstruosidades acuáticas que rondan la cinematografía casi desde los orígenes del cine y cuyo tema, hasta donde yo sé, no se ha tratado en exclusividad en ninguna web en castellano.. Es lo que tiene haber debutado como espectador de cine con Jaws, el famosísimo film de Spielberg, hace ya la friolera de 36 años. Así que bienvenidos a todos a LOS QUE ACECHAN en el abismo, donde este Quimérico Inquilino seguirá recibiéndoles lo mejor que pueda.

El blog funcionará como una base de datos de este subgénero del cine, con breves fichas en las que se ofrecerá aparte de los habituales datos técnicos y sinopsis, un breve comentario y una calificación personal de la película. Este formato me permitirá publicar con mayor asiduidad, que las reseñas más elaboradas de esta MADHOUSE.

Por supuesto los enlaces a los films comentados seguirán siendo ofrecidos, esta vez a través de facebook por una cuestión de seguridad. Está aún por ver que un juez pueda cerrar un blog por el asunto de los enlaces, en cambio es muy sencillo que los dueños de los dominios de blogger o wordpress chapen una página por una simple denuncia por miedo a complicarse la vida, esté justificado este cierre o no. No hay más que ver lo que le ha pasado a la estupenda GoreNation, auténtica referencia de los blogs dedicados al género y cerrado por la simple denuncia de un usuario rencoroso.

Del mismo modo hacía mucho tiempo que le rondaba a un proyecto de reunir en una especie de Enciclopedia temática del cine de horror todas aquellas webs dedicadas a un subgénero específico y LOS QUE ACECHAN es la excusa para llevarlo a cabo con la inestimable ayuda de los compañeros Lazoworks, Punkandroll y Alimaña. De este modo intercomunicaremos nuestros respectivos blogs para el usuario, de una tacada, tenga a su disposición una ingente base de datos sobre cuatro (de momento) subgéneros del cine de terror: el de Hombres-lobo, Zombies, Giallo y el mencionado de monstruos marinos. Por supuesto, es nuestra voluntad que pronto aparezcan webs dedicadas a otros temas. Así a bote pronto se me ocurre que urge un blog dedicado a los "Mad doctor", otro a Vampiros, Invasiones extraterrestres, Slahers, etc. Así que agradecemos toda información al respecto. Sólo ha de reunir dos condiciones: que esté dedicado a una temática muy concreta del cine de terror y que constituya una base de datos seria y con un mínimo de rigor.

Y sin más, os invito a que, poco a poco os sumerjáis en este nuevo proyecto que es Los que acechan en el abismo. Os espero a todos...

Quimérico inquilino

EL CANGREJO DE LAS PINZAS DE ORO (Bélgica, 1947)

2011-07-27T14:55:00.025+02:00

Título original: De krab met de gulden scharen. Dirección: Ray Goossens. Intérpretes (voz): Georges Poujouly (Tintín), Coen Flink (Haddock), Roger Carel (Milou), Hubert Deschamps (Dupond & Dupont), Wim Wama (Janssen), René Arrieu (Allan), Georges Atlas (Omar Ben Salaad). Duración: 63 minutos.

Síntomas: A través de un encargo de los detectives Dupond y Dupont (Hernández y Fernández en la vers. española) Tintín sigue la pista de una misteriosa lata de cangrejo que le llevará a un barco mercante que no es sino la tapadera de una banda de traficantes de opio comandados por el contramaestre, un tal Allan que mantiene alcoholizado a Haddock, legítimo capitán del buque. Las aventuras no han hecho más que comenzar para nuestro joven aventurero.

Diagnóstico: Con el inminente estreno (Octubre 2011) de la próxima producción de Spielberg dedicada al personaje, nada más oportuno que rescatar para los seguidores de MADHOUSE una auténtica rareza de culto. Los que rondamos ya las cuatro décadas nos dividíamos en nuestra tierna juventud en dos grupos: los que preferían las cómicas andanzas de Axterix y los que nos inclinábamos por las improbables pero decididamente irresistibles aventuras del Tintín. A Mortadelo y Filemón los seguíamos todos. Un servidor reconoce los absolutamente geniales guiones del héroe galo pero siempre sintió especial inclinación por las exóticas andanzas del belga.

Hay un antes y un después de El Cangrejo de las pinzas de oro, donde todos los aficionados parecen coincidir en que comienza la edad de oro de Tintín. Paradójicamente esta nueva etapa viene obligada por las restricciones de una Europa convulsa, invadida por los nazis, que no hace muy recomendable la línea que hasta entonces había seguido Hergé, con las incursiones del intrépido reportero en los principales conflictos mundiales. De hecho, en 1941, Hergé se ve obligado a interrumpir su álbum "Tintín en el país del oro negro" (retomado años más tarde) e iniciar este que nos ocupa, una a priori anodina historia de traficantes de opio inocua desde el punto de vista político.

Poco sospecharía entonces Hergé que una revolución en el personaje estaba a punto de acontecer, una revolución con nombre propio: El capitán Haddock. Sí, aquí es donde aparece por primera vez, en una viñeta donde Haddock, encerrado en su camarote del "Karaboudjan", recibe la inesperada visita de Tintín que le cae literalmente encima. Este personaje campechano, irritable, adicto al whisky y con un corazón de oro en principio iba a ser un ave de paso pero, dado su inesperado éxito, se convertiría en compañero inseparable de las andanzas de Tintín desde ese mismo momento. Otro personaje que aparece aquí y que volverá periódicamente es el del malvado Allan, contramaestre de Haddock y más tarde villano al servicio del malvado Rastapopoulos.Otra curiosa circunstancia cambió además, la forma de narrar de Hergé a partir de ese momento: la racionalización de papel. Eso hizo que pasara de publicar las aventuras desde la habitual doble página semanal a una sola tira diaria. Resultado: Hergé se veía obligado a captar la atención y el interés continuo en muy pocas viñetas, lo cual lo convirtió en un maestro de la narración.

Pero pasemos ya al título que os propongo esta semana y que también tiene interés por múltiples razones. En primer lugar se trata de la primera aparición cinematográfica de Tintín. El film está rodado con el sistema stop-motion a través de unas marionetas cuyos responsables fueron un matrimonio amigo de Hergé que recientemente habían montado un estudio de animación. Joao Batistas Michiels se encargó de la animación mientras que su esposa, Claude Misonne realizó las marionetas, bastante fieles al aspecto original de los personajes.

El estilo es deliciosamente ingenuo y sigue la historia paso a paso combinando las escenas de animación con otras reales filmadas en el puerto de Amberes. Algunos momentos están especialmente bien resueltos, como el ataque del avión a la balsa donde se refugian Tintín y el capitán, aunque otros evidentemente acusan la escasez de medios y el paso del tiempo. En cuanto a las voces hay para todos los gustos, destacando frente a la voz algo impávida de Tintín, la de Haddock, bastante más lograda y apropiada para el personaje.

El film se estrenó el 27 de diciembre de 1947 en el Théâtre de l´ABC de Bruselas, suponiendo el primer largometraje de animación belga, y el éxito fue tal que Hergé se animó a enviar varios álbumes al mismísimo Walt Disney para una hipotética producción de los grandes estudios. El magnate de la animación jamás se dignó a responderle personalmente y fue un subalterno el que rechazó la propuesta devolviéndole los trabajos a su autor.

El cangrejo de las pinzas de oro fue una cinta maldita durante mucho tiempo. Su productor se arruinó y eso propició que esta película estuviera prácticamente perdida. Recientemente la pudimos ver por fin en España gracias al Festival Animac 2009 en Cataluña, que la sacó del ostracismo recuperando 65 de los 85 minutos originales de la cinta. Esto hace que notemos algo deslavazada la acción sin que merme por ello la comprensión de lo narrado. Esta versión es la que podemos disfrutar en este enlace gracias a la web Descarga Cine clásico y a los subtítulos aportados por Evilcracke. En 1991, dentro de la serie "Las aventuras de Tintín" se adaptó de nuevo el mismo álbum, esta vez mediante animación convencional y con bastante menos gracia. Para otras adaptaciones del reportero belga al cine, nada como pasarse por el blog amigo BORGO, auténtico cajón de sastre de curiosidades y anécdotas varias cuyo sr. administrador dedicó al personaje una estupenda reseña.

Fragmento de "El cangrejo de las pinzas de oro" (1947)

No puede perdérsela: El fan de Tintín y los amantes de los incunables.

Abstenerse: Sólo por motivos colaterales (manía a los subtítulos, fobia a las marionetas, etc.)

Descarga directa en VOSE

(contraseña: descargacineclasico):

http://www.fileserve.com/file/EZRUBTG

THE CUBE (USA, 1969)

2011-07-17T19:18:00.006+02:00

Dirección: Jim Henson. Intérpretes: Richard Schaal (El hombre del cubo), Hugh Webster (Arnie), Rex Sevenoaks (Gerente), Eliza Creighton (Mujer seductora), William Osler (Científico), Jack Van Evera (Prisionero), Jerry Nelson (Monje), Sandra Scott (Decoradora), Claude Rae (Dr. Conners). Duración: 53 minutos.

Síntomas: Un hombre se ve encerrado, sin explicación aparente, en un cubículo perfectamente cuadrado por el que pululan multitud de personajes a cual más extraño. Sus intentos de huir del lugar se ven siempre frustrados por una u otra razón.

Diagnóstico: Jim Henson apenas necesita presentación. Generaciones enteras hemos crecido, disfrutado y aprendido con sus creaciones televisivas. De ahí que no me vaya a extender más en su persona y trabajo: Barrio sésamo, Cristal Oscuro, Dentro del Laberinto, etc.

Pocos son, sin embargo, los que conocen otra faceta más "adulta" en la producción de Henson que incluye, entre otros títulos, este curioso, atípico, marciano trabajo. Incluido en una serie inglesa titulada "NBC Experiment in Televisión", constaba esta, como su buen nombre indica, de una serie de telefilms cada cual más experimental que contaba con la labor de prestigiosos directores, guionistas y actores del momento: Frank Langella, Jo Van Fleet, Arthur Penn, Federico Fellini, Harold Pinter o Donald Pleasence son sólo unos pocos de los nombres que pasaron por los distintos episodios.

Jim Henson se presenta con este título que por premisa y diseño nos remite inmediatamente a un film muy posterior de Vincenzo Natali, Cube del año 1997, merecidamente célebre gracias a los premios cosechados en Festivales como los de Sitges, Toronto y Oporto.

Pero las semejanzas entre el film que nos ocupa y el de Natali terminan ahí. En realidad el film de Henson se encuentra mucho más cercano al espíritu nihilista y desesperanzado de La Cabina, de nuestro Antonio Mercero, auténtica obra maestra merecidamente galardonada con el EMMY en 1973, que muestra una alegoría del individuo atrapado en una sociedad opresiva y castradora - apenas disimulada sátira del régimen franquista que daba sus últimos coletazos por aquellos tiempos-. Tan sólo un año después, Narciso Ibañez Serrador proponía una metáfora similar en El Televisor, de nuevo asfixiante reflexión del individuo ante la sociedad, de nuevo un título a reivindicar, quizá algún día en este MADHOUSE.

Antes de todos estos, este The Cube, de nuevo el individuo encerrado, atrapado en su anhelos, frustraciones, complejos y terrores. No es difícil adivinar muy pronto que ese "cubo" del que nuestro protagonista no puede huir no es sino nuestra propia existencia, nuestro "modus operandi" que nos relega a una vida que a veces no hemos escogido nosotros mismos, más bien hemos delegado en los que nos rodean.

A este respecto, The Cube representa un experimento interesante, señal de una sociedad que entraba en ebullición - fines de los 60, inicio de los 70, inconformismo, revolución, "haz el amor y no la guerra"...- y como todo producto coyuntural ha envejecido bastante peor que el título de Mercero, con un discurso más simplista y una estética muy reconocible. Pero el telefilm merece ser tenido en consideración, sobre todo si tenemos en cuenta que en la época en la que nos encontramos actualmente, un periodo de notable decadencia cultural -curiosamente ahora que disponemos de mayor cultura a nuestro alcance, o quizá por eso precisamente- resultaría impensable la emisión, -no digamos ya la realización- de un producto televisivo de estas características en beneficio de cualquier memez supina a las que nos tienen acostumbrados cualquiera de la cadenas mayoritarias.

Así pues, buen provecho, y disfruten ustedes con este extraño y curioso The Cube.

Fragmento de este título

No puede perdérsela: Los nostálgicos del flower power.

Abstenerse: Los que no gusten demasiado de las alegorías sociales.

Nota: No recuerdo ahora mismo de quien es este ripeo y subtítulado (baja uno tantas cosas). Si aparece el responsable por aquí, favor de indicármelo y yo gustosamente le acreditaré. El enlace directo, cortesía de la casa.

Enlace en V.O con Subtítulos:

http://www.megaupload.com/?d=QRI3XBTR

EXPERIMENTS IN THE REVIVAL ORGANISMS (Unión Soviética-USA, 1940)

2011-06-09T02:07:00.006+02:00

Dirección: D.I. Yashin. Intérpretes: J.B.S. Haldane (Narrador). Duración: 19 minutos.

Síntomas: Documental que muestra diversos experimentos de científicos soviéticos para reavivar organismos muertos.

Diagnóstico: La reciente lectura del relato de H. P. Lovecraft, Herbert West: Reanimador, y la revisión por parte del excelente Blog Zombie de Alimaña -auténtica enciclopedia virtual de cine zombificado- de la saga que adaptó dicho relato, ha traído a mi mente este extraño, enfermizo e impactante documental nacido de la colaboración entre las comunidades científicas de Estados Unidos y la Unión Soviética. No olvidemos que en 1940, año de producción del film, las relaciones entre los americanos y los soviéticos eran aparentemente cordiales y no tardarían en unirse frente a un enemigo común mucho antes que la Guerra Fría se estableciera entre ambas naciones.

El documental está narrado por J.B. S Haldane, eminente biólogo escocés de aspecto tornasolado (de Profesor Tornasol) que narra con una pulcritud pasmosa los escalofriantes experimentos de su colega ruso Sergei S. Bryukhonenko (1890-1960), uno de los más famosos cirujanos de la época stalinista que pasó a la posteridad como el inventor del "autoejector", un primitivo artilugio mecánico capaz de realizar las funciones del corazón y los pulmones en sujetos muertos otorgándoles así la apariencia de vida. Aunque hoy parezca un tema superado, hay que tener en cuenta que estos experimentos se llevaron a cabo a lo largo de los años 20 y que sirvieron de avanzadilla en los trasplantes de órganos o en la fabricación de máquinas de diálisis.

Pero ¿por qué será que no logro ver este documental de apenas 19 minutos sin que todo lo que sucede en pantalla me provoque cierta inquietud? Ver la secuencia en la que una cabeza de perro separada del resto del cuerpo, "autojektor" mediante, reacciona ante los estímulos sensoriales no solo pone la carne de gallina si no que además remite claramente al famoso título que Yuzna y Gordon popularizaron en los 80. Por si eso fuera poco, el posterior experimento que se nos muestra en su totalidad consiste en drenar absolutamente toda la sangre de un perro sano y dejarlo sin vida diez minutos exactos para, posteriormente "re-animar" al sujeto en la mejor tradición del cine de Ciencia-Ficción.

¿Ficción a la manera de la inmortal novela de Mary Shelley o realidad científica? ¿Avance fabuloso o simple patraña? Con el tiempo, el film se ha convertido en una auténtica leyenda urbana, exactamente igual que el de los alienígenas de Roswell, con sus defensores y sus firmes detractores. No es mi intención pasar a juzgarlo aquí. Mis escasos conocimientos de medicina no dan para tanto y lo dejo para aquellos más duchos en la materia. Probablemente, como en la mayoría de los casos, en el término medio esté la virtud y si bien es probable que los hechos que se muestran hayan sido manipulados -evitan mencionar, por ejemplo, los efectos secundarios que en un cerebro sano puede provocar la falta de aire en un periodo tan prolongado- hay otros indicios que señalan que Bryukhonenko llegó bastante lejos en los logros de sus experimentos. No en vano, una versión ampliada y mejorada del "autoejector" todavía se puede ver en el Museo de Cirugía Cardiovascular del Centro Científico de cirugía en Rusia donde se asegura que fue empleado con éxito en humanos.

Como digo, evitando aquí cualquier debate ético o moral y, eso sí, advirtiendo por primera vez que el contenido de lo que aquí se ofrece puede herir ciertas sensibilidades, se os presenta un enlace donde un servidor a incrustado unos subtítulos disponibles en castellano gracias al trabajo de Mercucio_09 para Patio de Butacas.

Fragmento del Documental

No puede perdérselo: El curioso impenitente y los fans de Cuarto Milenio

Abstenerse: Los más sensibles al sufrimiento animal

Enlace (Versión Original con subtítulos incrustados):

http://www.megaupload.com/?d=W8SIX8AN

EL EXTRAÑO CASO DEL BLOG CLONADO

2011-05-03T01:42:00.010+02:00

¿Cómo reaccionariáis si de repente, casi por accidente, descubriérais que en el otro lado del planeta hay otra persona idéntica hasta el más mínimo detalle a vosotros mismos? Y no me refiero simplemente a los rasgos físicos; hasta cierto punto a casi todos nos ha pasado que alguien nos ha contado alguna vez: "oye, el otro día saludé a otro pensando que eras tú y resulta que no, que tienes por ahí uno igualito a tí". Después te encuentras con esa persona cara a cara y es verdad, que tu parecido es razonable pero no va más allá de eso.

No, yo me refiero a alguien clónico a tí, no sólo en parecido físico si no en pensamientos, sentimientos, reflexiones, ideas... Pues, como no se podía esperar de un lugar tan extraño como este, eso le ha pasado a MADHOUSE. Bueno, en concreto a uno de sus post (de momento que yo sepa).

El inquietante ser ha aparecido a miles de km de aquí, concretamente en Uruguay y para que vayáis comprobando por vosotros mismos el parecido absoluto os invito a que revisitéis uno de mis antiguos post, concretamente ESTE. Ahora os pediría que gastárais un poquito más de vuestro tiempo y visitárais este otro POST del que os aseguro NO SOY AUTOR. Idénticos comentarios, chascarrillos, capturas (incluido ese cartel improvisado que realicé con el photoshop), etc.

El asunto tiene su aquel porque demuestra además que la clonación ha sido totalmente premeditada y no fruto de una busqueda arbitraria. Fijaros en la referencia al verano que hago al principio. Dada las fechas en las que escribí ese post (30 de agosto) era de lo más pertinente. En un principio pensé que había sido un descuido del supuesto "usurpador" hasta que caí en la cuenta: "¡en Uruguay el verano termina ahora!" Hubiera sido muy sencillo eliminar esa referencia pero no, el clonador mantuvo pacientemente al espécimen en el tubo de ensayo hasta esperar el momento apropiado para sacar una copia exacta al mío. Da un poquito de yu-yu ¿verdad? El hecho que el lugar en cuestión se llame El Averno del Hades no llama a la tranquilidad precisamente.

Tal fue mi incredulidad en el momento de descubrir mi clon que, tonto de mí, me fuí corriendo a comprobar las fechas, no resultara que fuera yo el usurpador, que yo cual Schwarzenegger en El sexto día, fuera el ser clónico, la copia de un ente original que existiera antes que yo. Afortunadamente la datación no arrojaba dudas y enseguida respiré aliviado. Seguía siendo un ente con personalidad propia, sigo siendo una persona con certificado de autenticidad, original, intransferible por mucho que de mis ideas y conocimientos haya salido un clon. Soy real, no una ilusión.

Todo esto no lo digo con acritud, - quien ya me ha tratado en foros o blogs sabe que rara vez me excito por estas u otras nimiedades de la vida – pero no consigo salir de mi asombro ante estas cosas. Y al mismo tiempo que me siento honrado por resultar digno de ser clonado, siento tristeza por aquellos que no se ven capaces de existir sin el trabajo y la creación de otras personas porque, al fin y al cabo, encierra todo esto un profundo sentimiento de inferioridad. Y si yo, ser imperfecto, plagado de debilidades, limitaciones y errores, pero único al fin y al cabo, no siempre me encuentro contento conmigo mismo, ¿qué decir de las personas que actúan de esta manera?

Así, tras mi primer e impetuoso impulso de escribirle un mensaje y llamarle al orden desistí, pensando que un clon también tiene derecho a ser feliz creyéndose original y único; o mejor dicho, haciendo creer a los demás que lo es. Y como lo último que deseo es enemistarme con nadie por rencillas virtuales que tendrán escasa importancia dentro de 100 años he decidido ahorrarle el shock de descubrir que su "yo original" ha descubierto el engaño y mucho menos ponerle en evidencia delante de los suyos. No, internet es lo suficientemente grande para vivir tranquilos los dos. Pero os invitaría a que visitaseis tan extraño lugar (más aun que el mío) y descubráis si no sois vosotros otros de esos seres clonados que yacen por las salas de ese averno. Porque no me cabe duda que el resto de artículos, post, enlaces e incluso las imágenes seleccionadas no son sino seres clonados cuya vida original existe, quien sabe donde, ajena a la existencia de su clon. Lo he comprobado personalmente aunque en todo momento de a entender que los artículos son suyos (incluso se permite dedicar alguno de ellos). Y con estas reflexiones acerca de la copia, el original y la certeza de que el infierno, al fin y al cabo, no es tan grande como pueda suponer el propio Hades me despido hasta mi próximo (no puedo decir irrepetible) post.

Y ahora unos minutos musicales para desdramatizar el asunto. Os recomiendo el video-clip, muy apropiado al tema. Y de bizarro va sobrado para el lugar...

Clone Fashion (Glamour to kill)

PRIMEROS CRISTOS DE LA HISTORIA DEL CINE (USA-Francia, 1903, 1912)

2011-04-20T01:35:00.020+02:00

Título original: La vie et la passion de Jésus Christ (1903). Dirección: Lucien Nonguet y Ferdinand Zecca. Intérpretes: Madame y Monsier Moreau (Virgen María y José). El resto del reparto no consta. Duración: 44 minutos.

Título original: From the manger to the cross (Jesús de Nazareth, 1912). Dirección: Sidney Olcott. Intérpretes: Robert Henderson-Bland (Jesús), Gene Gauntier (virgen María), Percy Dyer (Jesús, niño), Alice Hollister (María Magdalena), Sidney Olcott (Ciego), Samuel Morgan (Poncio Pilatos), James D. Ainsley (Juan el bautista), Robert G. Vignola (Judas), George Kellog (Herodes), J.P McGowan (Andrés). Duración: 70 minutos.

Síntomas: Nacimiento, vida y pasión de Cristo. En el primer caso llega hasta su apoteósica resurrección, en el segundo título sólo hasta su cruxifición, más que nada por no contradecirse con el título.

Diagnóstico: Sesión doble a cargo de la figura histórica más importante - independientemente de nuestras creencias- y una de las que más veces ha sido llevada a la pantalla. Dos rarezas - que gracias al ciberespacio ya no lo son tanto – un tanto alejadas de la temática del blog y que si tienen su cabida aquí es por tratarse de las dos primeras apariciones importantes de Jesucristo en el cine.

Hacer un repaso aquí de las adaptaciones al celuloide de tan emblemático personaje resultaría un ejercicio innecesario ya que existe suficiente información al respecto. Más estimulante sería acercarnos no obstante a algunas de esas adaptaciones más marcianas que las hay y muchas. Quizá en sucesivas Semanas Santas, ya veremos como andamos de fervor cristiano para entonces.

Una vez inventado el cinematógrafo en 1895, Jesús de Nazareth no tardaría en aparecer en pantalla. Ya los propios hermanos Lumiere dos años después rodarían Vida y pasión de Jesucristo, un conjunto de estampas absolutamente naïf que obtuvieron un gran éxito de público. Es natural; hasta la fecha las demás artes (pintura, escultura, teatro) habían sido acaparadas por la iglesia desde la Edad Media para su labor "pedágogica" y evangelizadora. El enorme potencial del cine no podía escapárseles y no tardaron en utilizar el séptimo arte como vehículo ideal para lograr enfervorizar a las huestes cristianas, algo que no han dejado de hacer, por cierto (veanse las ultracatólicas versiones de Gibson o Zefirelli, sin ir más lejos).

La vie et la passion de Jésus Christ puede considerarse el primer acercamiento más o menos serio al prsonaje y no es más que un "remake" de aquel primer título de los Lumiere, con mayor presupuesto y paulatinamente ampliado desde los 18 cuadros iniciales hasta los 31 que quedaron en 1905 (versión a la que pertenecen los enlaces que presento más abajo). De una apariencia deliciosamente naïf, el film en sí no son más que una sucesión de "estampas" coloreadas a mano (la cinta está producida por los hermanos Pathé que precisamente patentaron este entrañable sistema) y que muestra de manera bastante completa la vida y milagros de Jesús. Resulta irresistible ver la ingenuidad con que resuelven algunos "efectos especiales" requeridos: Jesucristo caminando sobre las aguas, el descenso del Espíritu Santo, la Resurrección, etc. El alarde técnico y la apariencia quedaron tan impresionantes para la época que resultó una herramienta didáctica utilísima para los misioneros católicos en África y la Polinesia. En 1907 Zecca supervisó una nueva versión con el insigne Segundo de Chomón como director de fotografía.

Del pesebre a la cruz da un paso más y podemos considerarlo como el primer largometraje de Jesús, propiamente dicho. No sólo eso, también es la primera superproducción acerca de su figura ya que costó la friolera de 100.000$ de la época aunque el éxito fue tal que en seguida llegó a multiplicar por diez esa cifra. Lo primero que llama la atención es que el film obvia un aspecto tan importante para los devotos creyentes como es la Resurrección de Cristo. A parte de estos datos, otra curiosidad de especial valor en este film es el estar rodado justo en los lugares donde transcurre la acción, montando un plató en Jerusalén para los interiores y prolongando durante tres meses el rodaje en Egipto y Tierra Santa. A pesar de esto, y ya desde el punto de vista cinematográfico, el avance es mínimo con respecto a las estampas de Ferdinand Zecca. De hecho, mantiene el mismo estatismo de la cámara (salvo alguna que otra leve panorámica, como en la llegada de los Reyes Magos) aunque eso sí, dotando de mayor realismo las puestas en escena en cada cuadro. La ausencia de primeros planos, travellings o cualquier otro recurso de narrativa cinematográfica impiden la creación de un espacio propiamente fílmico, tratándose de una sucesión de escenas algo más elaboradas que su antecesora pero sin la gracia "kitsch" de aquella. Como último dato curioso señalar que Gene Gauntier, la guionista del film, interpreta aquí a la virgen María y que el propio director, Sidney Olcott aparece como un hombre ciego. En definitiva dos versiones hasta hace bien poco inéditas para nosotros y desde luego muy adecuadas en estas fechas tan señaladas para algunos, tan "coñazo" para otros.

Fragmento de "Vida y pasión de Jesucristo" (1905)

No puede perdérsela: El que esté cansado de ver siempre las mismas películas mesiánicas por estas fechas.

Abstenerse: Quien no tenga un mínimo de curiosidad por la arqueología cinematográfica.

Enlaces "Vida y pasión de Jesucristo" (1903-05)
http://www.megaupload.com/?d=L6ZIFWKV
http://www.megaupload.com/?d=KQ90XD99
http://www.megaupload.com/?d=BGFTMYTL

Enlaces "Del pesebre a la cruz" (1912)
(procedentes del foro "Patio de butacas")
http://www.mediafire.com/?frm6e2tb85l2qa5

http://www.mediafire.com/?0qm40jy43ltx4ky
http://www.mediafire.com/?hcdfnund0dj8d6c
http://www.mediafire.com/?psjz0xvkzhucsjx

SHARKTOPUS (USA, 2010)

2011-04-09T01:38:00.005+02:00

Dirección: Declan O´Brien. Intérpretes: Eric Roberts (Nathan Sands), Kerem Bursin (Andy Flynn), Sara Malakul Lane (Nicole Sands), Héctor Jiménez (Bones), Liv Boughn (Stacy Everheart), Julián González (Santos), Blake Linsey (Pez), Calvin Persson (Comandante Cox) , Megan Barkley (Lisa), Maija Markula (Bree). Duración: 86 minutos.

Síntomas: Un ingeniero crea para el ejército un monstruo, mitad tiburón, mitad pulpo, como arma contra los piratas somalíes. Cuando sus implantes electrónicos fallan, el Sharktopus (o pulpurón, que viene a ser lo mismo) se dirige a las aguas mexicanas dispuesto a zamparse a todo turista que se le ponga por delante.

Diagnóstico: Enfrentarnos a este tipo de títulos ineludiblemente hace que se nos tuerza el gesto a la par que provoca el jolgorio de todo aficionado al cine más bizarro y psicotrónico/trópico.

Pero, en realidad, ¿qué diferencia títulos como este (o cualquiera de las otras cintas, a cual más demencial, que Roger Corman ha producido recientemente para el canal SyFy Universal) con aquellas producciones que este avispado productor realizó para la American Internacional Picture en la década de los 50? ¿Por qué hoy día defendemos títulos como Attack of the Crab Monsters, It conquered the world o The wasp woman a la par que tratamos con desprecio productos como este Sharktopus ?

Los elementos son exactamente los mismos: guiones disparatados, efectos especiales baratos (por muy digitales que estos sean), intérpretes de tercera fila (duele ver donde ha terminado un actor en sus tiempos tan prometedor, como Eric Roberts), y un trabajo de producción precipitado dirigido al consumo inmediato de un público adolescente ávido de novedades. La respuesta para que tratemos con mayor condescendencia y tildemos de “clásicos” aquellos títulos es, sin duda, el efecto que el factor tiempo produce en estas obras que convierten lo cutre en naif, lo casposo en irresistiblemente “kichts”.

Pero si algo hay que reconocerle a esta producción (enésimo enfrentamiento de una criatura modificada artificialmente para fines militares con sus creadores, más parecidos a vigilantes de la playa que ha científicos doctorados en genética molecular), igualmente que a sus antecesoras, es su absoluta honestidad en sus planteamientos: apenas han pasado cinco minutos la criatura ya escapa del laboratorio; a partir de ahí un sin fín de persecuciones, ataques del monstruo merendándose a todo bicho viviente, humor de trazo grueso (atención a la intervención-cameo de un ya entrañable ancianito llamado Roger Corman, con mucho, lo mejor de la cinta), chicas en bikini y sobre todo la fresca sensación de que sus responsables no se toman la cosa demasiado en serio.

Huelga decir mucho más acerca de este título. Hoy provocará la huida de más de uno, mañana está destinado a ser un clásico de la revolución infográfica de serie B; “B” de baja estofa, por supuesto.

Tráiler Oficial de la cosa en cuestión

No puede perdérsela: El aficionado a los mutantes marinos.

Abstenerse: Cualquiera al que el cartel, el tráiler y las fotos no le resulten absolutamente irresistibles.

Enlaces (en VOSE)

http://www.megaupload.com/?d=OYCSOFP2

http://www.megaupload.com/?d=FUQANQWG

http://www.megaupload.com/?d=93YI25BU

http://www.megaupload.com/?d=HSKU6EXF

http://www.megaupload.com/?d=GY3R11C3

http://www.megaupload.com/?d=95HT3KTP

http://www.megaupload.com/?d=X7VJEU1E

http://www.megaupload.com/?d=1TID72F4

HAPPY END (Checoslovaquia, 1967)

2011-04-02T01:50:00.007+02:00

http://www.megaupload.com/?d=1ABDY9AY

Subtítulos en español:

http://www.megaupload.com/?d=UWXXCY3N

http://www.megaupload.com/?d=JNNTV6WH

http://www.megaupload.com/?d=N3V7YNRE

Enlaces de descarga:

Una de las mejores secuencias del film

Abstenerse: Sólo el que no guste de los subtítulos. Por el momento es la única manera de disfrutar de esta gozada.

No puede perdérsela: Ningún amante del CINE, así, con mayúsculas.

Diagnóstico: “Las historias de amor son todas iguales: desafortunadas al principio y con final feliz. La mía es completamente diferente”. Con esta primera frase Lipský formula toda una declaración de intenciones para su film: una divertidísima sátira sobre las relaciones amorosas hombre-mujer en forma de compleja pieza de cámara, con estética de cine mudo y cuya mayor – y asombrosa – particularidad es estar narrada al revés.

En efecto, los personajes actúan siempre hacia atrás, los diálogos en sentido inverso, el film en definitiva, en continuo rebobinado desde el primer minuto hasta su resolución ¿inicio? De nuestra historia.

El experimento no es baladí; la acción y puesta en escena está diseñada para provocar la hilaridad, los diálogos están milimétricamente concebidos para que, invertidos, tengan siempre sentido en un poliédrico juego de palabras y significados. Por encima de todo ello la voz en off del protagonista, omnipresente narrador, reinventado y dándole una irónica explicación a todo lo que estamos viendo marcha atrás. El resultado: una inteligentísima comedia que trasciende su inicial apariencia ingenua, su tónica naif, para convertirse en uno de los experimentos narrativos más fascinantes de la historia del cine europeo.

Aparte de todo esto lo habitual en su realizador: una dirección artística impecable, un virtuosismo técnico notable para la época y unos actores en estado de gracia. Lypský – culto director cuyos límites que establecia eran los de su propia imaginación - elude con inteligencia las peligrosas sombras de la pedantería y el aburrimiento con esos 70 minutos que evitan que el cansancio llegue a aparecer nunca en el espectador.

Y es que a Oldrich Lipský – ya reseñado en esta madhouse – sólo se le puede achacar un par de “pecados”: no haber nacido francés o británico y dedicarse a un género tan aparentemente frívolo como la comedia. De no ser así siempre he dicho que su lugar en el cine estaría reservado junto al reducidísmo club de genios, muy cerquita de Billy Wilder y Howard Hakws.

Síntomas: Historia de Frydrych, una cabeza huérfana. Enseguida le crecerá un cuerpo y extremidades al levantarse la hoja de una guillotina. Tras una pequeña temporada en un hospicio entre barrotes para su propia seguridad y formación, Frydrych sale por fin a la vida dispuesto a inicial una singular historia de amor.

Título Original: Stastny konec . Dirección: Oldrich Lipský. Intérpretes: Vladimir Mensík (Butcher Bedrich Frydrych), Jaroslava Obermaierová (Julie), Josef Abrhám (Ptacek), Bohus Záhorský (Tchán), Stella Zazvorková (Tchyné), Jaroslav Sterci (Strázník), Helena Ruzicková (Cernovláska), Josef Hlinomaz (Comisario). Duración: 69 minutos.

Un saludo Y terapias de regresión V: Dos tesoros del Fantástico latino

2011-03-16T13:10:00.005+01:00

Ante todo mis disculpas por esta más que prolongada ausencia de actividad en esta Casa de Locos, cajón de sastre de rarezas cinéfilas con especial predilección por lo inédito, psicotrónico e imposible. La incesante actividad con que he comenzado el año, alternando pluriempleos y estudios me ha impedido aparecer por estos lares con la necesaria dedicación. Y esta ausencia me ha mortificado no tanto por la imposibilidad de actualizar mi rincón, como por el hecho de no poder visitar con la frecuencia que quisiera y se merecen ciertos blogs amigos. Aunque mi tiempo libre sigue siendo escasísimo, intentaremos enmendar la situación e ir poniéndonos al día poco a poco aquí y en los alrededores. Aunque no va a ser fácil para mí. Eso implicará, en el futuro, unos artículos más breves pero, eso sí, con toda la información habitual: ficha, sinopsis, una valoración personal y, por supuesto, los correspondientes enlaces.

Y ahora, y para romper momentáneamente el hielo. Refrescaremos dos títulos fundamentales en el fantástico latino y que ya podemos disponer en descarga directa:

CARNE DE TU CARNE

Historia gótica de amor entre dos adolescentes hermanos de madre, durante la dictadura militar de los años 50 en Colombia. A través de la relación incestuosa los amantes son poseídos por los fantasmas de sus antepasados y se convierten en criaturas caníbales y vampíricas que siembran el terror en la región al confundirse con mitos autóctonos.

Fantasmas, vampiros y hasta zombies de estética romeriana. De todo podemos encontrar en esta extraña e inclasificable muestra de cine fantástico colombiano. Recomendable. Leer más

Enlace de descarga:

http://www.megaupload.com/?d=XUETEM5H

MACARIO

Macario, un humilde aldeano que tiene esposa y varios hijos, se dedica a vender leña en el pueblo. Harto de una vida de privaciones y apuros, manifiesta que su mayor anhelo es poder comerse él solo un guajolote (pavo), sin tener que compartirlo con nadie. Su esposa, confidente de tan profundo deseo, un día roba uno de la casa de una familia rica donde realiza labores domésticas. Cuando Macario se dispone a comérselo, Dios, el Diablo y la Muerte se le aparecen para pedirle que lo comparta. Al final decide compartirlo con la Muerte y este a cambio le hará un regalo tan espléndido como peligroso.

Una de las joyas, no ya de la filmografía mexicana, sino de la historia del cine. A medio camino entre Murnau y Bergman (no en vano la Muerte que áquí se presenta compite en fascinación con la interpretada por Bengt Ekerot en El Séptimo sello), un mágico cuento ideal para ver en familia el día de difuntos. Imprescindible. Leer más

Enlaces de descarga:
http://www.megaupload.com/?d=06U4S4ES
http://www.megaupload.com/?d=8NTQO2AE
http://www.megaupload.com/?d=PB2FT580
http://www.megaupload.com/?d=IRBYOMT2

Terapias de regresión IV: dos clásicos del cutrerio infantil

2010-12-27T02:10:00.009+01:00

Con un poco de retraso pero todavía inmersos en las fiestas Navideñas, periodo del año donde la exaltación de lo kitsch alcanza la categoría de culto religioso, aprovecho la ocasión para desear a todos los habituales de MADHOUSE unas felices fiestas y feliz entrada en el 2011. Y nada mejor que recordar dos títulos ideales para ver en familia durante estas vacaciones e introducir sutilmente a nuestros tiernos infantes en ese gusto por lo bizarro que tanto nos pierde. Ahí vamos

SANTA CLAUS CONQUISTA A LOS MARCIANOS

Pues eso, un Santa Claus que se pasa casi toda la película riendo de manera estúpida es secuestrado por los marcianos para que establezca en el planeta rojo esa tierna tradición de repartir presentes entre sus marcianitos. De tan estúpida resulta deliciosa. Al final no sabemos si quedarnos con el robot realizado con cajas de cartón metalizadas, las pistolas extraterrestres igualitas que un secador o esas caras untadas de betún que pretenden pasar por tez verde. Si estás cansado de ver "¡Qué bello es vivir!" esta es tu peli. Ver reseña completa.

Enlace de descarga (en castellano):

http://fileserve.com/file/m6wgQaA

----------------------------------------------------------------------------

CAPERUCITA Y PULGARCITO CONTRA LOS MONSTRUOS

Culmen de lo Camp, Kichts y Naif, todo juntito oiga. Colores (y personajes) chillones, números musicales de lo más resultones, divos del cine mexicano y un sin fin de "sucedáneos" de monstruos con aviesas intenciones, todo ello metido en esta astracanada. Los momentos inolvidables no escasean, como aquel en el que todo un pueblo se convierte en monitos de feria después de beber un líquido de aspecto dudoso o el enfrentamiento final de los niños con un furioso dragón en un título que hacía carne toda la iconografía creada por Disney. La trama es lo de menos, los efectos especiales son de traca y el diseño de producción resulta delicioso. A su manera memorable. Ver reseña completa.

Enlaces de descarga (Castellano):

http://www.megaupload.com/?d=01RK31Q3

http://www.megaupload.com/?d=0TEUXL3F

http://www.megaupload.com/?d=GLB53AJ0

http://www.megaupload.com/?d=KKVTGPTA

http://www.megaupload.com/?d=J7D0S019

http://www.megaupload.com/?d=QOCMW5U6

http://www.megaupload.com/?d=AK17GM17

http://www.megaupload.com/?d=58W8EXCW

http://www.megaupload.com/?d=CPBI4HXC

http://www.megaupload.com/?d=ZXUKXGG4

http://www.megaupload.com/?d=P04QYXEE

EL FANTASMA INVISIBLE (USA, 1941)

2010-12-07T21:07:00.003+01:00

Título original: Invisible Ghost. Dirección: Joseph H. Lewis. Intérpretes: Bela Lugosi (Dr. Charles Kessler), Polly Ann Young (Virginia Kessler), John McGuire (Ralph Dickson / Paul Dickson), Clarence Muse (Evans, el mayordomo), Terry Walker (Cecile Mannix), Betty Compson (Señora Kessler), Ernie Adams (Jules Mason), George Pembroke (Teniente Williams), Ottola Nesmith (Señora Mason), Fred Kelsey (Detective Ryan), Jack Mullhall (Detective Tim). Duración: 64 minutos.

Síntomas: El profesor Kessler perdió a su mujer en un accidente de trafico, pero aun actua como si estuviera viva. Kessler vive con Virginia, su única hija, en un siniestro caserón donde además se están produciendo una serie de asesinatos que mantiene desconcertada a la policía. Por su parte, el prometido de Virginia, Ralph, tiene un secreto: fue amante de la actual criada de la casa. Cuando aparece asesinada y con una carta de Ralph en la mano este se convierte inmediantamente en el chivo expiatorio de los crímenes.

Diagnóstico: El hecho de que este pequeño film sea relativamente fácil de encontrar en esas ediciones baratas que pululan actualmente por los grandes centros comerciales puede hacer pensar al aficionado que se encuentra ante una rutinaria serie B sin otro aliciente más allá del protagonismo del inefable Bela Lugosi. Bueno, pues se equivoca de plano a plano. The Invisible Ghost es uno de los más (involuntariamente) surrealistas títulos que la entrañable productora Monogram realizó en su dilatadísima trayectoria como cultivadora de serie B durante la década de los 40 .

Freud ha ejercido siempre una innegable fascinación dentro del medio artístico. De hecho el estudio de lo oculto, del yo interior mediante el psicoanálisis, dió origen a la mayoría de las vanguardias del siglo XX y esa influencia se dejó notar de una manera tácita también en Hollywood. Los más grandes directores coquetearon con las teorías freudianas dando conocidos títulos que en general, y paradójicamente, no suelen figurar entre lo más granado de sus filmografías. Doble Vida de George Cukor, Recuerda de Alfred Hitchcock o Secreto tras la puerta de Fritz Lang son sólo unos pocos ejemplos de esta moda pasajera. Si en estos títulos, con unos responsables y presupuestos de primera ya trataban de manera harto superficial las teorías freudianas, en una serie B pura y dura, como es la que ahora nos ocupa, el resultado podría ser ciertamente demencial. Y este título, desde luego, no defrauda esas expectativas.

He de admitir que esta es una de las sinopsis que más me ha costado redactar. El simple ejercicio de repasar su argumento nos sirve para comprobar las múltiples incongruencias de un guión plagado de agujeros que sólo podemos disculpar en base a la condescendencia con la que nos acercamos a títulos de esta naturaleza . Se supone que la mujer de nuestro protagonista ha fallecido en un accidente de coche pero pronto descubrimos que en realidad está viva, en un estado de demencia (no sabemos el motivo) y que el jardinero la tiene escondida en la caseta de herramientas del jardín. Tampoco sabemos por qué permanece escondida. La mujer repite constantemente que no puede regresar a casa porque alguien quiere hacerle daño. Pero nunca se explica a qué o quién se refiere. La señora se dedica por las noches a pulular por el exterior de la casa e hipnotizar telepáticamente a su esposo para que este se dedique a asesinar a todo bicho viviente con el albornoz (detalle especialmente bizarro) aunque tampoco sabremos nunca los motivos que le mueven a ello. La policía da por sentado enseguida (con argumentos bastante pelegrinos) que el asesino es el prometido de la hija de Lugosi, se le condena a muerte y se le ejecuta, pero no hay porqué preocuparse porque enseguida aparece el hermano gemelo para investigar lo sucedido. Así tenemos dos personajes por el precio de uno. Y por si todo esto no resulta suficientemente psicotrónico, hay que ver la sesión a la que somete un psiquiatra de la policía al pobre mayordomo de la casa (negro, por supuesto) para averiguar, según las revolucionarias técnicas del psicoanálisis, si este está demente o no.

No obstante, y aunque parezca mentira, el film se eleva por encima de todas estas circunstancias gracias a la personalidad de su por entonces todavía joven director, Joseph H. Lewis. Por si hay algún despistado que todavía no sepa del enorme talento de Lewis recordaremos que ha dado a la historia del cine espléndidos títulos como Agente Especial, La ciudad sin ley o esa joya que es El demonio de las armas, muy pronto revalorizada por una corriente de directores jóvenes entre los que se encontraban los de la Nouvelle Vague. Siempre acostumbrado a sacar oro de escasos presupuestos, Lewis consigue vencer en parte los inconvenientes de esta modesta producción merced a una puesta en escena que supera la teatralidad de su propuesta (prácticamente un par de espacios y unos pocos actores) y una planificación del uso de la cámara que sabe sacar un estupendo provecho de una, por otra parte, convencional escenografía (seguramente reciclada) con rápidos travellings que incluso atraviesan las paredes de las estancias y un uso de la profundidad de campo prácticamente inédito en la época. Del mismo modo Lewis vence la tentación de adscribirse al expresionismo alemán importado por la Universal, conservando no obstante cierto tenebrismo en la iluminación y logrando momentos plásticos para el recuerdo.

El reparto cumple su cometido con oficio ofreciéndonos detalles interpretativos poco comunes en producciones de este tipo. Lugosi no era buen actor, de acuerdo, pero la cámara le quería, y siendo consciente de ello, Lewis le retrata con mimo especialmente en los momentos de locura transitoria. Del resto de reparto destaca la bella Polly Ann Young, hermana menor de Loreta Young y que curiosamente con esta película dio por finalizada su carrera como actriz a pesar de morir a los 88 años. Por su parte, Clarence Muse, que interpreta a Evans, el fiel mayordomo de la casa, puede considerarse como la primera gran estrella negra de Hollywood y alternó sus trabajos como compositor, actor y guionista hasta su última película (El corcel negro) en 1979 cuando contaba ya con 90 años. Por su parte, una gran diva del cine mudo, Betty Compton realiza una loable labor como la enloquecida esposa de Lugosi, demostrando con esta caracterización que quien tuvo retuvo.

En definitiva este título puede provocar sentimientos contradictorios. Tan contradictorios como es observar a un buen equipo técnico y artístico batallar con un guión absurdo y un presupuesto menos que modesto. El lado al que se incline finalmente la balanza deberá valorarlo cada uno. La propuesta queda ahí, como un título curiosísimo dentro de la filmografía de Lugosi y, desde luego, de su capacitado autor. ¡Ah! El fantasma del título, de tan invisible que es, no se le ve por ningún lado en todo el metraje, una última ironía de un guión que va a necesitar de la complicidad del espectador desde el primer minuto.

Trailer original de "Invisible Ghost"

No puede Perdérsela: El fan de Lugosi.

Abstenerse: El que haya perdido cierta ingenuidad para disfrutar de estas "antiguallas".

Enlaces en Dual (castellano/inglés):

http://rapidshare.com/files/118870581/Fan-In.part1.rar

http://rapidshare.com/files/118870388/Fan-In.part2.rar

http://rapidshare.com/files/118870497/Fan-In.part3.rar

http://rapidshare.com/files/118870842/Fan-In.part4.rar

http://rapidshare.com/files/118871192/Fan-In.part5.rar

http://rapidshare.com/files/118871128/Fan-In.part6.rar

http://rapidshare.com/files/118871951/Fan-In.part7.rar

http://rapidshare.com/files/118859211/Fan-In.part8.rar

Subtítulos:

http://www.mediafire.com/?sxnxignjbmw

Terapias de regresión (III): DOS INÉDITOS EN DD

2010-11-20T21:34:00.008+01:00

Continuamos nuestra terapia de regreso (ya se sabe, títulos anteriormente reseñados en MADHOUSE pero ahora ofrecidos en Descarga directa). Esta vez dos más que interesantes films cuyo acceso directo estaba pendiente en la red. Dos primicias absolutas si bien el agradecimiento debería correr a cargo de sus respectivos montadores. Yo sólo he posibilitado esta opción de descarga

UNA FRÍA NOCHE DE MUERTE

Expediente: Desconocido y extraño título realizado con la solidez propia de aquellos telefilms de los70. Dos científicos atrapados en una estación ártica son paulatinamente intimidados por una amenaza intangible, invisible y cada véz más aterradora. Robert Culp y Eli Wallach aguantan por sí solos y sin mayor problema el interés del film hasta su macabro desenlace. Ripeo y montaje de Paracaidista-Terrorfantástico. Ver reseña completa

Enlace de descarga (en castellano):

http://www.megaupload.com/?d=3QZZN7Y3

------------------------------------------------------------------------------------------------------

YO MATÉ A EINSTEIN, CABALLEROS

Expediente: Un grupo de científicos viajan al pasado decididos a matar a un todavía joven Einstein y así evitar la Guerra Mundial que asola al planeta. Un prodigioso film que funciona a todos los niveles: como sátira política, como parábola de Ciencia-ficción y como comedia. Si la hubiera dirigido Billy Wilder sería hoy un clasicazo. Como la hizo el gran Lipsky, el goce queda reservado a unos cuantos bichos raros. Hasta que llegó Regreso al futuro, la paradoja del viaje en el tiempo más divertida. Ver reseña completa.

Enlace de descarga (V.O):

http://www.megaupload.com/?d=RL24ABWR

Subtítulos en castellano:

http://www.megaupload.com/?d=RUZMOLW4

THE THING WITH TWO HEADS (USA, 1972)

2010-11-07T12:25:00.008+01:00

Dirección: Lee Frost. Intérpretes: Ray Milland (Maxwell Kirshner), Roosevelt Grier (Jack Moss), Don Marshall (Dr. Fred Williams), Roger Perry (Dr. Philip Desmond), Chelsea Brown (Lila), Katherine Baumann (Patricia), John Bliss (Donald), John Dullaghan (Thomas), Lee Frost (Sergeant Hacker), Jane Kellen (Señora Mullen), Wes Bishop (Dr. Smith). Duración: 93 minutos.

Síntomas: El Dr. Kirshner, eminente cirujano de carácter misógino, racista y decididamente endiablado, sufre de un cáncer terminal. Para burlar su fatal destino ha estado investigando con animales la posibilidad de trasplantar una cabeza en el cuerpo de otro individuo para poco a poco ir absorviendo las facultades del cuerpo anfitrión y poder deshacerse de la cabeza "original". Llegado el momento, consigue a un voluntario, un preso condenado a muerte. Lo que no sabe el Dr. Kirshner es que el sujeto en cuestión es negro y además tiene sus propios planes de fuga.

Diagnóstico: Cuando se habla de la colaboración del gran Ray Milland con la AIP se suelen mencionar a las imprescindibles La obsesión y El Hombre con rayos X en los ojos, ambas dirigidas por Roger Corman del mismo modo que se pasa de soslayo por el título que ahora nos ocupa y que es, sin duda, el más bizarro de los tres. A pesar de ello, y vaya de antemano, este film no merece la mala fama que algunos prejuiciosas críticas siempre le han cargado como un sambenito, catalogándolo al mismo nivel que la (esta sí lamentable) Serpiente de mar, ya reseñada aquí.

Realizada a rebufo de otro film con idéntica premisa ,The Incredible 2-Headed Transplant (1971) técnica y artísticamente inferior a la que ahora nos ocupa, lo que hace de esta cinta (titulada con motivo de su edición en video en España con el poco apropiado título de Experimento Diabólico) un film tan agradable de ver es su decidido tono cómico (que no paródico) a lo largo del metraje, con un Ray Milland verdaderamente divertido que demuestra su innegable profesionalidad a pesar de verse obligado a estar literalmente pegado durante la mayor parte del rodaje a un negro de 2 metros de altura, el ex jugador de Fútbol americano : Roosevelt Grier. Contra todo pronóstico, el tal Grier también está de lo más acertado en su composición y consigue una eficaz química con el veterano Milland. Las discusiones entre ambos (recordemos, un viejo científico malhumorado y racista y un condenado a muerte negro que se ven obligados a "convivir" en un mismo cuerpo) proporcionan algunas situaciones y diálogos francamente divertidos, como el momento en el que Grier intenta convencer a su novia de hacer el amor tapando la cabeza de Milland. Como dato curioso comentar que Grier pasaría a la historia antes que como actor, como guardaespaldas de Robert J. Kennedy (hermano de John) al ser uno de los que blocó a Shirhan, el joven integrista palestino que efectuó el disparo que a la postre causó la muerte al senador demócrata.

Volviendo a la cinta que nos ocupa, mencionar que está dirigida por Lee Frost (que aquí interpreta a un sargento de policía ). Frost quizá no le diga nada a la mayoría de los aficionados pero se trata de uno de los realizadores más eficaces del género black-exploitation de la época con títulos tan célebres como Love Camp 7 (1969) o The black Gestapo (1975). El experimento resultante es tan curioso como el que narra la trama: producir un híbrido de dos de los géneros más populares en la serie b de los 70. Por un lado los films de ciencia-ficción, con "mad doctor" incluido, en donde se muestran las excelencias de una incipiente técnica del trasplante (recordemos que el Dr. Christiaan Barnard había realizado con éxito el primer trasplante de corazón apenas cuatro años antes) con las black exploitation de la época que también habían irrumpido con fuerza dentro del género fantástico (recordemos ese Blácula, sin ir más lejos). Sin duda, la mala fama que arrastra el film se debe a su psicotrónica premisa: el injerto de una cabeza a otro cuerpo para que, tras un breve periodo de tiempo, vaya usurpando poco a poco las capacidades motoras y, como final de operación, se extirpe la antigua cabeza, ya inservible. Tal argumento sólo se podía atacar desde una única premisa (y ahí, insisto, radica el principal acierto del film): el constante tono irónico en situaciones, diálogos y personajes que impiden que nos tomemos demasiado en serio la película.

Que The thing with two heads cuenta con un escasísimo presupuesto es algo que queda patente en varios momentos del film (las persecuciones siempre se realizan en caminos desérticos o directamente en mitad de la campiña, los escenarios se ven reducidos a unos pocos interiores) pero jamás afectan al acabado técnico, mucho más eficaz de lo que de una producción de estas características podría preverse. Los efectos especiales están perfectamente conseguidos (en la secuencia de la operación llegó a emplearse incluso una cabeza robotizada del actor Ray Milland) y no es de extrañar si nos atenemos al magnífico equipo de especialistas que componen el departamento entre los que destacan Thomas R. Burman, responsable de los efectos de maquillaje de producciones como La invasión de los ultracuerpos (1987), El beso de la pantera (1982) o Los Goonies (suyo es el maquillaje del inolvidable Sloth) por citar unos pocos ejemplos, Daniel C. Striepeke (El Planeta de los Simios y secuelas, Patton, Salvar al Soldado Ryan) o el mismísimo Rick Baker (La guerra de las Galaxias, Aullidos, Ed Wood...) en uno de sus primeros trabajos donde además interpreta al simio que aparece en la primera parte del film.

En definitiva, un título menor pero entretenidísimo, con abundantes (y en ocasiones agotadoras) persecuciones de coches, un acabado técnico impecable y un final curioso por inconcluso, donde deja suspensos algunos puntos de la trama quizá para evitar entrar en ciertas disquisiciones morales que (y dado el tono desenfadado de la cinta) hubieran estado de más. Al fin y al cabo que un film nos deje con la sensación de querer más siempre será un punto a tener en cuenta a su favor, ¿no?

Tráiler original de "The thing with two Heads"

No puede perdérsela: El amante del fantástico gamberro de los 70.

Abstenerse: El que busque un argumento con pies y cabeza. Este sólo tiene lo último, y además por partida doble.

Descarga Directa (en VOS):

http://www.megaupload.com/?d=OKH7FD95

http://www.megaupload.com/?d=E4RQ4DBH

En Castellano (Pass: PARADISE)

http://rapidshare.com/files/140457975/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part01.rar

http://rapidshare.com/files/140464284/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part02.rar

http://rapidshare.com/files/140471112/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part03.rar

http://rapidshare.com/files/140478237/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part04.rar

http://rapidshare.com/files/140485741/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part05.rar

http://rapidshare.com/files/140496921/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part06.rar

http://rapidshare.com/files/140510683/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part07.rar

http://rapidshare.com/files/140518754/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part08.rar

http://rapidshare.com/files/140518809/experimentodiabolicovhsripByPARADISE.part09.rar

LA SOMBRA SOBRE INNSMOUTH también en La Mansión del Terror

2010-11-03T01:19:00.007+01:00

Pues sí, el blog amigo LA MANSIÓN DEL TERROR, imprescindible web que abarca el género de terror en todas sus facetas (cine, Festivales, Fanzines, teatro...) se pasó por la II Semana Gótica de Madrid el pasado sábado 30 de Octubre para ver la adaptación radio-teatro del conocido relato largo de H.P Lovecraft, La Sombra sobre Innsmouth. Por si fuera poco, el amo y señor de dicha Mansión elaboró y publicó ipso-facto una extensa reseña sobre el espectáculo que podéis leer todos pinchando el ENLACE.

El género de terror gótico, a pesar de su indudable atractivo para el público, ha estado tradicionalmente ausente de los escenarios. Sí hemos podido ver sobre las tablas obras de misterio y thrillers policíacos como la famosa pieza de Agatha Christie “La Ratonera”, o musicales como “El fantasma de la ópera”.

Una de las razones que explica esta ausencia es que el género de terror exige que el espectador se deje atrapar y se crea a pies juntillas el juego de la carga ambiental y las acciones sorpresivas que provocan miedo, y en el teatro casi siempre se “ve el truco”, por lo que es muy complicado sostener la tensión hasta el límite necesario para llegar a asustar.

Esta “regla”, también tiene su “excepción”. La obra La mujer de negro, de los británicos Susan Hill y Stephen Mallatratt, conseguía hacer realidad el milagro de que los espectadores pasaran auténtico miedo, todo ello sin grandes efectos especiales y con recursos tan sencillos como un buen pulso narrativo, una puesta en escena meta teatral y una banda sonora muy efectiva. Aunque este brillante precedente no parece haber tenido demasiada continuidad, la Compañía Clásica de Comedias se ha decidio a poner en escena este género que nos apasiona a tantos y tantos. Y lo ha hecho acudiendo a uno de los grandes.

Aunque todavía está disponible sólo en su versión "radio-teatro", pronto se estrenará una puesta en escena enteramente teatral donde se intentará ese "milagro" de lograr que los espectadores puedan vivir en vivo y en directo los horrores de Los mitos de Cthulhu. Eso será en el mes de Febrero en el Centro de Cultura Contemporánea de L´Escorxador de Elche, aunque, a buen seguro, serán muchos los escenarios que después podrán disfrutar de dicho espectáculo.

Y después de este paréntesis informativo sólo me queda añadir que pronto retomaremos la actividad normal de Madhouse con la reseña de un clásico del bizarrismo. Hasta muy pronto.

LA SOMBRA SOBRE INNSMOUTH en Madrid

2010-10-28T23:11:00.005+02:00

Queridos usuarios de MADHOUSE, desgraciada o afortunadamente, según se mire, mis cada vez más apretados compromisos laborales no me permiten ir actualizando con el ritmo deseado este desquiciado blog. Pronto espero seguir publicando reseñas y enlaces de films interesantes, bizarros, psicotrónicos o prácticamente inéditos.

Mientras tanto, no puedo resistirme a anunciar aquí un inmediato evento que se celebrará en Madrid el próximo sábado 30 de Octubre, víspera de Halloween. Se trata de una versión dramatizada (o radioteatro, como se prefiera) de uno de los textos más famosos del gran maestro del horror Howard Phillips Lovecraft : La Sombra sobre Innsmouth.

Dicha representación se llevará a cabo en el marco de la II Semana Gótica de Madrid, y si lo anuncio desde estas paredes es, naturalmente, por mi directísima implicación en dicho proyecto. El argumento de la pieza es el siguiente: Una investigación genealógica lleva a Robert Olmstead hasta la localidad pesquera de Innsmouth, en Massachusetts. Un pueblo envuelto en un secreto oscuro y maligno. Robert irá descubriendo lo que se oculta tras el extraño aspecto de la gente del pueblo, y su culto a los dioses del mar, a la vez que se adentrará en una pesadilla sin salida.

Las voces de todos los personajes serán interpretadas por cuatro únicos actores que combinado con efectos sonoros, una música compuesta especialmente para el espectáculo y algún que otro guiño para el aficionado, intentará poner los pelos de punta entre los asistentes.

Este espectáculo dará un paso más allá y el próximo mes de Febrero de 2011 se estrenará en su versión ya completamente teatral. De hecho, y a pesar de las constantes adaptaciones al cine, probablemente será la primera vez que H.P. Lovecraft sea llevado a los escenarios españoles. Pero esa ya es otra historia.

De momento aquí tenemos esta versión radio-teatro a la que queda invitado cualquier seguidor de Madhouse que se encuentre este próximo puente por Madrid o alrededores. La función tendrá lugar, como digo, el sábado 30 de Octubre a las 20:30 horas en la Casa de vacas del Retiro. Más información en la Web de la Semana Gótica de Madrid, enlazada más arriba.

Avisados quedáis.

TERAPIAS DE REGRESIÓN (II): de bichejos varios

2010-10-13T23:17:00.004+02:00

Continuamos recuperando antiguos post y publicando los enlaces en DD de algunos de esos viejos reseñados en esta CASA DE LOCOS

THE CREEPING TERROR

Expediente: Si alguien, a día de hoy, sigue afirmando que Plan 9 from outer Space es la peor película de la historia del cine, la única explicación que se me ocurre es que no sabe de la existencia de esta. Fotografía quemada, actores que no lo son, una voz en off que sustituye los diálogos y un monstruo inenarrable son sólo algunas de las "virtudes" que apoyarían mi nada temeraria afirmación. Ver para creer. Ahora por primera vez en Descarga Directa. Gentileza de MADHOUSE

Leer reseña completa

Enlace de descarga (VOS)

http://www.megaupload.com/?d=YGRQ0WZQ

---------------------------------------------------------------------------------------------------

THE GIANT CLAW

Expediente: Considerada como una buena mala película (o una mala buena película, tanto monta...). ¿El motivo? Un desastroso trabajo del departamento de Efectos Especiales echa por tierra una solvente dirección y el buen trabajo de unos actores que debieron pasar un mal trago cuando vieron el resultado final en su estreno. Una lástima porque (al margen de esa mezcla de buitre hipervitaminado y el Barney de los Simpson) la película les estaba quedando bastante maja.

Leer reseña completa

Enlaces de descarga (gracias al blog "Plan 9...")

http://www.megaupload.com/?d=NSPM1OW2

http://www.megaupload.com/?d=UWLW9SOV

http://www.megaupload.com/?d=V8BLH6NP

http://www.megaupload.com/?d=O9VXPGPH

http://www.megaupload.com/?d=FHFR3FGL

http://www.megaupload.com/?d=GKDOX6G2

http://www.megaupload.com/?d=025JQ1U8

http://www.megaupload.com/?d=BA18O4QA

Pass: uñaslargas

LA NOCHE DE LOS DIABLOS (Italia-España, 1972)

2010-10-02T01:32:00.008+02:00

Título original: La notte del Diavoli. Dirección: Giorgio Ferroni. Intérpretes: Gianni Garko (Nicola), Agostina Belli (Sdenka), Roberto Maldera (Jovan), Teresa Gimpera (Elena), Cinzia De Carolis (Irina), Luis Suárez (Vlado), Umberto Raho (Doctor Tosi), Rosita Torosh (Enfermera). Duración: 72 minutos (versión comentada).

Síntomas: Un Hombre es encontrado en estado de shock en un lugar apartado de la montaña. Ingresado en un hospital psiquiátrico el paciente parece no recordar nada de lo que le ha acontecido. Hasta que recibe la visita de una misteriosa joven que hace que regrese de manera traumática el recuerdo de un horror un descriptible.

Diagnóstico: La familia Wurdalak de Tolstoi, uno de los grandes clásicos de la literatura vampírica, ha tenido hasta ahora dos interesantes adaptaciones al cine. La más famosa de ellas pertenece a ese tríptico de historias terroríficas, Las tres caras del miedo, dirigida por el gran Mario Bava. La otra versión, ya adaptada a un tiempo contemporáneo a su rodaje, es este título sin duda menos conocido pero que merece una oportuna revisión.

Precisamente en esa contemporaneidad encontramos uno de los aspectos más interesantes del film en cuestión. Su traslación a los tiempos modernos logra un mayor contraste entre una sociedad rural, supersticiosa y de creencias medievales, y el moderno mundo de donde proviene el protagonista “traspasado” de manera accidental a una realidad alternativa, ese alejado caserón donde habita una familia dominada por el miedo y la superchería.

Su director Giorgio Ferroni era un férreo artesano de la serie B curtido en el Peplum y el Spaguetti western y especialmente recordado dentro del género fantástico por otro film de culto, un mini-clásico del gótico italiano: El molino de las mujeres de piedra, obra de subyugante lirismo y estética bavariana. En La Noche de los Diablos Ferroni se acerca al, por lo general, sofisticado mito del vampirismo desde una inédita óptica mucho más rural y tosca, despojada del romanticismo que suele acompañar a estos personajes. La estética, aparición y ataque de los Wurdalak aquí se asemeja más a la brutal imagen que de los muertos vivientes dio Romero apenas unos pocos años antes, que a la elegancia y seducción del vampiro clásico. Así, el film nos muestra, especialmente en su clímax final, imágenes sin duda inquietantes que quedan grabadas en el recuerdo del espectador, como esas apariciones fantasmales al acecho en la ventana de la vieja masía, o esos niños-vampiro riendo desde las ramas de un árbol.

Ferroni impone al relato un tono seco, descarnado, lejos del manierismo de Bava, creando un clima de inquietud y desasosiego con elementos tan sencillos como un constante sonido del viento silbando entre los árboles del bosque (un bosque gris, inhóspito, casi amenazante), o una dirección de actores igualmente espartana, donde incluso las relaciones amorosas resultan frías y distantes (con ello Ferroni logra un efecto doble, ya que el espectador ve dificultada su capacidad de discernir quien es humano y quien ha sido “poseído” por los wurdalak). A este tono sombrío de la cinta contribuye sin duda los decentes efectos especiales (máxime cuando tenemos en cuenta el ajustado presupuesto con el que se contaba) de un tal Carlo Rambardi, padre del horror cósmico de Alien (1979) o la entrañable criatura extraterrestre de E.T. (1982).

En el reparto encontramos varios rostros conocidos para el aficionado como Gianni Garko, actor que aprovechó cierto aire a lo “Franco Nero” para incorporar a uno de los icónicos personajes del Spaguetti salidos al rebufo de Django: Sartana. Junto a él la bellísima Agostina Belli, mejor actriz de lo que aparenta su filmografía y a la que recordamos en otros títulos fantásticos como Holocausto 2000, (donde protagonizaba un sonado revolcón con Kirk Douglas) o Ivanna. Otra actriz recurrente en el género es la curvilínea Teresa Gimpera, entonces conocida modela, musa de la Escuela de dirección de Barcelona y que paseó su buen tipo en títulos como Fata Morgana, La casa de las muertas vivientes, El refugio del miedo o Último deseo. Y por último señalar a nuestro Luís Suárez, anguloso actor español que traumatizó a toda una generación con su indeseable personaje de Tonet en la serie Cañas y Barro, dirigida por Rafael Romero Marchent.

Aunque La noche de los diablos está lejos de ser una obra maestra (a este respecto hay que decir en su favor que se intuye una evidente mutilación en el metraje que nos ha llegado, con lo cual es difícil calibrar el resultado final), sí supone una de las co-producciones más dignas que entre España e Italia se llevó a cabo en un momento de eclosión incontrolada del fantástico. Eso, unido a que no es precisamente uno de los films más conocidos del género hacen de por sí que merezca un rinconcito en esta MADHOUSE.

Créditos iniciales de La Noche de los diablos

No puede perdérsela: El aficionado al cine de vampiros (y de zombis, ¿por qué no?)

Abstenerse: Los amantes del vampirismo en su vertiente más edulcorada, tipo Crepúsculo.

Existe una edición en DVD pobre, sin siquiera la banda original en italiano, pero algo es algo.

Descarga directa (versión doblada al castellano):
http://www.megaupload.com/?d=FL9CH04O
http://www.megaupload.com/?d=32LQ0QOS
http://www.megaupload.com/?d=1WTPBGG8
http://www.megaupload.com/?d=T3H819RY
http://www.megaupload.com/?d=P567OOBZ
http://www.megaupload.com/?d=UEAGN1LA

MADHOUSE: Terapias de Regresión (1)

2010-09-11T22:16:00.014+02:00

Pues esta Casa de locos se acerca a sus tres añitos de existencia y ya era hora de introducir alguna novedad al asunto, esta Terapia de Regresión que (como su nombre indica) recordará algunas de las más curiosas, bizarras o simplemente "diferentes" propuestas que ya hace un tiempo se reseñaban por aquí.

Habida cuenta de lo efímero del medio, el cometido de esta nueva sección es doble:

Por un lado facilitar los enlaces de Descarga Directa de algunos títulos que, por la época en que fueron reseñados no tenían más posibilidad que la de encargarlo a la ya vetusta mula.

Por otra parte dar a conocer a algunos de los nuevos inquilinos de MADHOUSE propuestas ya olvidadas, marcianadas pendientes de una revisión, reseñas que, por "h" o por "b", quedarían de otro modo relegadas al olvido. Y es que además de director de esta Casa de locos, uno también es visitante de varios blogs, rincones de cinefilia efímera, y sé por experiencia que cuando hacemos un decubrimiento somos reacios a ponernos al día y revisar antiguos trabajos de nuestro anfitrión; que el tiempo siempre es escaso, cada vez son más los blogs de contenido interesante y bastante tenemos con poder seguir lo que se va publicando diariamente.

De esta manera, y habida cuenta que son cada vez más los nuevos inquilinos que me visitan, no está de más recordar algunas de las viejas recomendaciones que desde este demencial rincón se daba hace un tiempo. Y ahora, sin más dilación, pasemos a refrescar un par de ellas en esta primera terapia de regresión:

(Para leer la reseña entera, pinchar el título)

CAT-WOMEN OF THE MOON

Razones para su ingreso en Madhouse: No le faltan; mujeres-gato en el espacio exterior, arañas gigantescas lanzadas sobre las pobres cabezas de los actores, decorados reciclados de algún peplum de trés al cuarto y unos diálogos sonrojantes en el mejor de los casos. ¿Alguien da mas? Pues esta película sí.

Enlaces de descarga (V.O.S.E)

http://www.megaupload.com/?d=V7YP8B2A

http://www.megaupload.com/?d=6AR1P2QX

http://www.megaupload.com/?d=RM2T0MJZ

http://www.megaupload.com/?d=G9QNS23Y

--------------------------------------------------------------------------------------

SUPERSONIC SAUCER

Razones para su ingreso en Madhouse: Un mediometraje británico desconocido hasta hace bien poco. Aunque su verdadero motivo es que debía conocerlo muy bien Steven Spielberg habida cuenta de los continuos parecidos razonables entre su "E.T" y este pequeñito film. Si todavía lo dudan, no hay más que leer la sinopsis.

Enlaces de descarga (exvagos.es)

(V.O.S.E)

http://rapidshare.com/files/346979346/SCSR-aduren.part10.rar

http://rapidshare.com/files/346959111/SCSR-aduren.part09.rar

http://rapidshare.com/files/346939385/SCSR-aduren.part08.rar

http://rapidshare.com/files/346919322/SCSR-aduren.part07.rar

http://rapidshare.com/files/346897535/SCSR-aduren.part06.rar

http://rapidshare.com/files/346876214/SCSR-aduren.part05.rar

http://rapidshare.com/files/346855041/SCSR-aduren.part04.rar

http://rapidshare.com/files/346833671/SCSR-aduren.part03.rar

http://rapidshare.com/files/346809965/SCSR-aduren.part02.rar

http://rapidshare.com/files/346786418/SCSR-aduren.part01.rar

Contraseña: gwangi

EL HOMBRE DE MIMBRE (Reino Unido, 1973)

2010-09-04T21:41:00.012+02:00

Título Original: The Wicker Man. Dirección: Robert Hardy. Intérpretes: Edward Woodward (Sargento Howie), Christopher Lee (Lord Summerisle), Diana Cilento (Miss Rose), Britt Ekland (Willow), Ingrid Pitt (Encargada del registro), Lindsay Kemp (Alder MacGreagor), Aubrey Morris (Enterrador), Ian Campbell (Oak), Russell Waters (Jefe del puerto), Walter Carr (Maestro de escuela). Duración: 100 minutos.

Síntomas: Un Policía de moral intachable decide investigar la denuncia de desaparición de una niña en una remota isla de su jurisdicción. Las creencias del policía entrarán en contradicción con la religión pagana que siguen todos los habitantes de la isla, seguidores de una antigua tradición druídica, máxime cuando comience a sospechar que los lugareños tienen escondida a la niña para ofrecerla en sacrificio y así poder disponer de una buena cosecha el próximo año.

Diagnóstico: Como ya se ha apuntado en alguna ocasión en esta casa de locos, resulta increíble el nivel de madurez y sabiduría a los que llegó el género fantástico durante la década de los 70 antes de la inevitable llegada de la senilidad a mediados de los 80 y su posterior intento de reanimación artificial (a base de refritos y remakes de clásicos) en lo que llevamos de siglo XXI.

Así pues, no es de extrañar que entre tantos títulos importantes surgidos durante esos años, quedaran semiocultas un puñado de obras maestras ensombrecidas quizá por no lograr los éxitos de taquilla de otros o, como es el caso que nos ocupa, por la poca fe depositada en ella de algunos de sus responsables. El Hombre de Mimbre pertenece sin lugar a dudas a este puñado de piezas de culto que se han ido revalorizando con el paso del tiempo a la manera de otra de estas pequeñas joyas como es Muertos y enterrados, film con el que comparte la perfecta recreación costumbrista de un microcosmos que se irá tornando paulatinamente amenazador a medida que el protagonista vaya desvelando los secretos de una sociedad aparentemente afable e inofensiva, deudoras todas estas a su vez del magnífico relato de H.P. Lovecraft: La Sombra sobre Innsmouth.

The Wicker man parte de una novela de David Pinner de 1967 titulada "Ritual", guionizada para la película por el gran Anthony Shaffer que venía de escribir los libretos de sendas obras maestras: Sleuth y Frenesí. Shaffer consigue, desde las primeras líneas de diálogo darnos a entender que vamos a ver una película especial, mostrando una capacidad fantástica de deformar la realidad sin efectismos ni escenas surrealistas. Como en uno de nuestros más reales sueños, sentimos que algo extraño sucede pero no somos capaces de dilucidar el qué. De este modo, Shaffer con la impagable complicidad de Robin Hardy, el director del film, crea un desasosiego en el espectador que se irá acrecentando a lo largo del metraje hasta la impresionante secuencia final.

Es difícil analizar el origen de la fascinación que este film provoca en el espectador ya que Hardy no emplea jamás ningún efectismo, ni sangre. Es más, algunas escenas (como el momento en el que el Sargento Howie decide registrar la isla casa por casa) están rodadas con un inequívoco tono de comedia paródica que no hacen sino potenciar esa distorsión de la realidad y acrecentar la inquietud en el espectador. Hardy muestra la vida apacible de una población escocesa sin mostrarnos explícitamente nada macabro o escabroso. Sólo leves detalles extraños, rendijas por las cuales intuimos algo monstruoso debajo de un perfecto retrato costumbrista de un pequeño núcleo. Y claro, está su música, la cual merece una mención especial.

La magnífica banda sonora de Paul Giovanni, de claras reminiscencias folclóricas y célticas nos sumergen en el mundo hedonista de esta población a través de unas canciones de marcado carácter sexual (imprescindible para ello seguir las letras de dichas piezas) y unas melodías pegadizas que quedan grabadas en nuestra memoria mucho después de escucharlas. No en vano Hardy siempre defendió (imagíno que haciendo alarde una fina ironía) que lo que en realidad había rodado no era un film de horror sino un musical.

El Sargento Howie (que representa a las creencias cristianas, lo comúnmente aceptado por una sociedad "normal y honorable") se introduce como un elemento extraño en una sociedad que mezcla el culto al árbol como símbolo fálico de la fertilidad con antiguas celebraciones celtas y druidas representadas en la actualidad por la Escuela Wicca. Uno de los excelentes números musicales del film gira en torno al Palo de Mayo cuya canción (que recitan unos inocentes niños, subrayando así la escabrosidad del momento) deja a las claras toda la filosofía en las que se basan estas creencias dirigidas más a los ciclos de la naturaleza que a la adoración de una figura divina: "En el árbol había una rama, y en la rama había un nido, y en el nido había un huevo, y en el huevo había un pájaro, y en el pájaro había una pluma, y en la pluma había una cama, y en la cama había una mujer, y en la mujer había un muchacho, y en el muchacho había una semilla y en la semilla había un hombre, y en el hombre había una tumba, y en la tumba había un árbol, y en el árbol había una rama...". Todo esto lo recogen Shaffer y Hardy con sabiduría y mesura, evitando el principal peligro en el que podía caer la película: convertirse en un producto coyuntural de la ideología "hippie", tan en boga durante la época en el que el film fue rodado.

Edward Woodward (en un papel inicialmente pensado para Peter Cushing) está soberbio en su interpretación del religioso y extremadamente seco Sargento Howie, un policía implacable en su labor de búsqueda de la niña a pesar de la repugnancia que le produce el estilo de vida de aquellos pueblerinos. Christopher Lee, como principal autoridad de la isla, muestra un look divertidamente inédito en su filmografía, pero a pesar de ello podemos intuir la total entrega a su papel (resulta impagable verlo danzar vestido de mujer durante las celebraciones finales). Además el film le permite interpretar una de las canciones y demostrar así sus excepcionales dotes como barítono. Junto a él tres bellezas recurrentes dentro del género Fantástico: Ingrid Pitt, en un cometido secundario, Diane Cilento (ex de Sean Connery) y sobretodo la bellísima Britt Ekland que protagoniza una de las secuencias más sexualmente sublimes de todo el cine fantástico: el momento en el que, desnuda en su habitación, se contonea al ritmo de una subyugante danza, invitando mediante rítmicos palmoteos en la pared, al beatífico sargento que se retuerce en el dormitorio de al lado como un santo se rebelaría contra las tentaciones de una diabólica y hermosa entidad: "Hola, ¿Quien está ahí? Nadie más que yo, cariño mío. Por favor, ven a mí. Dime como hacer las cosas que te voy a hacer". Otro miembro del reparto que llama la atención es el prestigioso actor y coreógrafo Lindsay Kemp, que aquí interpreta al dueño de la taberna.

La sensual invitación de Willow

No obstante, y a pesar de estas y otras muchas virtudes del film, el guión de Shaffer también tiene sus "agujeros negros". El principal de ellos es el supeditarse demasiado a un final sorpresivo que no lo es tanto a poco que un espectador observador analice las pistas que el film va desgranado a lo largo de su desarrollo a través de trampas de guión, pistas falsas y alguna incongruencia (¿por qué el policía no investiga en ningún momento la procedencia de la denuncia, en una población en la que todos parecen compinchados para ocultarle información?). Esto puede provocar cierta insatisfacción cuando nuestras sospechas son confirmadas en la resolución final.

Pero disculpadas estas licencias, el film puede convertirse en una experiencia ciertamente inolvidable con secuencias y hallazgos realmente notables: la citada danza que Britt Ekland (en una especie de simbiosis con su fama de devora-hombres en la vida real) realiza en su habitación, los árboles plantados sobre las tumbas, el baile de las muchachas desnudas frente a un menhir y, por supuesto, el diseño del "hombre de mimbre", una cárcel de funesto destino para sus apresados, con sus miembros rellenos de animales dedicados al gran sacrificio y su estómago vacío en espera de la gran ofrenda.

En 2006 Neil LaBute escribió y dirigió otra versión que caía en los errores que Hardy sabiamente había evitado sin conseguir en cambio, ninguno de los aciertos de la original, convirtiéndose en un remake anodino e innecesario carente además de la amoralidad del primer film. Afortunadamente, y esa es una buena noticia para todos los admiradores de este título, un septuagenario Robin Hardy (tras décadas sin ponerse tras las cámaras) ha decidido rodar una secuela, The wicker Tree de nuevo con la participación de Christopher Lee, el cual nunca ocultó su predilección por este film, considerándolo como el mejor de su carrera. Ignoro si su preferencia es exagerada o no, pero desde luego sí puedo afirmar que El Hombre de Mimbre es de esos selectos títulos cuyo visionado produce una sensación de deuda saldada en el aficionado. Que ustedes la disfruten.

El (magnífico) trailer original de The Wicker Man

No puede perdérsela: El amante del fantástico con pedigrí.

Abstenerse: El que no conciba el terror más allá de la sangre y las vísceras.

Descarga Directa

http://www.megaupload.com/?d=UEP9W3WJ

http://www.megaupload.com/?d=H2SRQQDA

http://www.megaupload.com/?d=3HBAKPBL

http://www.megaupload.com/?d=4CIDE6KC

http://www.megaupload.com/?d=BYX902LX

http://www.megaupload.com/?d=R8XIWLVA

Subtítulos

http://www.megaupload.com/?d=ZUMEALV3

BURIED TREASURE (USA, 1924)

2010-08-30T21:38:00.008+02:00

El verano toca a su fin. Poco a poco nos debemos hacer el ánimo y comenzar de nuevo nuestros quehaceres diarios: trabajo, estudios y por supuesto, desempolvar nuestra actividad bloggera. Para empezar a desentumecer músculos y de paso estimular los últimos calores de agosto os propongo esta rareza, este tesoro escondido considerada como la PRIMERA PELÍCULA PORNO DE ANIMACIÓN de la historia.

Su origen es bastante enigmático (aunque casi todos los estudiosos coinciden en que el año de realización es 1924) así como su tutoría. No se sabe a ciencia cierta a quién se le puede asignar esta escabrosa obra aunque se rumorea que en ella participaron varios dibujantes, entre ellos el mismísimo Walter Lantz (sí, el creador de nuestro Woody Woodpecker alías "Pájaro Loco") o Max Fleischer's dibujante de Betty Boop y Popeye. Con esas credenciales es normal que los 7 minutos de duración se pasen volando entre divertidos gags que no se detienen ante ningún tabú: zoofilia, sodomía y hasta un duelo de falos.

El corto se realizó para una fiesta privada en honor de otro de los genios de la animación: Winsor McCay , (historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic) cuyas aportaciones al cine se consideran tan importantes como las del mismísimo Walt Disney. Suyo es el famoso corto Gertie el Dinosaurio .

El mini-film es una delicia básicamente por recoger ese espíritu de libertad que se respiraba en el cine allá por los locos años 20, antes que el Código Hays se dedicara a poner coto a la creatividad de los artistas cinematográficos en alas de una vetusta e hipócrita noción de la moral y la dignidad. Narra las andanzas de un pobre hombre (es un decir) que tiene un pene capaz de actuar con autonomía (un tema recurrente en el cine, por cierto) y de meterse y meterle , literalmente, en más de un buen lío.

Evidentemente (y para evitar problemas de censura) no me es posible poner aquí el video pero sí desde luego los enlaces de descarga. Así que si tenéis 10 minutos (tres para descargarlo, siete para verlo) disponeros a disfrutar de esta rareza, refrescante por su desenfadada realización, caliente por su onanístico contenido.

El pene independiente a punto de "entrar" en acción

Descarga directa:

http://rapidshare.com/files/6315988/Banned_Cartoons_-Adult_Cartoon_-_Buried_Treasure__1924_.mpg.avi

No puede perdérsela: El curioso de los orígenes del cine (y todo erotómano de pro).

Abstenerse: Espectadores de Intereconomía.

SKIDOO (USA, 1968)

2010-08-03T18:11:00.006+02:00

Título Original: Skidoo. Dirección: Otto Preminger. Intérpretes: Jackie Gleason (Tony Banks), Carol Channing (Flo Banks), Alexandra Hay (Darlene Banks), Frankie Avalon (Angie), Fred Clark (Guardia de la torre), Michael Constantine (Leech), John Phillip Law (Stash), Mickey Rooney (George 'Blue Chips' Packard), Peter Lawford (El Senador), George Raft (Capitán Garbaldo), Cesar Romero (Hechy), Frank Gorshin (Hombre), Richard Kiel (Beany), Harry Nilsson (Guardia de la torre), Slim Pickens (operador de radio) y Groucho Marx como Dios. Duración: 97 minutos.

Síntomas: Tony Banks, un mafioso retirado que vive tranquilamente en San Francisco con su esposa Flo y su hija Darlene recibe la visita de dos antiguos compañeros suyos con un encargo de su jefe en el pasado, apodado "Dios": debe lograr ser encarcelado en Alcatraz y una vez allí, asesinar al recluso "Blue Chips" Packard, para evitar que delate al capo mafioso. Tony en un primer momento se niega pero entonces "Dios" rapta a la hija de este y a su novio hippie Stash.

Diagnóstico: Empezamos agosto, estamos inmersos en pleno verano y nada mejor que escoger un título demencialmente refrescante para estas calurosas tardes estivales. Su propio director, el gran Preminger hablaba así de esta película que acababa de perpetrar:

"Es una comedia. [...] No tiene sentido explicar una comedia como esta: una farsa salvaje y extrovertida. [...] No creo que a mucha gente le guste esta película. Excepto a mi mujer que adora todas mis películas, porque para eso se casa uno."

Bueno, pues a tenor de esta declaración yo debía haberme casado con Preminger. Adoro todo lo que ha hecho y eso va incluso por esta película, que el sector más prejuicioso y conservador de la crítica norteamericano tomó como excusa perfecta para denostar al viejo director vienés. Ya le tenían ganas.

Y es que a Skidoo se la ha tildado como "apología" de las drogas cuando en realidad se trata de un canto a la libertad, a la vida hedonista quizá, es cierto, con un trazo más grueso que ese Vive como quieras de Frank Capra, pero también con más mala baba y con una incorrección política propia de los tiempos que corrían: la cultura pop, el "haz el amor y no la guerra", el sinsentido en que había caído la campaña del Vietnam, etc. Lo sorprendente no es que sea un joven realizador al estilo Richard Lester quien imagine esta sátira, sino un señor mayor, con cara de coronel de la Gestapo y muy malas pulgas en los rodajes.

Esas mismas voces maledicentes apuntan que Preminger y sus amigos se pusieron hasta las cejas de LSD mientras rodaban la película y de ahí el resultado de la misma. Mentira. Como el propio realizador reconocía, él fue el único que probó LSD en un entorno controlado y antes del rodaje para conocer en primera persona los efectos de esa sustancia en los sentidos (no en vano gran parte del metraje transcurre entro los delirios de los personajes que prueban accidentalmente la droga en cuestión). En este sentido, especialmente delirante supone la secuencia en la que dos guardias de la prisión ven bailar a un grupo de cubos de basura que antes había confundido con el mítico equipo de futbol americano "Green Bay Packers" todos con el culo al aire.

Siempre según Preminger, este probó la droga una sola vez y la experiencia fue tan desagradable que ya no se le ocurrió acercarse a ella más. Pero del experimento surgieron algunas de las jocosas escenas que aparecen en la película, como el momento en el que las personas empiezan a reducirse de tamaño hasta convertirse en tornillos con cabeza humana.

Como antes he adelantado, dichas voces malintencionadas provenían generalmente de cierto sector de la sociedad americana más retrograda e intolerante que nunca perdonaron que Otto Preminger se convirtiera en uno de los primeros realizadores-productores independientes de Hollywood. Un "outsider" en toda regla que jamás se resignó a doblarse a los intereses de las grandes productoras cinematográficas y televisivas. Un genio para muchos, un tirano para otros (se dice que la relación entre Marilyn y él durante el rodaje de Río sin retorno fue de todo menos idílica, por poner un simple ejemplo) pero desde luego un realizador elegante y firme que conocía su oficio como pocos y un ocasional y correcto actor (llegó a ser Mr. Freeze en el Batman televisivo de Adam West y de hecho, aquí saca a su trío de compañeros villanos en la serie: Burgess Meredith, Frank Gorshin y César Romero).

Destaca del film, indudablemente, su espectacular reparto. Jackie Gleason demuestra que se puede ser un gran actor incluso en los disparates más grandes, John Phillip Law (actor minusvalorado que cuenta con no pocas simpatías entre las que se cuenta nuestro amigo Adrian, de Esbilla cinematográfica, o el mismísimo Carlos Aguilar) está realmente divertido intuyéndose que en gran medida se desperdició muchas veces a este actor, al igual que Carol Channing o Frankie Avalon, desenvueltos en sus respectivos roles; por si eso fuera poco aun nos quedan Mickey Rooney, Peter Lawford, Michael Constantine, Richard "Tiburón" Kiel... Y esta Groucho, claro, en su última aparición cinematográfica, donde Preminger le regala un último plano en el que se despide de todos nosotros perdiéndose en el horizonte a bordo de un velero con las velas pintadas con lemas hippies y fumando marihuana. Difícil imaginar un final más apropiado para la carrera cinematográfica del maestro del surrealismo en el cine (con el permiso de Buñuel).

En lo estrictamente cinematográfico destacar precisamente el arranque del film, una ácida crítica a la televisión. Preminger, un inconformista impenitente, había mantenido un contencioso con las cadenas de televisión de USA acusándolas de cortar sus películas en los momentos más inoportunos para dar paso a los anuncios publicitarios o incluso mutilar los créditos finales para ajustar la duración (no quiero ni pensar lo que diría hoy día). Todo esto, para un director que se había pasado a la producción con el único fin de mantener el control de sus obras era demasiado y denunció a varias productoras televisivas. Ni que decir tiene que perdió su pulso y en ese ingenioso inicio donde aparece en una pantalla de televisión el título de la película para que inmediatamente Tom y su mujer comiencen a hacer "zapping" de una forma enfermiza, podemos reconocer su particular venganza. Del mismo modo los créditos del film sólo aparecen al final, presentados por Preminger y cantados en lugar de aparecer meramente escritos, sin duda en un intento de evitar el corte de estos por televisión y de mantener sentados en la butaca a los espectadores de cine hasta el final. La música es de Harry Nilsson (que además interpreta a uno de los vigilantes de Alcatraz) cuya canción "skidoo" es realmente muy pegadiza. Dos años después Nilsson obtendría un extraordinario éxito con "Everybody's Talking" canción pirncipal de Cowboy de medianoche.

Que una bizarra serie b anti-sistema la dirija Roger Corman o John Waters a nadie le hubiera pillado desprevenido. Que se embarcara en este disparate uno de los más prestigiosos directores del momento era sencillamente insólito. Y nadie pareció perdonárselo. De nada sirvió que Preminger nos hubiera regalado anteriormente joyas del cine negro como Laura, ¿Ángel o Diablo? o Al borde del peligro y obras de tal escabrosidad como Anatomía de un asesinato o Buenos días tristeza (drama de tintes incestuosos que supone otro canto a la libertad de vivir, otra bofetada a la sociedad más intolerante y conservadora). A partir de Skidoo ya nada volvió a ser igual para el realizador norteamericano de adopción. Incluso John Edgar Hoover puso a sus perros de presa del FBI tras la pista de la mayoría de los integrantes de esta locura, su director-productor por delante, claro. El resto de su filmografía (incluida su última obra, una austerísima adaptación de El Factor humano de una abracadabrante sobriedad casi teatral) fue dura e injustamente vapuleada e hizo que perdiera definitivamente su estrado junto al Olimpo de otros dioses como Hichtcock, Welles o Ford, donde un día había estado.

Uno de los biógrafos de Preminger (Gerarld Pratley, en su libro para la colección "Directores de cine" publicado en España por JC) dijo de este que era "el director de cine más constante, individualista e independiente de todos". Estoy completamente de acuerdo. Pero claro, ¿qué va a decir alguien que, como su mujer, adora todo lo que este hombre hizo?

Los primeros créditos cantados de la historia
(presentados por el mismísimo Otto Preminger)

No puede perdérsela: El que quiera ver una locura sin pies ni cabeza pero con mucha clase

Abstenerse: Sólo si no está bien servido de sentido del humor.

Descarga directa:

http://www.megaupload.com/?d=1HZIJ9EI

http://www.megaupload.com/?d=NEZGWKSB

http://www.megaupload.com/?d=6O60AP89

http://www.megaupload.com/?d=M02PIZYQ

http://www.megaupload.com/?d=3NRCPM0B

http://www.megaupload.com/?d=FEDTWOL0

http://www.megaupload.com/?d=KW9VIOQS

http://www.megaupload.com/?d=Q4UCZCJB

http://www.megaupload.com/?d=X6UCZAMH

http://www.megaupload.com/?d=8PZL4WAM

http://www.megaupload.com/?d=QNNDEUD0

http://www.megaupload.com/?d=31WGIC74

LOS MUERTOS NO MUEREN (USA, 1990)

2010-07-10T00:12:00.006+02:00

Título original: Dead Men Don't Die. Director: Malcolm Marmorstein. Intérpretes: Elliott Gould (Barry), Melissa Sue Anderson (Dulcie), Mark Moses (Jordan), Philip Bruns (Nolan), Mabel King (Chafuka), Jack Betts (Cavanaugh), Robert Covarrubias (Carlos), Robert Dryer (Mungo), George 'Buck' Flower (Wino), Andee Gray (Isadora), Judy Kain (Margo), Stanley Kamel (Archie). Duración: 94 minutos.

Síntomas: Un famoso presentador de televisión descubre el paradero de un almacén de drogas en el mismo edificio donde está ubicado su canal de tv. A su vez, este es descubierto por los traficantes, que lo matan para evitar su testimonio. Pero el presentador será revivido por medio del vudú por una limpiadora aprendiz de hechicera. Ahora toca vengarse de los criminales.

Diagnóstico: Seguimos a vueltas con el tema zombi, esta vez con una semi desconocida comedia para todos los públicos y, por tanto, sin rastro alguno de vísceras. Y es que el subgénero zombi ha estado por extrañas razones muy ligado siempre a la comedia. Quizá nos sea necesario desdramatizar el asunto de la muerte o la remota posibilidad de que un cadáver pueda volver a la vida para sorpresa de los presentes vivos. El caso es que ya en 1941 con la simpática pero insustancial King of the zombies la trama se suavizaba con la presencia del cómico de color Mantan Moreland y sus histriónicas caras puestas al servicio en más de una comedia de terror. Desde entonces, como digo, la comedia ha visitado a los zombis en bastantes ocasiones y esta tendencia se ha acrecentado en los últimos años en la seguridad de que sangre y risas son una buena combinación para la taquilla.

En el momento de la aparición de este modesto film el género zombi vivía los últimos estertores de una época dorada experimentada durante los años 70-80. Precisamente en los últimos años habían surgido algunas comedias de temática zombi y que lograron un relativo éxito: Re-animator, El regreso de los muertos vivientes, Estamos muertos... ¿o qué? y un largo etc.

Los muertos no andan se adscribe a esta última corriente y si merece su entrada en esta Casa de locos es principalmente por tratarse de una de las más (justamente) desconocidas. De hecho, en España nos llegó directamente en video, sin que tenga constancia de su estreno en salas de cine. Discretísima como comedia, nula como portadora de alguna novedad relativa al mito zombi, la película cuenta como principal rubro con la presencia de un Elliott Gould que ya había entrado en franca decadencia, como demuestra su participación en este film.

Guionista televisivo, Malcolm Marmorstein, hace aquí su primera (y penúltima) intrusión en labores de dirección, siendo incapaz de sacar un mínimo partido a un argumento ciertamente prometedor para una comedia de tintes fantásticos. Cuando comienza este título, nos las prometemos felices por el aire desenfadado que proyecta y un ritmo bastante dinámico. Sorprendentemente, y a partir del asesinato de Elliot Gould, el director se limita a hacer corretear estúpidamente a todos sus personajes por los pasillos y salas de un edificio sin que la trama avance lo más mínimo y repitiendo una y otra vez los mismos gags de dudosa gracia además.

Marmorstein, también guionista de la cinta como digo, dilapida toda posibilidad ácida que pueda tener la historia: un personaje televisivo convertido en muerto viviente que siga ejerciendo su influencia en un público aborregado, el poder zombificador que ejercen determinados programas sensacionalistas... Nada de eso. El guión entra de lleno en esa molesta creencia de que en una comedia los personajes (y no las situaciones) deben resultar estúpidos, sin caer en la cuenta que con esta premisa lo único que se logra así es divertir a un público estúpido. Y ese es el mayor lastre de toda la cinta. No llega a irritar (es demasiado frugal para eso) pero desde luego tampoco a provocar el más mínimo esbozo de sonrisa, a pesar de que su parte final deriva en pura astracanada, resultándonos difícil al finalizar su hora y media de metraje, destacar un sólo momento verdaderamente afortunado (si acaso el momento de la resurrección de Gould, instante que muestro en el video más abajo, por si alguien se quiere ahorrar el resto). Por el lado fantástico el balance es aún más descorazonador, la aparición de los muertos vivientes aquí es meramente circunstancial y podrían muy bien haber sido sustituidos por cualquier otra ocurrencia, pudiéndonos consolar solamente con algún que otro guiño para el aficionado (como la aparición del detective con un look clavadito al de Kolchack, el famoso periodista de lo paranormal que protagonizó una serie del mismo nombre en la década de los 70).

El reparto es lo único que puede depararnos alguna sorpresa, destacando, como digo el protagonismo de Elliot Gould, ya lejanos los años en los que protagonizó para Robert Altman importantes títulos como El largo adiós (donde encarnaba a un solvente Phillip Marlowe) o M.A.S.H. Junto a él encontramos un reparto eminentemente televisivo con algunas caras conocidas como la guapa Melisa Sue Anderson (la hija mayor de los Ingalls en La Casa de la pradera, qué tiempos aquellos) o Stanley Kamel, recientemente fallecido y al que se recordará por interpretar al psiquiatra de infinita paciencia que trata en su consulta al detective Monk. Y apunte para cinéfilos, el director de la cadena de Tv está interpretado por Jack Betts, magnífico característico que protagonizó varios spaguettis western de éxito (fue Django o Sartana en varios títulos) con el nombre de Hunt Powers. Otros lo recordarán por la breve pero estupenda caracterización que hizo de Boris Karloff (con el que guarda un asombroso parecido) en la exitosa Dioses y Monstruos.

En definitiva, como ya digo, una rareza destinada una vez más a completistas de la temática zombi (esta vez en versión caribeña) que puede acompañar una tarde calurosa de este verano siempre que venga acompañada de una bebida bien fría y abundante "snack".

Ni siquiera con vudú pudo Gould resucitar su carrera

No puede perdérsela: El aficionado a la comedia fantástica de risa fácil.

Abstenerse: El fan de Elliot Gould (si queda alguno ya).

Descarga directa:
http://www.megaupload.com/?d=FWEXMSMA

EL PANTANO DE LOS CUERVOS (España-Ecuador, 1974)

2010-06-28T00:25:00.022+02:00

Dirección: Manuel Caño. Intérpretes: Ramiro Oliveros (Dr. Frosta), Fernando Sancho (Inspector de policía), Marcia Bichette (Simone), Gaspar Bacigallipi, César Carmigniani, Melba Centeno, Bill Harrison, Mónica Jurado, Antonia Mas, Marcos Molina, Marcos Navas 'Cartucho', Domingo Valdivieso, Fabiola Vallejo. Duración: 85 minutos.

La filmografía zombi en el fantástico español está plagada de ejemplos desde el momento en que el terror dejó de ser un tema tabú y comenzaron a florar títulos de un modo imparable. Si bien es verdad que en este sentido los italianos siempre nos han llevado la delantera no menos cierto es que escarbando en la filmografía patria encontramos algunos films realmente interesantes sobre el tema tanto en su vertiente "Romero" esto es, muertos que se arrastran por el mundo sin otro objetivo aparente que el de saciar su apetito de carne humana, como en su concepción haitiana (personas aparentemente muertas que a través de la magia negra o el vudú se convierten en esclavos de otra voluntad). En el primer caso tenemos el orgullo de contar con el que probablemente supone la mejor consecuencia del clásico del George A. Romero. Nos referimos, por supuesto a No profanar el sueño de los muertos donde Jorge Grau crea una obra estimable, técnicamente impecable que sólo se ve perjudicada por la insulsa pareja protagonista (en contraposición con el gran Arthur Kennedy) y un coyuntural y extremadamente simplista discurso ecologista. En su vertiente más romántica tenemos La orgía de los muertos que, pese a carecer lamentablemente de orgía alguna, ofrecía un interesante "remenber" del tema de los zombis como esclavos sin voluntad al servicio de un hacendado de malévolas intenciones, cuyo referente inmediato sería la simpática "La plaga de los zombis" cocinada en la factoría Hammer apenas unos pocos años antes.

Fuera de estos títulos, un torrente de films mucho más cochambrosos realizados siempre bajo el signo de la urgencia, con más entusiasmo que talento (a veces sin lo uno ni lo otro) y que sólo pueden defenderse bajo argumentos nostálgicos o sociológicos. Títulos como "La rebelión de las muertas", "El espanto surge de la tumba" o la más tardía "La invasión de los zombis atómicos" son perfectos ejemplos de un cine subdesarrollado, realizado deprisa y corriendo y animado únicamente por las interesantes taquillas que conseguía cualquier disparate realizado al uso.

En un término medio, sin llegar a la calidad de los dos primeros films comentados pero con suficientes puntos de interés como para salvarlo de la "quema" (en la misma medida en que Amadis de Gaula o Tirante el blanco se salvaron de la hoguera alimentada por los numerosos libros de caballería de Don Alonso Quijano) aparece este pequeño, extraño y desconocido film en coproducción con Ecuador. Por estar olvidado, ni siquiera aparece en ninguna de las dos antologías más conocidas de Jesús Palacios sobre el tema (Planeta Zombi y Goremanía) o la de "Mad doctors" de aquella mítica editorial Midons que en los años 90 se dedicó a publicar unos interesantes diccionarios de temática fantástica y/o terrorífica. Y sólo en las indispensables (por concienzudas) Cine fastástico y de terror español: 1900-1983 orquestada por Carlos Aguilar y el número de la revista Quatermass 4-5 dedicado al Cine Fantástico Español aparece mencionada, eso sí, sin ofrecer mayores comentarios al respecto.

Así, no es de extrañar que hoy día pase desapercibido un título que podría ser considerado justamente como una versión apócrifa del relato de Lovecraft "Herbert West, reanimador" cuya existencia, a buen seguro conocía el siempre oportunista Santiago Moncada, guionista del film que nos ocupa. Del relato original mantiene varios aspectos básicos como la teoría del doctor (que aquí atiende al nombre algo risible de Frosta) de que es posible recuperar para la vida un cadáver siempre que esté suficientemente fresco a través de un suero que se inyecta directamente en la sangre o el desprecio que por sus teorías recibe de toda la comunidad científica obligándole a convertirse cuasi en un proscrito, cambiando de residencia y nombre continuamente hasta dar con sus huesos en una remota zona de Ecuador donde puede continuar sus "experimentos" con relativa tranquilidad. Junto a estas premisas tomadas directamente del relato de Lovecraft, sus responsables incluyen un "amour fou" que dará lugar a algunas situaciones necrófilas sorprendentes por su valiente escabrosidad. Incluso el uso de la música resulta extrañamente disonante (esa acaramelada canción dedicada a un cadáver) confiriendo a todo el conjunto un estilo psicotrópico, una vocación de film onírico de qualité que ya vislumbramos en la escena pre-créditos en la que el Dr. Frosta se enfrenta al juicio sumarial de sus compañeros por sus actividades de dudosa moralidad y en la cual el protagonista aparece recortado sobre un fondo negro escuchando los distintos sonidos y voces que delatan la presencia de un tribunal que jamás vemos.

Dirigida por el otrora productor Manuel Caño (director así mismo de otra rareza, Vudú sangriento , que comparte más de un punto en común con este título) y pese a su desmembrada (válgame aquí el adjetivo mejor que nunca) estructura narrativa, El pantano de los cuervos supone una modesta pero curiosísima aportación al género zombi, y sigue siendo sorprendente que no cuente con mayores adeptos habida cuenta de la truculencia de sus efectos especiales cuyos resultados se ven potenciados por una fotografía y puesta en escena deliberadamente feístas y por unas inquietantes localizaciones comprendidas en zonas rurales de Ecuador (especial mención a ese pantano que da el título al film, auténtica fosa común para los despojos de los experimentos fallidos del "Mad doctor", observatorio desde el cual los muertos vigilan los movimientos del protagonista en unos desasosegantes planos que ya justificarían por sí solos el visionado de la cinta). De este modo, todavía hoy impresiona el inusitado realismo de la secuencia de la autopsia a una de las víctimas, (escena que alimenta una leyenda negra sobre la autenticidad o no del cadáver que aparece en pantalla) y la atmósfera malsana que la cinta recrea en cada uno de los fotogramas del film,

¿Autopsia real o Fx de primera?

El Dr. Frosta está protagonizado por el gris e inexpresivo Ramiro Oliveros, actor que gozó de gran popularidad hasta su inevitable eclipse a partir de mediados de los 80. Junto a él destaca el gran Fernando Sancho que interpreta a un inspector de policía conservador, machista y sardónico, capaz de desayunar tranquilamente frente a la mano amputada de una víctima y de lanzar cualquier chascarrillo irreverente durante la realización una autopsia. Resulta curioso que ambas personalidades, la del doctor y la del policía, afecten al mismo ritmo narrativo del film, melifluo y plomizo en las escenas de Oliveros, con nervio y un agradable tono de euro-thriller en aquellas escenas en las que aparece el chistoso policía y su asistente.

Si bien es del todo verdad que El pantano de los cuervos está lejos de ser un buen film (de hecho sus carencias son mayores que sus virtudes) sí supone una curiosa aportación al fantástico hispano en general y al género de zombis en particular, un toque de atención entre la morralla que nos ofrece el mare magnum de títulos fantásticos en España a lo largo de la década de los setenta. Así que sólo me queda esperar que disfrutéis de este título y recomendar, si alguien se queda con más "hambre" de muertos vivientes, el blog del buen compañero Alimaña , saco sin fondo de títulos donde, de un modo u otro aparecen estos macabros personajes instigadores de los más sombríos miedos y pesadillas desde que Bela Lugosi los despertara allá por 1932 en la entrañable y pionera White Zombie .

El Pantano y sus macabros inquilinos

No puede perdérsela: Todo completista de la filmografía de estos muertos vivientes.

Abstenerse: El que espere ver una de zombis a lo Fulci.

Emule: El Pantano Los Cuervos (1974) By Pulgatomika Angeles Caidos.avi

Descarga directa:
1: http://www.megaupload.com/?d=IS8DB9U8

2: http://www.megaupload.com/?d=NPMI58U2
3: http://www.megaupload.com/?d=GA5YTIDT
4: http://www.megaupload.com/?d=NQ2V2JHQ
5: http://www.megaupload.com/?d=DWDVBO5I
6: http://www.megaupload.com/?d=7FH9OLQI
7: http://www.megaupload.com/?d=Z3JDJNLH
8: http://www.megaupload.com/?d=308PVCWQ

UN HOMBRE LOBO EN LA ABADÍA

2010-06-22T19:23:00.004+02:00

Sí, como leéis. La excelente web La Abadía de Berzano , dedicada al cine de género y especializada sobre todo en aquellas filmografías más marginales (fantástico de serie B, spaguetti-western, euro-crimen...) ha iniciado un dossier dedicado a la figura del licántropo europeo por excelencia, nuestro añorado Jacinto Molina, alias Paul Naschy.

Cada viernes se ofrecerá el estudio de un título de la abultada filmografía de Naschy, desde aquellos primeros donde la aparición era meramente anecdótica hasta lo último que rodó apenas unas semanas antes de su fallecimiento.

El prior de dicha Abadía, José Luís, alias Cerebrin, ha reunido para esta necesaria empresa a lo más granado de los críticos bloggeros que visitan periódicamente su rincón, en un afán de conseguir un retrato del creador de Waldemar Daninsky lo más alejado posible de prejuicios, celos enconados o animadversiones personales, pero también de favoritismos y parciales estudios hagiográficos, en la convicción de que, probablemente en el término medio hallemos el verdadero valor del hombre y cineasta.

Y puesto que los títulos donde, de un modo u otro, ha participado Jacinto Molina, son innumerables, el prior de dicha Abadía ha tenido que echar mano también de redactores más modestos, como este inquilino, para analizar algún que otro film.

Este pasado viernes comenzó dicho dossier, y no podía hacerlo de mejor manera, con una reseña de uno de los mejores críticos que pululan por los blogs especializados: el barroco, intenso, colorista y de vastísimos conocimientos Adrían Esbilla cuyo blog debería ser de lectura obligada para todos aquellos amantes del cine de género que quieran dar un paso más allá de la mera lectura contemplativa. Adríán se encarga del título que supone la primera intervención con cierta presencia de Naschy en el cine: La Furia de Johnny Kidd

Que ustedes lo disfruten. Personalmente recomiendo guarden cada una de las reseñas. Al final tendrán una visión sobre Naschy, un variado estudio sobre el actor y director (y probablemente también el ser humano) que ya quisiera cualquiera de las publicaciones que hasta ahora han visto la luz.

Avisados quedan todos.

UNAS PALABRAS Y UNOS PREMIOS...

2010-06-11T22:41:00.007+02:00

La época de mayor trabajo para mí está tocando a su fin y pronto tendré un respiro con el que podré volver a reseñar todas esas rarezas que tanto nos gustan. Como el visitante habitual de esta Casa de locos habrá podido observar, desde hace unos post he ido incluyendo los enlaces en descarga directa que, para bien o para mal, van a ser el futuro de la compartición. De todos modos seguiré publicando por el momento enlaces emule para los más "románticos" ya que de bien nacidos es ser agradecidos y la mula nos ha deparado muchas sorpresas y cantidad de buenos momentos y ahora, en las vacas flacas, se merece un poco de paciencia por nuestra parte.

Todavía me queda una semana de estresante actividad y enseguida volveré, como digo, a dedicarle el tiempo que se merece el mantenimiento de este rinconcito demente. Así que como hoy ha comenzado en el mundo un evento que dejará turulatos a 2.000 millones de personitas en todo el mundo (cifras de estimación real, no se trata de una exageración) y como a este Inquilino "la roja" no le sugiere más que una docena (¿o son once?) de niñatos pijos en pantaloncitos cortos y sin otro oficio que el de golpear un objeto esférico por lo general blanco (algunos esto lo definen como arte) para intentar colarlo en una red, aprovecharé para nutrirme de un buen puñado de títulos singulares que reseñar aquí en cuanto vuelva a ser dueño de mi tiempo.

Mientras esto sucede, aquí os anuncio una estupenda iniciativa del imprescindible blog amigo Therapy of Terror , que ha puesto en marcha un singular concurso dirigido a todos aquellos blogs cuyo tema principal sea el cine de género fantástico y/o terrorífico y cuyo premio gordo consistirá en un año de domino gratuito, nada más y nada menos.

Como los promotores de dicho concurso rezan, "Los Premios TofT de Blog's Terror nacen con el objetivo de incentivar la creación de blogs de género, sobre el cine de terror y cine fantástico, e impulsar a los pequeños blogueros para que sean conocidos y obtengan mayor relevancia".

Así que podéis participar en el mismo pinchando en el logo de arriba y os animo a ello, pues es sencillisimo y no son pocos los habituales de esta Casa que cuentan con un sitio mucho más interesante que este pobrecito blog cochambroso a veces, curioso otras, demencial siempre.

Así que en unos pocos días nos volvemos a ver. (Si sobrevivo a esto del Mundial, ¡ay, Dios mío! que días me esperan).

¡Saludos a todos, compañeros!

PTERODACTYL (USA, 2005)

2010-05-25T21:09:00.009+02:00

Dirección: Mark L. Lester. Intérpretes: Cameron Daddo (Prof. Michael Lovecraft), Coolio (Capt. Bergen), Amy Sloan (Kate Heinlein), George Calil (Serling), Ivo Cutzarida (Yolen), Steve Braun (Willis Bradbury), Mircea Monroe (Angie Lem), Jessica Ferrarone (Zelazny), Danna Lee (Gwen Kemper), Howie Lotker (Jason Donaldson). Duración: 80 minutos.

Síntomas: Un grupo de estudiantes en paleontología, dirigidos por el profesor Lovecraft (sí, como el escritor), se dirigen a un volcan al norte de Turquía en busca de fósiles. Al mismo tiempo un comando estadounidense opera por la zona en busca de terroristas internacionales (ya se sabe que es la actividad favorita de los yanquis). Como no hay dos sin tres, las convulsiones del propio volcán dejan al descubierto un buen número de huevos de Pterodáctilo. El encuentro de los tres grupos no se va a hacer esperar.

Diagnóstico: Ya en la anterior reseña a propósito de Una fría noche de muerte , mencionaba cómo en la década de los 70 el género fantástico era tratado en el ámbito de la producción televisiva con gran conocimiento de causa y un cuidado especial a través del trabajo de grandes profesionales en todos y cada uno de los apartados: intérpretes, directores, guionistas... que venían a continuar el trabajo que los grandes artesanos de la serie b habían ejercido (y seguían haciéndolo) en décadas anteriores. Por el contrario, el título que ahora nos ocupa me viene al pelo para mostrar la paulatina banalización de este tipo de propuestas, así como la involución alarmante en estos últimos treinta años del espectador medio de televisión, habida cuenta de la frugalidad de estos y otros productos.

Pterodactyl es una tv-movie que se adscribe al género "dinosaurio resucitado ataca a la humanidad" que tantos y tan gloriosos ejemplos nos ha regalado en la historia del séptimo arte empezando por esos dos títulos tempranos (y muy probablemente todavía hoy los mejores) que son El Mundo perdido (1925) y King Kong (1933). No obstante, y tras el colosal estreno de Parque Jurásico la proliferación de reptiles de grandes dimensiones proliferaron cada vez más y casi siempre con títulos bien poco estimulantes: tiranosaurios, dragones de Komodo, pteranodones, diplodocus... cada bicho prehistórico, preferiblemente de gran tamaño y malas pulgas, parece ya tener su título particular y el Pterodáctilo no podía ser menos.

Hasta ahora artista invitado en otras producciones (la citada King kong, La tierra olvidada del tiempo o En busca del valle encantado, por poner unos pocos ejemplos), el Pterodáctilo se convierte aquí por primera vez en el protagonista absoluto de la función. Técnicamente hay que advertir que estos reptiles alados no solían tener más envergadura que la de un cuervo y en realidad el mayor reptil volador del que se tiene constancia es el Quetzalcoatlus, perteneciente al cretácico y que curiosamente sí cuenta con un par de interesantes títulos como son The Flying Serpent (Sam Newfield, 1946) y la más conocida por estos lares, Q, La serpiente voladora (Larry Cohen, 1982).

Pero obviando estas cuestiones meramente técnicas volvamos a la película que es de lo que se trata. Su responsable es un viejo conocido, Mark L. Lester, productor y director que contó con gran popularidad en la década de los 80 merced a títulos tan conocidos como Curso 1984, Ojos de fuego (adaptación de la novela de Stephen King del mismo título), Comando (con un Schwarzenegger ya lanzado hacia el estrellato) o Armados y peligrosos. A medida que la era Reagan se iba difuminando, los productos de Lester, siempre con un tufillo fastizoide, (llegó incluso a defender en unas declaraciones la justicia popular fuera de la legalidad, como así trata en su Justicia Extrema, de 1993) irán siendo (casualmente o no) relegados al mercado directo del video de donde nunca más salió, hasta la fecha. De hecho, en esta historia de paleontólogos despistados y dinosaurios infográficos, Lester se las apaña para meter a un comando norteamericano (¡en el norte de Turquía!) en su incesante lucha por el acoso y derribo de cualquier grupúsculo terrorista. Su trabajo aquí como realizador es total y absolutamente anodino, sin pulso alguno, que denota un alarmante desinterés o desgana por la labor que se está realizando. Circunstancia que queda refutada por el hecho de que haya tardado cinco años en volverse a poner tras una cámara aunque haya mantenido su incesante labor como productor.

El reparto es igualmente gris, con el insulso Cameron Daddo como el paleontólogo protagonista. Daddo es ese tipo de actores al que no le pones nombre pero que inmediatamente te suena de haberle visto en multitud de olvidables productos televisivos. Por poner dos ejemplos recientes, suyos son los protagónicos de Category 7: The End of the World o El exorcismo de Isabella , films igualmente mediocres. Su trabajo es tan funcional que jamás logra que lleguemos a simpatizar con su personaje. Poco que destacar del resto del reparto como no sea de la rubia tonta (no podía faltar en una producción de este tipo) que protagoniza Mircea Monroe y que proporciona (a costa de su neumática anatomía) los escasos momentos de regocijo en la cinta. El cantante Coolio, que encarna al capitán de los marines, y la protagonista femenina interpretada por Amy Sloan cumplen con oficio su funcional cometido.

El guión, perpetrado por Mark Sevi, cuyos poco estimulantes créditos incluyen la cuarta parte de Ghoulies o nuestra entrañable Arachnid (con la que tiene varios puntos en común), proporciona innumerables momentos divertidos merced a su falta de lógica y rigor a todos los niveles. Aquí Sevi logra lo que parecía imposible: que la aparición de un Pterodáctilo en nuestros días sea el suceso más creíble de todo lo que acontece a continuación. Diálogos sonrojantes jalonan, por su parte, cada pequeño momento de respiro entre los protagonistas. ¡Ah! Sí. Y todos los personajes tienen nombres de escritores de ciencia ficción, para el que le interese.

Pero no todo es negativo en esta producción, no vayamos a creernos. A decir verdad, a la cinta no se le puede negar cierta honestidad en sus propuestas. Se nos prometen dinosaurios voladores y hambrientos y tenemos dinosaurios para dar y tomar. Los depredadores protagonistas no tardan en aparecer en la acción del film y sus ataques son bastante numerosos y prolongados. Pero claro, lo que en principio puede ser una ventaja al final, dada la poca inventiva de la puesta en escena en dichos ataques,se convierte en mera reiteración que llega a saturar. Y es que además los efectos digitales dejan bastante que desear, como no podía ser de otro modo en una producción de tan bajo presupuesto. De hecho, cualquier producción Harryhausen de tres ó cuatro décadas antes supera con mayor realismo (y desde luego, magia) la interrelación entre personajes reales y criaturas animadas.

A pesar de todo ello, y para concluir en positivo, Pterodáctyl puede suponer un entretenimiento frugal pero efectivo para las calurosas tardes de verano que tenemos a la vuelta de la esquina. Todo depende del nivel de exigencia del momento o de lo fría que esté nuestra cerveza.

Trailer de "Perodactyl"

No puede perdérsela: El incondicional de los dinosaurios en el cine.
Abstenerse: Cualquier otro.
Como verla: En venta en Importación
Emule (en castellano): Pterodactyl Spanish By Tdt.avi
Descarga directa VO con subtítulos:
http://rapidshare.com/files/72117016/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part1.rar
http://rapidshare.com/files/72119558/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part2.rar
http://rapidshare.com/files/72121903/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part3.rar
http://rapidshare.com/files/72124916/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part4.rar
http://rapidshare.com/files/72132549/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part5.rar
http://rapidshare.com/files/72136079/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part6.rar
http://rapidshare.com/files/72129032/Pterodactyl.2005.DVDRip.XviD-Fyx.part7.rar
Subtítulos: http://files1.subdivx.com/31643.zip

UNA FRÍA NOCHE DE MUERTE (USA, 1973)

2010-05-07T01:49:00.008+02:00

Título Original: A Cold Night's Death. Dirección: Jerrold Freedman. Intérpretes: Robert Culp (Robert Jones), Eli Wallach (Frank Enari), Michael C. Gwynne (Val Adams). Duración: 74 minutos.

Síntomas: Unos científicos llegan a una base en el antártico para continuar unos experimentos consistentes en observar la reacción de los primates ante situaciones extremas de frío o altitud. Al llegar descubren que el compañero al que tenían que relevar ha muerto congelado y sin aparentes síntomas de violencia. Pronto sentirán que no están solos y que una presencia extraña se cierne sobre ellos: puertas y ventanas que se abren misteriosamente, nerviosismo de los monos, aparatos que dejan de funcionar...

Diagnóstico: La década de los 70 supone, sin lugar a dudas, la época dorada del género (fantástico se sobrentiende) donde encontramos la mayoría de clásicos modernos que han configurado la forma de entender el fanta-terror hoy día: Alien, Jaws, Halloween o Star Wars son sólo algunos de los más ilustres ejemplos, pero la lista sería interminable.

A ello unimos una estupenda promoción de profesionales, sin las ínfulas de autor que contaminan a los jóvenes realizadores de hoy día, que entendían el cine como un oficio de artesano y trabajaban sin ningún tipo de complejo para la televisión, aportando productos más que dignos que hoy sería impensable encontrar en la sobremesa de cualquiera de nuestras cadenas nacionales. En dicha década, la palabra "telefilm" carecía del significado peyorativo que tiene en la actualidad y eran frecuentes los coqueteos con el género fantástico. Como botón de muestra los dos films protagonizados por Kolchack , una especie de periodista especializado en lo sobrenatural o Something Evil (Algo diabólico, 1972) dirigido por un jovencísimo Steven Speilberg, por cierto, ambos protagonizados por el sólido actor televisivo Darren McGavin. "Una fría noche de muerte" forma parte de estos más que dignos telefilms de género realizados con firme conocimiento de causa y que, en ese sentido, supone una auténtica rareza ya que hoy día es un título prácticamente olvidado a pesar de contar con múltiples alicientes.

Lo primero que llama la atención, nada más comenzar su metraje es el contexto en el que nos situamos: una estación experimental alejada de cualquier lugar habitado, donde unos científicos observan las reacciones de distintos primates en condiciones extremas. Inmediatamente el espacio nos remite a la indispensable The Thing (John Carpenter, 1982), donde un grupo de científicos se veían diezmados por una amenaza externa. Y es que un grupo de personas encerradas en un espacio reducido, amenazadas desde el exterior y sin posibilidad de conseguir ayuda, siempre ha dado resultados estimulantes desde que Howard Hawks (por cierto, director no acreditado de la primera versión de The thing) realizara la magistral Río Bravo en 1959.

Prácticamente dos únicos actores soportan el peso de la acción. Robert Culp (inolvidable agente Maxwell en El gran héroe americano) interpreta con solvencia a Robert, más hombre de acción que científico, que desde el primer momento muestra a las claras su desprecio por la misión encomendada y su obligada reclusión. Él es el primero que parece darse cuenta que hay algo extraño, una amenaza indeterminada que crece y parece acorralarles a medida que pasan los días. Junto a él Frank, interpretado por el gran Eli Wallach , que representa al perfecto científico, un hombre que disfruta con pruebas y análisis, que niega en todo momento la existencia de cualquier misterio que ponga en duda su lógica racional. El choque de las dos dispares personalidades no tarda en llegar a medida que los sucesos extraños se suceden. Robert intenta abrir los ojos a Frank, mientras que este no ve sino una estrategia de su compañero para forzar la evacuación de los científicos. La amenaza latente servirá de detonante para la aparición de viejos fantasmas personales en forma de mutuas recriminaciones.

El planteamiento inicial es apropiado para producir la inquietud en el espectador ya que este no tiene más datos que los protagonistas, descubriendo los extraños acontecimientos al mismo ritmo que estos. El problema que impide que el film llegue a redondear sus resultados es, por un lado, la morosa dirección de Jerrold Freedman, curtido realizador televisivo que aquí ofrece una puesta en escena demasiado funcional, con una fotografía plana que no aprovecha en su totalidad las posibilidades del inquietante decorado. Por otro lado, Freddman tampoco consigue mantener el equilibrio del relato durante todo el metraje, retardando demasiado la solución al misterio. Esto hace que, una vez que el espectador ha hecho ya sus propias conjeturas, necesite la confirmación de algunos interrogantes para que la narración avance con fluidez y así evitar los tiempos muertos.

A pesar de ello, un desasosegante uso del sonido y la música, las soberbias interpretaciones de Culp y Wallach y esos quince últimos minutos realmente inquietantes, hacen que el balance sea decididamente positivo. La ausencia de todo efectismo sanguinoliento y la resolución nada enfática del film consiguen generar en el espectador un verdadero sentimiento de incomodidad que se ve potenciado en el plano final, donde el personaje interpretado por Wallach observa como sus más terribles sospechas (las nuestras en realidad) se ven confirmadas.

Robert Culp en busca de su misterio

No puede perdérsela: El amante del terror en su vertiente más metafísica.
Abstenerse: El que busque horror y sangre de un modo explícito.
Venta: No editada en DVD. En su día si llegó a estrenarse en VHS.
Emule: Una Fria Noche De Invierno By Paracaidista (Terrorfantastico&Hispacine) Ii Aniversario.avi

KILLBOTS (USA, 1986)

2010-04-22T23:28:00.005+02:00

Título Oringinal: Chopping Mall. Dirección: Jim Wynorski. Intérpretes: Kelli Maroney (Alison), Tony O'Dell (Ferdy), Russell Todd (Rick), Karrie Emerson (Linda), Barbara Crampton (Suzie), Nick Segal (Greg), John Terlesky (Mike), Suzee Slater (Leslie), Paul Bartel (Paul Bland), Mary Woronov (Mary Bland), Dick Miller (Walter), Gerrit Graham (Técnico), Mel Welles (Cocinero). Duración: 72 minutos.

Síntomas: Los robots de seguridad de un gran Centro comercial sufren una sobrecarga eléctrica que los convierte en autómatas sedientos de sangre. Un grupo de adolescentes que han decidido quedarse para montar una fiesta privada en dicho centro deberán luchar para salvar sus vidas.

Diagnóstico: Para el aficionado a la serie B de las tres últimas décadas, Wynorski no es un desconocido. Uno de los realizadores que surgieron bajo la tutela del gran Roger Corman (cuya cantera parece inagotable), el camino emprendido por Jim desde que inició su aventura en solitario, se caracteriza por el sempiterno tono de parodia en todas sus producciones fantásticas, algo que puede resultar irritante para algunos pero que, decididamente, al menos para el que suscribe estas líneas, hace mucho más digeribles los trabajos de este director, incapaz de tomarse en serio a sí mismo en títulos tan delirantes como los de Vampiros del Espacio (1988), con la ex porno star Traci Lords , Transylvania Twist (1989), El comehuesos (2007), Vampirella (1993), pobrísima adaptación del mítico cómic, o secuelas imposibles como 976-Evil II (1991), Munchies II (1993) y Ghoulies IV (1993).

El estilo, los presupuestos, el tono y, por qué no decirlo, sus casposos resultados emparentan muy de cerca con el cine de Fred Olen ray , con el que por cierto compartió dirección en Dinosaur Island (1994). KillBots está acreditado como el segundo título que Wynorski dirigió en su carrera y supone, desde luego, uno de los más divertidos.

En la década de los 80 la fiebre hacia una incipiente tecnología informática trajo sus consecuencias dentro del cine norteamericano que inmediatamente inundó las pantallas con una serie de títulos donde las máquinas tenían un gran protagonismo. Títulos como Tron (1982), Terminator (1984) , Runaway, brigada especial (1984) o en clave más familiar Cortocircuito (1986) contaban tramas en las que generalmente las máquinas suponían una amenaza hacia los incautos seres humanos. Ya unos años antes Michael Crichton nos ponía los pelos de punta en su imprescindible Almas de Metal (1972), donde unos autómatas destinados al ocio en un gigantesco parque temático se rebelaban contra sus hasta entonces dueños humanos. De hecho, Killbots podemos considerarla un remake-homenaje en clave "teen" de aquella cinta.

Teniendo en cuenta que nos movemos en unos terrenos estrictamente de serie b (con vocación de Z), Killbots supone una cinta muy entretenida en primer lugar por ir directa al grano, introduciéndonos de inmediato en una simplísima pero efectiva trama y, en segundo lugar, por reunir todos los ingredientes deseables para el amante de lo cochambroso: acción, humor, desnudos absolutamente gratuitos, efectos especiales cutres y un divertido uso del splatter. ¿alguien da más en apenas 70 minutos?

Por si eso fuera poco, el reparto del film también ofrece más de una sorpresa para el espectador. Breves apariciones especiales del gran Paul Bartel y su señora, la estupendísima Mary Woronov, del infarible Dick Miller (absoluto icono del fantástico y actor fetiche de Roger Corman) e incluso de la mismísima Barbara Crampton, apenas unos instantes antes de convertirse en una actriz de culto para los aficionados merced a su inolvidable intervención en Re-Animator (1986).

Killbots ofrece escenas más interesantes de lo habitual en este tipo de cine (la secuencia de las tarántulas en la tienda de animales, por ejemplo), constantes guiños al aficionado (en un momento determinado los protagonistas ven en la tele Attack of the crab monster, aparecen carteles de otras cintas como Barbarian Queen o Galaxia prohibida , todas ellas dirigidas o producidas por el propio Corman) y si la cinta no trasciende más es debido primero a la simpleza de un guión que se limita a enlazar escenas de persecución con unos diálogos bastante estúpidos y a la inoperancia tras las cámara de Wynorski incapaz de aprovechar las posibilidades de un escenario tan atractivo como es el de un gran centro comercial cerrado, al que George A. Romero supo sacar mucho más partido en su mítica Zombi (1978).

Tráiler de Killbots

No puede perdérsela: El completista de robots con malas pulgas.

Abstenerse: El que no guste de la serie b autoparódica.
Venta: Importación

E-mule: Killbots - Chopping Mall (Robots Asesinos).avi
Descarga directa:
http://www.megaupload.com/?d=JY6RO9N2

HELLEVATOR:THE BOTTLED FOOLS (Japón, 2004)

2010-04-11T20:36:00.013+02:00

Título Original: Gusha no bindume. Dirección: Hiroki Yamaguchi. Intérpretes: Hiroki Yamaguchi (Luchino), Yoshiichi Kawada (Inagaki), Ryôsuke Koshiba (Mitarai), Kae Minami (Nakaji), Yuuka Nakabô (Miyako), Ikuma Saisho (Viblio Sawatsukumori) y con Yuuna Sotohara, Toshiko Sunamura, Yuuko Takarada, Masato Tsujioka, Hisashi Ueno. Duración: 97 minutos.

Síntomas: Una serie de personajes coinciden en un ascensor de largo recorrido en un mundo deshumanizado. Cada cual tiene su propio secreto inconfesable que guardar. En un momento del trayecto, el ascensor es requerido para trasladar a un par de peligrosos asesinos psicópatas. La pesadilla no ha hecho más que empezar...

Diagnóstico: Dice el imprescindible Carlos Aguilar en su Cine fantástico y de terror japonés (1899-2001) : “Tras el fin de los años 80, el fantastique japonés… es acaparado por el neo kaiju y el saiko hora (literalmente psycho horror)…

De modo prioritario, y hasta
sofocante, se advierte el efecto de la coetánea “cultura del apocalipsis” americana, dentro de la cual coexisten el gore y el splatter, el trash y el slasher, el cyberpunk y el cyberpup, las más diversas parafilias eróticas, el armamento sofisticado, toda índole de arte siniestro, la estética postindustrial, las religiones anticristianas y las sectas oscurantistas, los psychokillers , el afterpunk, el gothik, los cómics macabros, la nueva carne, el nuevo metal… todo ello materialmente a la sombra de lo bizarro…”.

Acertadísima descripción del giro que el cine japonés toma en las postrimerías del s. XX, resulta, del mismo modo, idónea para retratar certeramente el título que ahora nos ocupa. Lo primero que llama la atención de “Hellevator: The Bottled Fools” es su estética retro que remite de inmediato a aquella obra maestra de Terry Gilliam llamada Brazil (1984), igual que esta, pesimista fábula apocalíptica que nos mostraba un mundo deshumanizado, una sociedad de tintes dictatoriales donde los derechos fundamentales y la presunción de inocencia son pisoteados en alas de una frágil seguridad torpedeada por pequeños grupúsculos terroristas (ineludible acordarse de ciertas sociedades modernas que en nombre de la democracia utilizan métodos muy cercanos a los que dicen combatir).

Hecho este apunte, es de justicia advertir que las similitudes con el film de Gilliam terminan ahí. Y es que los mensajes y presupuestos con los que se mueven ambos films son radicalmente distintos. Precisamente, unos de los mayores méritos del director de The bottled fools es el magnífico rendimiento que ofrece del escaso presupuesto de la cinta, trasladando la mayor parte de la acción al interior de uno de los enormes ascensores que, a modo de tranvías verticales (uno de los aspectos más novedosos del film), sirven como medio de transporte para los habitantes de esa lóbrega, claustrofóbica e hiper industrializada ciudad.

Junto a estos elementos, como bien señalaban las palabras de Aguilar al comienzo de la reseña, otras constantes en el nuevo fantástique japonés: adolescentes con trajes de colegiala, psychokillers grandiñolescos y ese peculiar tratamiento de un gore exacerbado que suele derivar en lo bizarro cuando no directamente en lo grotesco. La película resulta desasosegante por diversos motivos: algunos detalles macabros (ese asesino que habla hacia atrás), la presencia constante de la sangre (y todos sabemos como se las gastan por allí cuando se trata de mostrar el rojo elemento) y sobretodo por la incapacidad de poder identificarnos con ninguno de los roles (Luchino, envuelta en su traumático pasado, está lejos de ser un personaje positivo, pese a su condición de protagonista), lo cual contribuye aún más a la incomodidad del espectador, que jamás sabe que posición tomar en la trama lo cual, a la postre, puede suponer también un serio hándicap.

Pero la mayor pega que se le puede dar a este singular título, como ya habrá supuesto el más avezado aficionado, es su condición de anécdota excesivamente alargada que combina los aciertos y las secuencias de indudable impacto con diversos tiempos muertos, escenas reiterativas y situaciones que derivan en absurdas, no tanto por la propia condición del relato como por una traición de la lógica interna de este, circunstancia habitual en realizadores y guionistas noveles como es el caso.

Con todo, un pecado menor para un film interesante, una parábola que de puro pesimismo trasciende en nihilista, con un desenlace que no por previsible resulta menos apropiado para cerrar su discurso.

Tráiler de Hellevator

No puede perdérsela: Cualquier amante del cyberpunk.

Abstenerse: Los que no gusten de las películas de ambiente claustrofóbico.

Venta: Sólo en Importación.

E-mule: The Bottled Fools 2004 Dvdrip Xvid-Saphire.avi

Subtítulos: The[1][1] Bottled Fools (Asia-Team)(Allzine)-Esp.rar

Descarga directa:

http://www.megaupload.com/?d=JIIHIU7O

http://www.megaupload.com/?d=N0TBG235

http://www.subdivx.com/X6XMTkyNjg8X-the-bottled-fools-2004.html

EL INCINERADOR DE CADÁVERES (Checoslovaquia, 1969)

2010-02-25T00:52:00.009+01:00

Título Original: Spalovac mrtvol. Dirección: Juraj Herz. Intérpretes: Rudolf Hrusínský (Kopfrkingl), Vlasta Chramostová (Lakmé / Dagmar), Jana Stehnová (Zina), Milos Vognic (Mili), Zora Bozinová (Reinkeová), Ilja Prachar (Walter Reinke), Eduard Kohout (Bettleheim), Jirí Menzel (Dvorák). Duración: 95 minutos.

Síntomas: El señor Kopfrking regenta un cementerio. Obsesionado por las creencias tibetanas, está convencido de que la incineración es el método más limpio y adecuado para el tránsito del alma del cuerpo al éter. Y a esta actividad dedica su existencia. Lleva una vida absolutamente ordenada, controlando hasta el más mínimo detalle cualquier aspecto de su trabajo y familia. El advenimiento de la ideología nazi obrará en él unos cambios de consecuencias aterradoras.

Diagnóstico: Hay determinadas películas a las que uno se acerca con todas las reticencias del mundo (máxime cuando se trata de un film checo que sólo pudo verse en algunas salas de arte ) para, una vez visionadas, tener la sensación de que acabas de zanjar una asignatura pendiente. El incinerador de cadáveres, qué duda cabe, es una de ellas. Una película que entre los aficionados al fantástico mueve muchas veces a confusión ya que se la suele catalogar como película de terror. Qué duda cabe que lo es, pero no en el modo en el que un seguidor de Viernes 13 o La matanza de Texas pueda imaginar. El Incinerador de cadáveres va mucho más allá; supone una auténtica sintonía del horror en su estado más puro, que usa al nazismo como telón de fondo para crear una fábula que, a fuerza de deformar, de caricaturizar la realidad, la muestra en su mayor crudeza.

Cuna de grandes directores (la mayoría absolutamente desconocidos para estos lares), la exenta Checoslovaquia vio nacer a Juraj Herz en 1934 en Bratislava (hoy capital de Eslovaquia). Tras estudiar dirección e interpretación en la escuela de marionetas de Praga, Herz se convierte en un maestro de dicho oficio hasta su debut como realizador en los años 60. Su generación ha dado realizadores tan notables como Oldrich Lipsky (ya reseñado aquí en la divertida Yo maté a Einstein, caballeros ), Jirí Menzel (que aquí interpreta un pequeño papel) o Jindrich Polák (al que prometo reseñar en un futuro, que bien lo merece).

Incansable cultivador del cine fantástico y de terror con títulos tan sobresalientes como La bella y la bestia (1978) o Upir z Feratu (1984) El incinerador de cadáveres sigue siendo su obra más conocida y reputada aunque no sea propiamente dicho (y como ya he adelantado) ni un film fantástico ni una película de terror. Con todo, logró alzarse en su día con los principales premios del Festival de Cine fantástico y de terror de Sitges, 1972: Mejor film, actor y fotografía.

La película fue repudiada por muchos debido al humor que a veces destila para narrar hechos ciertamente truculentos. Pero esos críticos no tuvieron en cuenta la legitimidad moral que Herz tenía para hacer esto, recluido como estuvo con tan solo 10 años en el campo de concentración de Ravensbruck. Además, el humor que escoge el realizador está desprovisto de todo cinismo o ánimo de provocación y se convierte en un inmejorable vehículo para provocarnos el escalofrío en la descripción de un panorama desesperanzador. Del mismo modo, por contraste, Herz emplea la belleza para mostrarnos aquellos momentos más grotescos o morbosos (esa bellísima música que el protagonista, Kopfrkingl, pone cada vez que entra en el depósito de cadáveres para trabajar, las apariciones de la hermosa joven enlutada...)

La película en sí nos narra un proceso de degeneración (ideológica, moral, humana) de un hombre dedicado a incinerar cadáveres en un cementerio. Su inmediato contacto con “el partido”, unido a su pasión por “El libro tibetano de la vida y la muerte”, le lleva a creerse un libertador de la humanidad, un purificador de esa enfermedad cancerígena que es el judaísmo o aquellos que no cuentan con una sangre pura.

La historia acontece en los momentos previos y posteriores a los acuerdos de Múnich de 1938, los cuales fueron denominados por el pueblo checo “La traición de Múnich”, ya que observaron como los gobiernos occidentales (en el proceso participaron el primer ministro inglés, Chamberlain, y su homólogo francés, Daladier) cedían con facilidad a las consideraciones alemanas, dejando a Checoslovaquia en manos del nazismo. Así, el film cobra además la dimensión de auténtica sátira política en la que vemos como un personaje aséptico y sin personalidad se ve poco a poco transformado por la escalofriante filosofía del nacional-socialismo.

El Incinerador... puede considerarse una película compleja, extraña, misteriosa, insólita (de otro modo no tendría cabida aquí) y sin embargo está lejos de ser una obra críptica de difícil comprensión. Si hubiera que definirla por sus referentes inmediatos sin duda Kafka estaría en primera línea con no pocas pinceladas del gran Roland Topor. Pero El Incinerador de cadáveres también es el Bertold Brecht más expresionista e incluso, según confiesa el propio realizador, un Hitchcock aderezado con los delirios de El Bosco, cuyas pinturas aparecen en el tramo final, por cierto. La escritura cinematográfica de Herz (con el peculiar empleo de la cámara, repleta de gran angulares, ojos de pez, etc.) y su montaje (utiliza los primeros planos para realizar las transiciones entre escenas logrando de este modo una efectiva desorientación espacio-temporal) contribuyen a crear una obra hipnótica, fascinante que no deja indiferente a nadie.

Por encima aún de todo eso, nos quedará en la retina la figura de Kopfrkingl, impresionantemente interpretado por el gran actor checo Rudolf Hrusínský que consigue crear uno de los personajes más repelentes de la historia del cine, un hombre apocado pero decididamente inolvidable con sus tics, manías y gestos (esa manera de peinar a los cadáveres antes de pasarlos al horno crematorio, su suave tono en los diálogos, su indolencia a la hora de cometer los más terribles desvaríos...). Una obra, en fin, quizá no apta para todos los gustos pero que desde luego merece una oportunidad. Y sólo el que resista la tentación de detener su visionado se verá recompensado con uno de los finales más desasosegantes y a la vez hermosos de la historia del cine: "Nadie sufrirá más. Los salvaré a todos, ¡Al mundo entero!"...

Algunos momentos del film
(y de su bella banda sonora)

No puede perdérsela: Todo amante del CINE, así, con mayúsculas.

Abstenerse: Vosotros mismos...

Venta: Por lo pronto sólo de importación
Enlaces: Un TvRip con subtítulos incrustados: El Incinerador De Cadáveres (Spalovac Mrtvol) Juraj Herz - Vosesp.avi
Y otro de mejor calidad con los subtítulos aparte: The Cremator (Spalovac Mrtvol) 1968 Dvdrip Xvid-Unknown.avi
Subtítulos: The Cremator (Spalovac Mrtvol) 1968 Dvdrip Xvid-Unknown.srt
Descarga directa: Aquí

THE TELL-TALE HEART (USA, 1941)

2010-02-13T01:36:00.013+01:00

Dirección: Jules Dassin. Intérpretes: Joseph Schildkraut (Hombre), Roman Bohnen (Viejo), Oscar O'Shea (Agente de la ley 1), Will Wright (Agente de la ley 2). Duración: 18 minutos.

Síntomas: Un hombre vive atormentado por el trato despótico que le da el anciano con el que vive y para el cual trabaja. Una noche decidirá poner fin a la vida de este y enterrarlo en el mismo suelo de la vivienda. Pero el corazón siempre acaba por delatarnos.

Diagnóstico: Dicen que los mejores perfumes se sirven siempre en frascos pequeños. Si esto es así, desde luego a pocos autores se me ocurre mejor aplicarle el dicho que al gran Edgar Allan Poe cuya mayor contribución a la literatura estuvo marcada por sus narraciones cortas y poemas. Aunque sus relatos de marcado aspecto psicológicos no resulten a priori muy susceptibles de ser adaptados con facilidad al cine, Poe sin embargo siempre ha contado con una prole de directores deseosos de convertir sus palabras en imágenes. No es mi intención hacer ahora un exhaustivo repaso de la vida y obra de Poe en el cine. Baste recordar experiencias como las vividas con la productora Universal (con títulos como Doble asesinato en la Calle Morgue o The Raven ) y sobre todo la AIP, con Roger Corman a la cabeza y su famoso ciclo dedicado al escritor natural de Boston.

Hoy propongo, desde esta casa de locos, una auténtica joya que ha permanecido casi inédita para los aficionados hasta la fecha. Se trata no sólo de la mejor (a mi modesto entender) adaptación de uno de sus relatos más célebres, El corazón delator, sino además del primer trabajo cinematográfico del que se convertiría en uno de los grandes directores de cine negro de la historia: Jules Dassin.

En efecto, el cortometraje ya nos anticipa algunas de las virtudes que apenas unos pocos años después nos brindaría el realizador de La Ciudad desnuda (1948), con una soberbia fotografía en blanco y negro de Paul Voguel que remarca el mórbido tono general del relato y una sobresaliente interpretación de Joseph Schildkraut, sólido actor que ya por aquel entonces había intervenido en algunas de las más grandes producciones hollywoodenses como Las cruzadas, María Antonieta o La Máscara de Hierro. Enfermizo hasta el paroxismo, el film siempre nos dejará con la duda de si el protagonista de la historia es en efecto un demente (él lo niega una y otra vez en el relato original) o sufre de hipersensibilidad, lo cual resulta si cabe más terrible y lo emparentaría directamente con otro de los grandes personajes del universo Poe: el Roderick Usher de La Caída de la Casa Usher.

Sin más dilación, yo invito a que lo averigüéis por vosotros mismos en este sólido cortometraje de apenas 18 minutos que nos sumerge de lleno en el universo de uno de los más grandes autores fantásticos. Y ya de paso ¿por qué no? comprobar la fidelildad de la adaptación leyendo el breve Relato que lo inspiró. Los enlaces del cortometraje y sus subtítulos van justitos de fuentes pero la buena noticia es que los voy a ir compartiendo durante un largo periodo de tiempo. Ya sabéis mi filosofía: de nada me sirve presentaros estas rarezas (aparte de poneros los dientes largos) si luego no tenéis oportunidad de verlas por vuestros medios.

Fragmentos de este cortometraje

No puede perdérselo: Todo amante del mundo de Edgar Allan Poe

Abstenerse: Ninguna excusa para no dedicarle un cuartito de hora.
Cómo verla: Cortometraje (en inglés)
E-mule: The Tell-Tale Heart (Jules Dassin, 1941).avi
Subtítulos: 1941 - The Tell-Tale Heart.srt

SUPERMAN & THE MOLE-MEN (USA, 1951)

2010-01-24T19:08:00.008+01:00

Director: Lee Sholem. Intérpretes: George Reeves (Superman / Clark Kent), Phyllis Coates (Lois Lane), Jeff Corey (Luke Benson), Walter Reed (Bill Corrigan), J. Farrell MacDonald (Pop Shannon), Stanley Andrews (The Sheriff), Ray Walker (John Craig), Hal K. Dawson (Chuck Weber). Duración: 58 minutos.

Síntomas: Lois Lane y Clark Kent llegan a un pequeño pueblo para escribir un reportaje acerca del pozo petrolífero más profundo del mundo, ubicado en dicha población. Pero al llegar se encuentran que las instalaciones han tenido que ser clausuradas debido a una serie de inexplicables suscesos. Todo parece apuntar como culpable a una civilización proveniente del mismísimo centro de La Tierra. El pozo ha abierto un camino directo entre esos extraños seres y los humanos.

Diagnóstico: Cuando Jerry Siegel y Joe Shuster crearon al "Hombre de acero" poco podían adivinar que en realidad estaban dando nacimiento al modelo por el cual se gestarían después toda una galería de hombres con unas facultades sobrehumanas puestas al servicio de las más nobles empresas. Spiderman, Dan Defensor, La Masa, Los 4 Fantásticos, Batman, etc deben, en gran medida, su razón de ser a este hombre con pijama azul calzones y capa rojos y sempiterno caracolillo en la frente. Imprescindible, en este sentido leer la novela Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay escrita por Michael Chabon, para conocer (con las comprensibles licencias fantásticas) las vicisitudes de estos dos artistas para poder ver por fín publicado su creación.

La primera aparición en cómic data de 1938 y enseguida Superman se convirtió en un símbolo del "American Way of lyfe" y prototipo de la nueva figura heroica, alejado de los únicos héroes que existían por aquel entonces y que tenían en Tarzán, Robin Hood o El Zorro sus más distinguidos ejemplos.

No es mi intención hacer ahora un repaso por la filmografía del héroe en cuestión (una mera investigación por la web puede satisfacer cualquier curiosidad al respecto) para así centrarme en el título que nos ocupa y que ha sido elegido para su inclusión en esta Casa de locos, baúl de rarezas y curiosidades varias, debido a que se trata de la primera aparición cinematográfica de nuestro vecino del planeta Krypton. Anteriormente su aparición se había reducido a un par de seriales protagonizados por Kirk Alyn como Superman.

Pero no sólo el hecho de ser el primer largometraje del Héroe de Acero lo hace merecedor de una revisitación, sino también la circunstancia de estar encarnado por primera vez por uno de sus más emblemáticos intérpretes: George Reeves. Pese a su realización de apariencia televisiva, el film supuso tal éxito en los cines que propició inmediatamente la famosa serie interpretada por el mismísimo Reeves: Adventures of Superman , que gozaría de 6 temporadas con un total de 104 episodios de 25 minutos cada uno. De hecho, el film en cuestión se dividió en dos para constituir los dos últimos episodios de la primera temporada, un digno colofón sin duda.

Superman and the Mole-men tiene suficientes elementos para hacerla muy agradable de ver para el aficionado al fantástico de toda la vida. Y es que a pesar de su realización, como digo, excesivamente funcional, su argumento tiene la virtud de aunar elementos que remiten a los viejos clásicos de la Universal (esa turba enfurecida que persigue a los pobres monstruos sin que estos lleguen a comprender qué han podido hacer para cabrearlos tanto) con los temas recurrentes de la Sci-fi norteamericana de los años 50: la era atómica y la psicosis general a ser invadidos por una civilización extraña (vamos, los comunistas). De este modo, la película tiene interesantes momentos que, al menos, nos hacen rememorar otros grandes momentos ya vividos en títulos de mayor enjundia: la niña que , libre de prejuicios, permite a los monstruos compartir juegos con ella (momento este interrumpido por una histérica madre, el adulto, de nuevo símbolo de la intolerancia y el miedo a lo diferente), los hombres topo, cercados por la chusma en un lugar alto (esta vez una presa) emitiendo unos gritos de agonía capaz de compadecernos, etc.

El Superman-Clark Kent de Reeves

El uso de los efectos especiales no resultan tan pobres como podría esperarse en un film de tan escasos recursos, destacando el momento en el que Superman salva a uno de los hombres-topo de caer al vacío, los distintos despegues y aterrizajes de nuestro héroe (con un uso acertado de la elipsis), o la radioactividad que emanan esos seres cada vez que tocan un objeto. El aspecto de los Mole men (hombres topo) está bastante logrado, creando una mezcla de inquietud y conmiseración en el espectador, sensación que debió verse acrecentada en el espectador mucho más ingenuo de la época.

El apartado actoral es, sin duda, otro de los grandes atractivos de esta curiosidad. A George Reeve (uno de los bobos gemelos Tarleton en Lo que el viento se llevó) siempre le ha acompañado la sombra oscura del suicidio: cansado de no conseguir otros papeles distintos a los de Superman acabó descerrajándose un tiro. Pero lo cierto es que el Hollywood de la época gustaba mucho de crear historias melodramáticas que convirtieran a sus estrellas en mitos: así, nos ha llegado la leyenda que cuenta que Bela Lugosi durmió sus últimos años en un ataúd, embozado con su capa y creyéndose el Príncipe de las tinieblas, o que Johnny Weissmüller (lo siento, el único Tarzán para mí) acabó sus días en un manicomio lanzando patéticamente su característico grito de la jungla, extremos todos estos hoy día desmentidos por fuentes fiables.

Así, el fallecimiento de Reeves resultó digno de una película de suspense de la época ya que la policía siempre manejó la teoría del crimen pasional (Reeves mantenía una relación adúltera con la esposa de un alto directivo de la Metro). Sin embargo, este dato nunca pudo corroborarse conpruebas concretas y el informe oficial dicto un suicidio. Reeves, por aquel entonces estaba en la cima de la popularidad y cobrando un buen sueldo por su papel en la serie. Su carisma resultó tan difícil de sustituir que la cadena decidió suspenderla. El hombre de acero había fallecido víctima de una bala (de Krptonita sin duda, no podía ser de otra manera), al menos hasta su resurrección en la década de los 70.

Pero dejando de lado el tema de los cotilleos acerca de su final, hay que decir que Reeves puede resultar hoy día algo envarado con su eterna pose de brazos en jarra y esas hombreras prominentes que hacían todavía un poco más ridículo su traje si cabe, pero lo cierto es que lograba imprimir una gran personalidad al personaje captando todo el espíritu del cómic. Además resultaba un Clark Kent perfecto aunque desde luego menos torpón y cómico del que Christopher Reeve encarnaría unos años después. Phyllis Coates, por su parte, también recrea una Louis Lane bastante fiel al original de las viñetas, de fuerte carácter, impaciente con la pusilanimidad de su compañero, audaz pero con la suficiente feminidad que se le debe exigir a una mujer norteamericana de los años 50.

Junto a ellos destaca Jeff Corey como el villano de turno, el lider de la turba que pretende linchar a los hombres-topo y que no duda en disparar al mismísimo Superman (iluso) para lograr sus pérfidos objetivos. Corey era un eficaz característico que paseó sus tipos mal encarados en multitud de series y westerns como Valor de Ley, Dos hombres y un destino o Pequeño gran hombre, donde interpretaba al mismísimo Wild Bill Hickok.

En definitiva un curioso título, posiblemente el más inédito en la filmografía del hombre de acero, un discreto film reservado a los incondicionales del personaje que, no obstante, y como ya digo, hará las delicias de ese público que todavía sea capaz de ver estos films con los ojos con los cuales debieron verlos nuestros abuelos. Por cierto, estos no tuvieron la oportunidad de visionar el film debido a la absurda censura franquista: los hombres con superpoderes entraban en conflicto con los santos y ángeles de la iconografía cristiana y para evitar confundir a nuestra católica juventud, fueron prohibidos tanto los cómics como sus apariciones en pantalla hasta 1971, justo después que dejara el cargo nuestro Ministro de Información Fraga Iribarne, otro personaje al que la radiactividad también pareció dotarle especiales poderes en su día. Pero esa es otra historia.

Superman en acción

No puede perdérsela: Cualquier fan de Superman.

Abstenerse: Los que sean incapaces de ver el film con los ojos de un niño.
Venta: Como largometraje , junto al resto de la saga fílmica o dividido en dos episodios en la mítica Serie .

Enlace: Por primera vez, un enlace marca de la casa, realizada en su día para una web hoy tristemente desaparecida. Superman y los Mole-men (VOSE) por Quimerico_Inquilino[Tierrasantacovers-MADHOUSE].avi

ONE-EYED MONSTER (USA, 2008)

2010-01-12T00:21:00.013+01:00

Director: Adam Fields. Intérpretes: Amber Benson (Laura), Jason Graham (Jonah), Jeff Denton (Jim), Caleb Mayo (T.J), Bart Fletcher (Lance), Jenny Guy (Wanda), Veronica Hart (Verónica), Ron Jeremy (Ron), Carmen Hart (Angel), John Edward Lee (Rock), Charles Napier (Mohtz), Frank Noel (Conductor bus). Duración: 79 minutos.

Síntomas: Un equipo de filmación de películas porno se encuentra aislado en el set de rodaje ubicado en una montaña, debido a un temporal. Un extraterrestre con forma de miembro viril se dedicará a poseer y asesinar uno a uno a los miembros del equipo que deberán mostrarse más unidos que nunca para hacer frente al temible ataque de la polla del espacio exterior.

Diagnóstico: El falo humano como objeto de culto ha estado presente desde las culturas más antiguas asociado a la fertilidad. Incuso Mercurio (Hermes para los griegos) no era en su origen sino una deidad fálica asociada a la fertilidad masculina. Puesto que el mito de la vagina dentada ya ha sido tratado aquí en el post dedicado a Killer Pussy, nuestro querido pene, carajo, cipote, minga, manubrio, picha, verga, rabo o como quiera llamársele también merecía su pequeño apartado cinéfilo. Curiosamente, el miembro masculino ha sido siempre objeto de muchos más tabús en el mundo del cine que su correspondencia femenina y si desde aquel primer desnudo de Hady Lamarr en Éxtasis, las actrices han mostrado sin pudor sus atributos cuando les ha venido en gana o la censura lo ha permitido, no sucede así con el hombre, reacios como han estado siempre los estudios a mostrar el pene, quizá por pudor, quizá por reverencia atávica al que siempre ha sido nuestro mayor símbolo de vigor y fertilidad. Menos mal que en las últimas décadas directores como Pier Paolo Passolini, Ken Russell, Derek Jarman, Bernardo Bertolucci, Lars Von Trier o Paul Verhoeven han decidido sacar del ostracismo a este fiel compañero de alegrías (y no pocas decepciones). Incluso una gran producción destinada al consumo de palomitas como Watchmen se atreve a mostrar con arrojo a uno de sus personajes con semejante atributo (eso sí, pitufamente pintarrajeado) durante todo el metraje. Era cuestión de tiempo (y necesidad) que pronto surgiera la aparición de un miembro viril autónomo, separado de su legítimo dueño y con muy malas pulgas, faltaría más. Y curiosamente aparecieron dos al tiempo: Bad Biology de Henenlotter (la cual todavía no he tenido la ocasión de ver) y esta que hoy tan graciosamente nos ocupa.

No obstante me temo que nuestro querido pene, pija, braulio, nabo o banana deberá esperar para tener una aparición cinematográfica de mayor envergadura. Y es que One eye monster se queda, como podíamos sospechar al leer la sinopsis en un mal chiste que se acaba a la media hora de metraje. La premisa y los primeros minutos del film son prometedores y configuran una resultona comedia en torno al crepúsculo de los dioses (y diosas) del viejo porno, arrinconados por nuevas hembras recauchutadas de incipientes neuronas y chulines de gimnasio con poca ética y menor respeto por sus antecesores en el género. Pero la gracia desaparece, paradójicamente, en el momento en el que entra en escena el protagonista de la función: un pene extraterrestre que se dedica a joder (en todos los sentidos) a los miembros del mencionado equipo de filmación. A partir de ahí, como digo, la anécdota no da para más, se limita a una sucesión de escenas con escasa chispa y pocas ocasiones para una sonrisa ni siquiera condescendiente.

Y es que, a lo largo del metraje, un virus endémico destroza las escasas posibilidades de éxito que tenía tan bizarro proyecto: una absoluta carencia de presupuesto. Su director Adam Fields, (en realidad un músico reciclado a guionista y director que compone, como no podía ser de otro modo, la resultona banda sonora), consciente de este hándicap evita mostrar al bicho en cuestión, pero ello, lejos de estimular nuestra curiosidad, alimenta nuestro aburrimiento. Y es que en este proyecto basado en una premisa tan dadaísta, uno espera mayor arrojo en la puesta en escena, y desde luego mayor audacia y alegría para ofrecernos sangre y sexo a raudales. Y aquí salvo en muy puntuales momentos, rara vez aparece nada de esto; en un producto de esta bizarría la corrección (política, estilistica y creativa) se convierte en pecado capital. Así, lo que debería ser el plato fuerte de la función en la segunda parte del metraje, las muertes por empalamiento de tan brioso corcel, casi nunca aparecen en plano, fruto ya no tanto de la falta de presupuesto sino de la propia impericia del director, incapaz de elevarse ante semejante lacra. Ni siquiera el humor es tan burro como podríamos esperar, dando la sensación en todo momento que sus responsables no sabían muy bien lo que tenían entre manos (no se admiten chistes).

Verónica y Ron: recordando los viejos tiempos

Sólo el reparto puede depararnos ciertas satisfacciones. Así, tenemos a los veteranos pornstar Ron Jeremy y Verónica Hart interpretándose a sí mismos e ironizando sin complejos sobre su propia decadencia física y profesional. Verónica y Ron fueron compañeros en decenas y decenas de films porno, toda unas estrellas del género durante las décadas de los 70/80 y aquí nos ofrecen sin duda los mejores momentos. Otra actriz habitual en las producciones de porno duro, Carmen Hart, también pone toda la carne en el asador y es la única que se atreve a enseñar sin tapujos sus más íntimos secretos y regalarnos los mejores momentos de la cinta (atención al momento en el que nos revela su truco para realizar los besos negros, o cuando la vemos ensayar su papel a solas en el dormitorio, impagable). En el momento en el que estos intérpretes ceden su lugar a la bicha del espacio exterior y la película deja de ser una comedia (por muy modesta que sea) ambientada en el mundillo del cine hard, paradójicamente la diversión se termina. Junto a ellos aparece el gran Charles Napier, como viejo veterano del Vietnam, parodiando a esos tipos duros que tantas veces le hemos visto hacer. Desgraciadamente ni su presencia es mínimamente aprovechada, convirtiéndose en más carne de cañón (perdón, de picha) para el desarrollo del film. El resto del reparto cumple con lo que se ellos se espera, es decir, poner cara de circunstancia, gritar y hacer el moñas.

El resultado final, un producto entre dos aguas que naufraga por falta de definición. Una comedia sexual sin apenas sexo, (preferimos para eso la saga Porky´s, las aventuras de Álvaro -Jaimito- Vitali o incluso las andanzas de Pajares y Esteso). Un film de horror sin horror que nos hace añorar tantas y tantas producciones ya vistas, en los que un reducido grupo de personajes, en un microcosmos aislado, se ven en peligro por una amenaza externa, empezando por esas dos obras maestras que son La Cosa o Alíen, aquí implícitamente presentes durante toda la cinta. Como muestra el tráiler, ejemplo perfecto de cómo recopilar los pocos momentos buenos de un film en apenas dos minutos.

Tráiler Oficial

No puede perdérsela: Los fans de Ron y Verónica. (Vamos no disimuléis, que sé que hay más de uno).
Abstenerse: El que no le guste el sub-género de miembros sexuales asesinos. De hecho ni siquiera sé si existe este sub-género.
Venta: En Importación, of course.
Enlace Emule: One Eyed Monster (V.O.Sub.Español) 2008 DVDRIP Xvid-Mp3 (688x384) Estrenos-Sub.com.avi
Descarga directa: Aquí mismo.

CAPERUCITA Y PULGARCITO CONTRA LOS MONSTRUOS (México, 1962)

2009-12-24T20:00:00.018+01:00

Intérpretes: María Gracia (Caperucita), Cesáreo Quezadas (Pulgarcito), José Elías Moreno (Ogro), Manuel 'Loco' Valdés (el Lobo), Santanón (Zorrillo), Ofelia Guilmáin (La Reina bruja), Quintín Bulnes (Drácula), y Armando Gutiérrez, Alfredo de Soto, Elvira Lodi, Magda Donato. Duración: 81 minutos.

Síntomas: La bruja malvada organiza un juicio contra el lobo feroz y contra el ogro por hacerse colegas de Caperucita y Pulgarcito respectivamente. En el juicio los monstruos de otros cuentos los declaran culpables y los condenan a morir previa dosis de ridículas torturas. Además, la venganza alcanza a los habitantes del pueblo cercano a los que convierten en micos lucíos. Pulgarcito y Caperucita roja acuden al rescate pero antes tendrán que enfrentarse a una maraña de monstruos a cada cual más cutre, (digo peligroso) que el anterior: Drácula, El hombre del saco, un dragón…

Diagnóstico: Navidad. Tiempo de compartir, de ver de nuevo a los seres queridos, momentos de amor y felicidad junto a los nuestros. O eso dicen por ahí… Lo que sí que es cierto es que durante estos días no hay hogar que no se decore con un estilo kitsch de dudoso gusto pero que parece haber encontrado la complicidad de la mayoría. No entiendo entonces por qué se tuerce el gesto con delicias como la que hoy os propongo para estas navidades. Evidentemente el tema navideño no está incluido explícitamente en este film: no hay papás noeles, ni árboles de Navidad, ni guirnaldas. Y sin embargo supone un producto perfecto para ver estas navidades precisamente por lo antes mencionado. Nuestro gusto estético se relaja y parece disfrutar por una al año con los excesos (económicos, estéticos, ingenuos, gastronómicos…). Y si algo tiene esta película es que es excesiva en todos los sentidos salvo quizá en el presupuestario. Los conceptos de lo ñoño (dícese de lo ridículo, mojigato o excesivamente melindroso), lo camp (corriente que basa su estética en el mal gusto), lo naïf (estética ingenua basada en colores contrastados y vivos) y lo Kitsch (término empleado para definir el mal gusto o lo anticuado en un sentido más amplio) se combinan aquí a la perfección del mismo modo que en las fiestas navideñas, ustedes disculpen.

Además, la película tiene suficientes aspectos demenciales como para poderse rendir culto en esta casa de locos.
Pero ojo que no todo en esta cinta es material de desecho. En primer lugar, uno puede disfrutar de esa abigarrada puesta en escena de colores chillones (no es lo único que chilla en la película) que remiten inmediatamente a los clásicos Disney (en especial esa joya de lo naïf que es Blancanieves) y El Mago de Oz de Víctor Fleming. Realmente logrados los decorados y la fotografía que recrean con mucho menos presupuesto que sus honrosos precedentes un mundo de fantasía y tenebrismo destacando ese bosque perpetuamente brumoso donde los niños se pierden o ese castillo de la reina malvada, auténtico dibujo animado en cartón piedra.
La película, por otro lado, no es un alarde precisamente de ironía o sutileza (como cualquier producto infantil de la época, debo añadir) y precisamente por eso a veces destila cierta mala leche involuntaria que puede llegar a sorprendernos. Así, a pesar del desfile continuo de monstruos de pega, quienes verdaderamente dan miedo son esa tropa de niños liberados de las garras del hombre de saco que, garrotes y piedras en mano, se dedican a machacar con saña a todo tipejo que se les plante encima. Uno no puede evitar recordar durante la secuencia del ataque de los mozalbetes esa macabra película de revelador título: ¿Quién puede matar a un niño? (1976).

¿Qué hace Florentino Fernández en esta peli?

Otras secuencias, en cambio, debido a su excesiva ingenuidad no pueden sino provocarnos la más saludable hilaridad. ¿Quién podrá retener la carcajada ante ese pueblo convertido por las malvadas artes de la bruja en un poblado de micos saltarines?
Pero ahí acaban los motivos de goce de la cinta y nos espera también varios caminos de espinas. El primero que tenemos que atravesar es el de las forzadísimas interpretaciones de sus protagonistas. Y es que algunos de los mayores histriones mexicanos los tenemos metidos en el asunto. De entre ellos destaca el gran Manuel “loco” Valdés, que interpreta al lobo feroz, José Elías Moreno que hace lo propio con el Ogro y al que ya vimos en esta casa a propósito de La Horripilante Bestia Humana, Santanón, un intérprete enano especialista en enfundarse trajes de felpa para interpretar a los más variopintos personajes de la fauna. Aquí es el fiel escudero de nuestros protagonistas, un zorrillo, especie de Sancho Panza cuyos saltitos y chillona voz (perteneciente a la actriz Eugenia Avendaño) hacen que queramos verlo asado a la parrilla desde su segunda aparición (en la primera creo que no habla).

¿Vería Ibañez Serrador esta secuencia antes de rodar su película?

Junto a ellos los niños “prodigio” Cesáreo Quezadas, que ya había compartido cartel con algunos de los ilustres miembros de nuestra chiquillería nacional, (dícese Marisol o Joselito) y María Gracia, que se enfunda por tercera vez la caperuza roja para demostrarnos que es una de las actrices infantiles más insulsas que ha dado la filmografía mundial en toda su historia. Los escasos mohines que nos ofrece son tan forzados que no nos es difícil imaginar al propio director ejecutando muecas tras la cámara para que esta niña intente imitarlo. ¡Ah! También tienen un perro blanco que atiende al nombre de “Doncel” y que desde el primer minuto muestra una actitud completamente indiferente hacia todo lo que sucede en pantalla, como si aquello no fuera con él.

Asombra además que tras el evidente esfuerzo de producción haya detrás una realización tan torpona que echa por tierra gran parte de las posibilidades que tenía este coyuntural producto. Director y guionista de parte de la filmografía de los grandes divos mexicanos Pedro Infante o Jorge Negrete, Roberto Rodríguez demuestra aquí una absoluta desgana a la hora de coreografiar las múltiples peleas y otras escenas de acción que se producen durante la cinta. Por otro lado, la caracterización de los monstruos que aparecen en la película (salvando a la excelente reina bruja) son de aquello de: “vete a casa y disfrázate con lo que tengas”. Hasta aparece un malvado robot hecho de cajas de cartón que se adelanta en diseño dos años al de otra joya psicotrónica anteriormente comentada aquí: Santa Claus conquista a los marcianos. El hada buena, por su parte, parece más bien una aparición mariana de esas a lo Pitita Ridruejo, con una varita de cuatro puntas (bengalas) encendidas continuamente. Dicha hada, por cierto, se limita a enviar a los niños a hacer su tabajo. Parece que una vez más se comete el error de confundir a los niños con retrasados mentales predispuestos a aceptar cualquier cosa que se les eche. Para una antología de lo bizarra supone la escena en la que nuestros protagonistas se enfrentan en una gruta a un dragón y al monstruo de Frankenstein (aquí Frankestino ) y que si causa pavor es por ver como los intérpretes se las apañan para evitar ser inflamados por ese descontrol de llamas que lanza un dragón digno de entrar en los anales del disparate.
¡Ah! Por si fuera poco, la película nos permite disfrutar de diversas canciones como las del “Coro de los monstruos” , “Seamos amigos” o “Nos tenemos que fugar”. Casi nada.

Que ustedes disfruten en paz y armonía este título perfecto para introducir a nuestros peques en ese vicio inconfesable de lo psicotrónico y bizarro.

La escena del Dragón

No puede perdérsela: El irredento amante de lo kitsch.
Abstenerse: Los diabéticos. Este título podría suponerle una carga adicional de insulina.
Compra: Ni idea.
Enlace Emule: caperucita y pulgarcito contra los monstruos - cutrefilms 251.avi

BLOODY DATE, CHAINSAW MAID, PUSSYCAT: Plastilina extrema

2009-12-13T19:38:00.032+01:00

Takena Nagao no creo que sea a esta alturas un nombre desconocido para cualquier sibarita del cine más extremo. Sus cortometrajes no son difíciles de encontrar ya que él mismo se dedica a colgarlos en la red . Aún así, como siempre podemos encontrar algún despistadillo por esta Casa de locos, dedicaremos una breve reseña a este autor japonés cuya totalidad de su trabajo está dedicado a la animación con plastilina.

Es este un laborioso método de trabajo a partir de muñecos realizados en plastilina y fotografiados a razón de 24 fotogramas por segundo técnica conocida por "stop-motion", (hay que ver, que los ingleses tienen nombre para todo) para de este modo provocarnos la sensación de movimiento. Que duda cabe que los pioneros y grandes creadores de esta técnica provinieron en un comienzo de los pacientes artistas del este de Europa, destacando sobre todos ellos el gran animador checo Jirí Trnka cuya filmografía está plagada de auténticas obras maestras (algún día tendremos que dedicarle un merecido artículo).

Ya en el cine de los últimos tiempos hemos tenido honrosos ejemplos como Pesadilla antes de Navidad (1993), James y el melocotón gigante (1996) ambas bajo el amparo de Tim Burton 0 Chicken Run: Evasión en la granja (2000), un jocoso "remake" de La gran evasión (1963), orquestada desde tierras británicas por los creadores de Wallace & Gromit. En España el realizador Pablo Llorens, es sin duda el máximo representante de esta técnica.

El joven Takena Nagao inicia su producción en 2004 y (como buen japonés que es) conduce su estilo hacia lo el extremo y cuando llega... da un paso más. Él mismo reconoce sus claras influencias: Romero, Raimi, Hooper y Tarantino. Ahí es nada. Nagao rompe con la visión humanista y contemplativa del mundo oriental y se deja globalizar por los excesos del cine de terror norteamericano. No contento con ello, mete en la cocktelera a unos cuantos paisanos suyos con gusto por lo bizarro, con Chan-wook Park y Takashi Miike a la cabeza, y el resultado (como no podía ser de otro modo) resulta no apto para sensibilidades delicadas.

El estilo de Nagao es minimalista; unos pocos decorados sencillos y con un toque naif e infantil que por mero contrate terminan por resultar todavía más terroríficos. Violencia extrema, el uso más granguiñolesco de la sangre y un fino apunte de sexo soterrado son otros de los ingredientes de sus pequeños (por duración) trabajos. A eso unimos la total ausencia de diálogos y un inteligente (y efectivo) uso de los sonidos y la música. El resultado, como digo, no deja indiferente.

Sus primeros trabajos reflejan que Nagao está perfeccionando su técnica. Son cortos mucho más toscos, reiterativos y a veces incluso confusos. Temáticamente también resultan mucho menos transgresores y en definitiva menos interesantes. De esta época pertenecen títulos como Battle of Clay 1 y 2, Bloody Night o Crazy Clay Wrestling

Pero estos cortos, como digo, sólo sirven de esbozo a lo que va a ser las constantes de su obra posterior, dejando paso inmediantamente a una siguiente etapa que es la que le ha dado a conocer entre los amantes del cine más extremo. Aquí ya encontramos los tres cortometrajes que a continuación os muestro aquí.

"Bloody date" (abril 2007) inagura esta segunda etapa más madura resultando un mini-remake de La matanza de Texas (1974) y esos "survival" tan de moda hoy día. Sin duda uno de los cortos más sordidos que he visto hasta la fecha. Duración: 5 minutos.

El segundo, "Chainsaw Maid", (dicembre 2007) tiene como clara referencia los zombies de Romero y nos narra la invasión de una casa por parte de estos hambrientos muertos vivientes. La rápida actuación de la doncella de la casa será determinante para poder repeler el ataque de estos zombies. Duración: 7 minutos

"Pussycat" (2008) nos presenta a una gata muy femenina (por no llamarla otra cosa) que se mete en problemas con su novio cerdo y el lobo feroz. Aquí Nagao mezcla el tradicional cuento infantil con elementos de la sexplotation y el gore más desenfadado. Para mi gusto es su mejor trabajo hasta la fecha y posiblemente el afianzamiento de un estilo definitivo, concluyendo este corto con un divertido guiño final al ánime nipón. Duración: 5 minutos.

Pero sobran los comentarios. Lo mejor es ponerse a verlos sin más dilación. Aproximadamente 15 minutos entre los tres donde váis a poder disfrutar de más cine extremo que las mayoría de producciones norteamericanas que nos venden como tal. Buen provecho.

BLOODY DATE

CHAINSAW MAID

PUSSYCAT

Paul Naschy (y II): el aullido del monstruo

2009-12-06T21:17:00.019+01:00

Continuando con el análisis de este, uno de los últimos mitos del cine fantástico. Intérprete, guionista, productor, realizador, su incansable trabajo dentro o fuera del género es extensísimo. Con todo, sorprende que apenas haya coincidido con alguno de los otros grandes nombres del fantástico: ni Jesús Franco, ni Amando de Ossorio, ni Eugenio Martín, ni Ibáñez Serrador. Sólo Juan Piquer Simón contó con él en una ocasión y la cosa no acabó demasiado bien. El propio Naschy lo relataba así en una entrevista publicada en el libro “Cine fantástico y de terror español (1900-1983)". En ella el entrevistador (J.A Molina Foix) le formula la siguiente pregunta:
¿No te ha vuelto a llamar Piquer después de Misterio en la Isla de los Monstruos (1981)?
“No. Además, no me tiene ninguna simpatía… Fíjate que de todos modos los que hicieron cine fantástico, ninguno me llamó jamás. Quizás fue para que no les hiciera sombra. Porque los directores que han trabajado conmigo se quejan a veces de que las película no son de ellos. Y tienen algo de razón”.

Genio y figura. Y sin embargo es verdad. Naschy tiene el honor de formar parte de ese club de actores que definen a la película que hace aunque no sea el responsable último del trabajo. Vamos a ver una película de Naschy del mismo modo que vemos una película de Bela Lugosi o "una de John Wayne".

Historial Clínico:
La siguiente selección no responde a ningún criterio especial salvo el de mantenerse más frescas en mi memoria por una u otra razón. No creo que sean forzosamente las mejores o las más significativas, y con todo, creo que cada uno de los siete títulos elegidos son excelentes muestras de lo que supone ver “una película de Naschy”. Comencemos.

El gran amor del conde Drácula (1972) de Javier Aguirre. Nunca terminó muy contento Naschy con el trabajo de este director en los dos títulos en que le dirigió, la que ahora nos ocupa y El jorobado de la Morgue (1973).
Dos de los más grandes intérpretes admirados por nuestro protagonista (Lugosi y Lee) se habían hecho famosos interpretando al conde transilvano. Naschy no podía ser menos y quiso interpretar a su Drácula particular. El Drácula de Naschy era (según palabras de su creador) "un vampiro romántico que acaba suicidándose por amor". De este modo traiciona la esencia del personaje (al fin y al cabo, la reencarnación del Mal) convirtiéndolo en un ser débil, vulnerable, casi afeminado que termina, en una secuencia final ridícula, clavándose él mismo la estaca. Naschy además, tiene un físico que está en las antípodas de lo que debe ser el estilizado Príncipe de las Tinieblas, y sus limitaciones interpretativas no ayudan precisamente a obviar esta cuestión. La película es una sucesión inconexa de escenas más bien aburridas, sin apenas progresión dramática ni continuidad en las emociones de los personajes y con una historia de amor de bolsilibro. Sin duda el peor Drácula de la historia del cine español aunque hay quien defiende este trabajo, movido más bien por sentimientos de cariño que por un reflexivo análisis cinematográfico.

Dr. Jekyll y el Hombre Lobo (1972) de Leon Klimovsky. Una película que cuenta con mi estima por varios motivos. La primera por la ingeniosa idea de unir a estos dos monstruos clásicos. La premisa es de lo más lógica: puesto que el Dr. Jekyll (Jack Taylor ¿para cuándo una reivindicación de este actor?) trabaja los problemas de la conducta humana, Waldemar acude a él para poder controlar la bestia que anida en su interior. También son destacables algunas secuencias como la magnífica escena en la que Waldemar, atrapado en un ascensor junto a una enfermera va notando en su interior el influjo de la luna llena. Una insulsa Shirley Corrigan interpreta a la heroina de turno aunque nosotros preferimos a la bella (y celosa) Mirta Miller. Y además está Naschy como Waldemar-Hombre lobo, y eso es harina de otro costal. Recomendable.

El Francotirador (1977) de Carlos Puerto. En este año Naschy realizará tres de sus trabajos más comprometidos apenas dos años después de la muerte de Franco y con los grupos de extrema derecha más revueltos que un avispero en el patio de un colegio. Interpreta a un etarra en Comando Txikia y se embarca en otro proyecto de Klimosvky, El transexual. Por si eso fuera poco, interpreta a un hombre empeñado en asesinar al Generalísimo para vengar la muerte de su pequeña hija, fallecida en accidente mientras pasaba la comitiva de Franco. Desgraciadamente ni Puerto ni Naschy son capaces de reflejar el dolor y el caos en la mente del protagonista más que a través de un ritmo excesivamente tristón, una dirección tacaña y una interpretación demasiado esforzada que malogra gran parte de las posibilidades de la historia. Aun así, por lo valiente de la propuesta y la gracia del juego de palabras del título ya merece un visionado. Tanto Naschy como su director recibieron amenazas de muerte de grupos ultra. Cómo ha cambiado la cosa. ¿O quizá no?

El caminante (1979) de Jacinto Molina. O como el bueno de Naschy se irá cepillando a toda buena señora que se encuentre por el camino (una campesina, una noble, una madre superiora de muy buen ver…) con la excusa de que es el mismísimo Diablo. Un film bastante entretenido que entronca con la tradición picaresca española narrando las aventuras de un desgraciado con pocos escrúpulos y su aún más desgraciado discípulo. El narcisismo de Naschy y un exceso de ambición en su argumento (la lección que nos quiere mostrar es que el hombre es todavía más terrible que el propio demonio) dan al traste con parte de las virtudes de esta película. Afortunadamente tenemos un buen ramillete de bellezas para compensar un film que fue clasificado en la época como “X”. La ridícula secuencia final nos muestra a las claras que el sentido de la mesura no se encuentra entre las virtudes de nuestro realizador. Pero bueno, se lo perdonamos porque al fin y al cabo nos ha hecho pasar un buen rato.

El carnaval de las bestias (1980) de Jacinto Molina. Una escena inicial rodada en el lago Hakone, a los pies del Fujiyama, y algún que otro intérprete oriental es la excusa que tiene Naschy para anunciar a bombo y platillo este film como “la primera co-producción hispano-japonesa". Un mercenario realiza un encargo para un grupo terrorista: el robo de unos diamantes. Una vez realizado el trabajito decide quedárselos para sí. Herido y perseguido por la organización para la que antes trabajaba (y en la que se encuentra su propia esposa) se refugia en un caserón donde vive un doctor con sus dos hermosas (y calientes) hijas y una criada negra. Pero dicha familia guarda un oscuro secreto. Una vez más, una brillante idea que no encuentra su ejecución más adecuada, no logrando ensamblar de manera correcta todos los múltiples elementos que ofrece. Aun así, Naschy logra crear un clima de amoralidad sórdida y un desenlace de lo más macabro. Las mujeres, una vez más, se nos muestran aquí como criaturas reprimidas de sexo y destinadas a recibir alguna que otra palmadita en el trasero y las más tórridas insinuaciones por parte de los machos ibéricos que pululan por el lugar, ejemplo perfecto del papel que a la mujer ha reservado siempre Jacinto Molina en sus argumentos. Silvia Aguilar vuelve a quitarnos el hipo mostrando la belleza de sus curvas como ya hiciera en El Caminante y además agradables presencias de actores como Luis Ciges, Rafa Hernández, Ricardo Palacios o Pepe Ruiz. Con todo, uno de los mejores títulos de Jacinto Molina, y una de las favoritas tanto de él como de nosotros ¿o no?

El aullido del diablo (1987) de Jacinto Molina. Tal como la definió su propio autor una liberación, una huida hacia delante de toda la marginalidad y ostracismo al que el actor había sido sometido por la industria en los últimos años. Un ejercicio de cinefilia rodada con escasísimos medios en una finca propiedad de Naschy donde este resucita todos sus viejos anhelos y se encarga de interpretar nada menos que a doce de los clásicos monstruos de la Universal. El argumento tiene más de un dato autobiográfico, jugando con la figura de Naschy de una manera similar (aunque mucho más modesta) a la que se hacía con Schwarzenegger en El último gran héroe . Un amargado actor en decadencia vive en su chalé en compañía de su sobrino (hijo de su hermano, que murió en extrañas circunstancias), la criada (una Caroline Munro todavía de lo más sugerente) y el mayordomo (Howard Vernon en un papel inicialmente pensado para Christopher Lee). El niño entretiene sus horas de soledad conversando con una serie de monstruos clásicos de terror y urdiendo una venganza contra su despótico tío. Completa el reparto el estupendo Fernando Hilbeck como un sacerdote obsesionado con la criada (Naschy siempre rizando el rizo) y Cris Huerta interpretando al esbirro del párroco. La televisiva realización de Molina no puede evitar que esta sugerente idea caiga en el peor de los ridículos probablemente porque el realizador está más concentrado en hacer un ejercicio de auto-reivindicación que de contarnos una película. A pesar de esto es todavía capaz de ofrecernos alguna escena de extraña belleza. El rodaje estuvo rodeado de múltiples vicisitudes y apenas se pudo terminar a trancas y barrancas. Howard Vernon es el único que parece cómodo en medio del desaguisado (estaba ya curtido ante tantos despropósitos del tío Jess) y el film se queda en eso, un pobre auto homenaje reservado para los nostálgicos e incondicionales fans de Naschy.

Licántropo: El asesino de la luna llena (1996) de Francisco R. Gordillo. A falta de que un servidor vea La Furia del Hombre Lobo (1972) y la que dirigió Fred Olen Ray en 2004, probablemente esta sea la peor aparición cinematográfica de Waldemar Daninsky. El Hombre-lobo en los tiempos de la globalización. Un Psycho Killer haciéndole la competencia durante la mayor parte del metraje. Ya no somos nadie. El Lobo, por comparación, convertido en un cachorrito. Las interpretaciones lamentables todas. Hasta Amparo Muñoz (mostrándonos los últimos rescoldos de su antaño espectacular belleza) parece por comparación buena actriz. Diálogos sonrojantes (¿de verdad los jóvenes hablan así?) y realización pobre, pobre. Naschy echa pestes sobre la cinta y con toda la razón del mundo, ya que se pasó, según sus propias palabras, discutiendo con el director durante todo el rodaje. A pesar de ello, cierto goticismo trasnochado y la aparición final de Daninsky-lobo (por fin) nos produce la sensación de no haber perdido el tiempo del todo. Pero Naschy-Waldemar se merecía algo más después de tantos años de espera. Una de las últimas interpretaciones de otro gran intérprete habitual en el fantástico: José María Caffarell.

Y hasta aquí el humilde estudio de esta Casa de locos hacia una de las figuras más grandes que ha dado el cine fantástico de los últimos tiempos, pieza capital en el desarrollo del fantaterror en nuestro país por más que les pese a sus detractores, que también son legión. Y es que cuando se trata de una personalidad tan vehemente, tan apasionada y entusiasta lo último que puede provocar entre los espectadores es la indiferencia.

Su mejor momento: Su apabullante aparición en el género con La marca del Hombre-lobo (1968) y su premio de interpretación en Paris por El jorobado de la Morgue . Como realizador El huerto del francés (1978) aunque, como ya digo, El carnaval de las bestias tiene su punto.

Su mayor desastre: No le sentó muy bien sendos guiños que Naschy hizo a la comedia con Madrid al desnudo (1979) y sobre todo Operación Mantis (1984), que terminó además por arruinar su productora y reservarle unos años de olvido. Cuantas veces debió escuchar en su mente eso de “zapatero a tus zapatos”.

Con motivo de su colección en DVD,

algunos de los mejores momentos de su cine

PAUL NASCHY: el aullido del monstruo (I)

2009-12-02T01:31:00.027+01:00

N.d.R: Casualidades de la vida (y de la muerte). El anuncio del deceso de Naschy me sorprendió terminando de redactar estas líneas para su posterior publicación. La sorpresa fue mayúscula. Sabía de su dolencia pero no creí que su final fuese tan repentino. Mi primera intención fue la de revisar este texto pensando que había sido muy duro con él. Enseguida me contuve. Naschy no se merecía que ahora, por razón de su muerte, fuera tratado con condescendencia. Acostumbrado como estaba al ostracismo y al desprecio, habría encajado las críticas con deportividad. Así que lo dejé como estaba, con sus virtudes y sus defectos. En mi trato con él (muy superficial, eso sí) me dió la sensación de ser un hombre vanidoso (¿que artista no lo es?), presumido (que no presuntuoso), educado y extremadamente culto. Pero ante todo, y eso sí, en las dos conversaciones que pude mantener con él pudo quedarme muy clara una cosa: su absoluta pasión por la vida y por su trabajo. Sirvan estas lineas para mostrar mi más profundo respeto a un loco como pocos a dado (y dará) el cine fantástico español.

Uno de los tantos daños colaterales que sobre la cultura ejerció la feroz dictadura del General Franco fue una casi inexistencia del género fantástico en la producción cinematográfica de nuestro país. Apenas unas pocas excepciones entre las que destacan joyas como La torre de los siete jorobados (Edgar Neville, 1944), El cebo (Ladislao Vajda, 1958) o Gritos en la noche (Jesús Franco, 1962) que no pueden, en todo caso, constituir una tradición del género en España. En los últimos estertores de dicha dictadura La marca del Hombre-lobo (1968) daba el pistoletazo de salida a una vorágine de infinitos títulos a lo largo principalmente de la década de los 70, como si los realizadores quisieran recuperar el tiempo perdido. Pero tal saturación de títulos, unido a los por lo general paupérrimos presupuestos con que contaban, era incompatible con un mínimo de rigor y calidad en los mismos. A esto uniríamos la desgracia de no emerger aquí una figura del talento de Terence Fisher en el fantástico británico o Mario Bava en el italiano. Y aunque hubo gente con indudable talento o al menos buen oficio (Ibañez Serrador, Jorge Grau, Eugenio Martín…) ninguno de estos se acercaba, ni de lejos, a los anteriormente mencionados Fisher y Bava, sin duda los dos grandes genios que ha dado el fantástico europeo.
De entre la proliferación de realizadores de la época, uno de ellos destaca sobre manera, no tanto por la calidad de sus trabajos como por el atrevimiento, amor al género y entusiasmo que destilaba todo lo que tocaba. Evidentemente me estoy refiriendo al productor, guionista, realizador y actor Jacinto Molina, más conocido por sus fans como Paul Naschy.
Dada la importancia de su trayectoria en el fantástico nacional, considero necesario dividir su “análisis clínico” en dos partes. Esta primera donde repasaremos sus datos biográficos y los “síntomas” de su cine y una segunda entrega donde se tratará someramente su amplio historial clínico, analizando algunos de sus más destacados trabajos fílmicos.

Datos biográficos:
Jacinto (Madrid, 1934), como cualquier niño de su edad, tiene como principales aficiones la asistencia a los programas dobles de su cine de barrio y la lectura compulsiva de cómics. Todo esto derivó en una juventud de lo más polifacética que le empuja a escribir y publicar (bajo el seudónimo de David Mills) algunas novelillas del oeste, crear algún efímero personaje de cómic (Snake Blake) y dedicarse a la pintura y el dibujo. De este modo llega a ilustrar incluso algún que otro album de los mismísimos The Beatles. De aquella época también habría que destacar sus estudios de Ciencias exactas en Zaragoza y de Arquitectura en Barcelona aunque sin duda el dato que más ha trascendido sus varios títulos nacionales de Halterofilia, deporte que no tiene más remedio que abandonar debido a un temprano infarto.
Sin embargo lo que pierde el mundo del deporte lo gana el del séptimo arte. Su primera aparición cinematográfica en El príncipe encadenado (Luís Lucía, 1960) a los que seguirían Rey de Reyes (1961), 55 días en Pekín (1963), El último gladiador (1964)… Siempre representando, debido a su físico, a tipos de lo más fornidos. Hasta que llega, como ya he dicho, su primera colaboración con el fantástico precisamente en la citada La marca del Hombre-lobo con argumento y guión del propio Jacinto Molina que por una serie de carambolas termina por protagonizar él mismo. Es entonces cuando, para su promoción en el mercado internacional (siempre reacio a los apellidos latinos) se ve obligado a tomar como seudónimo el nombre de un histórico levantador de pesas húngaro: Paul Naschy. El resto es historia viva del género fantástico español.

Síntomas del paciente:
Ante todo una exacerbada cinefilia. Un amor incondicional a los mitos clásicos del terror que tanto contribuyó a popularizar la productora Universal: Drácula, Frankenstein, Quasimodo, El Fantasma de la ópera, La Momia y por encima de todos ellos, el Hombre Lobo. Ese cariño le ha empujado a realizar una y otra vez pocos sutiles homenajes a sus personajes favoritos en cintas de baja estofa perjudicadas bien por unos guiones más bien simplones del propio Naschy, bien por unos realizadores torpes, bien por unos casi inexistentes presupuestos. El caso es que las siempre estimulantes propuestas de este todoterreno no han encontrado casi nunca una ejecución adecuada, lo cual no fue obstáculo alguno para encontrar pronto el incondicional apoyo de un público ávido de emociones fuertes. Un hombre renacentista como Naschy no podía detenerse en el guión y la interpretación y pronto terminará dirigiendo sus propios guiones. Y en honor a la verdad hay que decir que fue el que supo sacar mejores resultados de los mismos. Nadie como él puede presumir de haber interpretado a todos estos monstruos: El Hombre-lobo (en toda la saga de Waldemar Daninsky), el jorobado, La Momia, el conde Drácula, Jack el destripador, Mr. Hyde, etc… y los que le faltaban ya se encargó él mismo de introducirlos en El aullido del Diablo (1988), la más biográfica de sus películas donde interpreta a un mediocre actor venido a menos al mismo tiempo que un rosario de monstruos surgidos de la imaginación de un niño, desde el monstruo de Frankenstein hasta el mismísimo Fu-Manchú.

Pero ¡ay!, junto a este amor por los clásicos, otro elemento representativo del cine de Naschy es su profundo narcicismo, que le empuja una y otra vez a representar a los galanes de la función a pesar de que su rudo físico parezca más bien el de un pelotari vasco. Ese narcicismo llega a cotas de esta casa de locos en El Caminante (1979) donde Naschy, con la excusa de interpretar al mismísimo diablo, se cepillará a todo un plantel de jamonas damiselas a cada cual en una secuencia más tórrida y explícita que la anterior. A eso debemos unir su vanidad de artista que nunca ha dudado en propugnar a los cuatro vientos la injusticia que se ha hecho con él en este país y la importancia de su contribución al cine. Declaraciones estas que en un mundo de ególatras que se muerden la lengua, como es esto del cine, no podían sentar demasiado bien.
La misoginia que destila sus films tampoco ha ayudado demasiado a una reivindicación actual de su obra. Una misoginia más espontánea que estudiada, todo hay que decirlo, dónde la mujer aparece siempre como elemento perturbador para el hombre, fruto del deseo de este y, por tanto origen de sus males.

En cuanto a la escritura cinematográfica de Jacinto Molina (así firma siempre sus realizaciones) se la puede calificar de plana, bastante tosca, de molesto aspecto televisivo y con una puesta en escena torpe y carente de imaginación. El abusivo uso del zoom aparece aquí, más que como recurso expresivo a la manera de Jesús franco, como síntoma de los escasos argumentos con que cuenta Molina como realizador. Es como si todo el ingenio de Naschy acabará sobre el papel del guión. Su sutileza a la hora de dirigir actores brilla también por su ausencia, como no podía ser menos de un actor de tan limitado registro, y su tendencia a la ñoñería es a veces bastante indigesta, en especial cuando se trata de niños o animales. Vease a este respecto Mi amigo el vagabundo (1984) como ejemplo.
Con todo, como digo, el Naschy director ha sabido sacarle más rendimiento a sus argumentos que el grueso de los directores que se han puesto a filmar algunas de sus historias, lo cual no habla demasiado bien de Aured y Klimovsky que digamos, los dos directores más recurrentes en su filmografía. Incluso uno de los grandes de la Hammer como es John Gilling , filmó su peor trabajo con un guión de Naschy: La cruz del Diablo, no obstante, a mi parecer, de agradable visionado.

Y es que Naschy, y eso hay que reconocérselo, nunca a puesto límites a su imaginación: realizó la primera co-producción hispano japonesa, unió el cine de samurais a la saga del Hombre-lobo, tuvo los bemoles de rodar una cinta sobre un supuesto atentado a Franco estando este aún caliente en la sepultura, rodó el único peplum dedicado al pueblo de los cántabros o mezcló el mayor número de monstruos posible en una misma cinta sin apenas tener un duro. Todo esto le acarreó más de un problema económico, un triple by-pass, amén de diversas amenazas personales. Todo sea por amor a ese cine que ama tanto y que le ha tratado hasta la fecha con una suerte tan desigual.

Postdata: Naschy ha fallecido así, de repente. Tenía la cabeza llena de proyectos, alguno incluso con su viejo amigo Christoper Lee. Iba a estrenar próximamente dos nuevos títulos (La herencia Váldemar y El apóstol) , su biografía recién salida a las librerías… Pero una última bala de plata con el nombre cáncer grabado a fuego, sesgó el último aullido del genuino hombre lobo europeo. A modo de modesto homenaje os propongo esta breve entrevista (apenas 5 minutos), una de las últimas donde, una vez más, podremos vislumbrar esa pasión hacia el cine de terror que siempre le caracterizó. Un servidor además, tendrá un sentido recuerdo para él, cada vez que en el firmamento brille una nueva luna llena.

Con ustedes Naschy en estado puro