Directores y actores negados, argumentos sin sentido, presupuestos ínfimos, efectos especiales ridículos... Atrévete a recorrer los rincones más demenciales y raros del mundo del cine.
Director:Kunt Tulgar. Intérpretes:Tayfun Demir (Süpermen / Tayfun Kent), Güngör Bayrak, Esref Kolçak, Yildirim Gencer, Nejat Özbek, Reha Yurdakul, Seref Pekseker, Turgut Özatay, Kadir Kök. Síntomas: Tayfun Kent descubre a través de los que creía sus padres, que en realidad es un ser rescatado de una galaxia lejana y que en contacto con la atmósfera terrestre adquiere múltiples superpoderes. Sólo tiene una debilidad y es su alergia a la kryptonita. Por eso una banda de malvados querrá hacerse con el mayor acopio posible de este mineral para así poder controlar al Superhombre.
Diagnóstico: Desde los años 50 y hasta finales de los 80, la filmografía turca se caracterizó por saquear argumentos e ideas de grandes éxitos internacionales (por lo general norteamericanos, claro) adecuándolos al gusto del país y con unos presupuestos paupérrimos. Así, películas como “El Mago de Oz”, “Star Treck”, “El Exorcista”, “El Jovencito Frankenstein”, “Drácula”, Star Wars”, “Conan, el bárbaro” y un largo etc, tienen su versión turca, generalmente todas ellas merecedoras de un rinconcito en este blog.
El Superman turco (la nariz es suya)
En 1978, por su parte, Richard Donner logró sorprender a todos con la versión que todos conocemos del que quizá sea el superhéroe más famoso de todos los tiempos. Los turcos no perdieron tiempo y se dispusieron a hacer su versión ¡subvencionada por el Ministerio de turismo de Turquía! Como curiosidad, decir que la titularon “Süpermen Dönüyor”, que significa en inglés “Superman Returns”, justo como ha sido titulada la última versión del personaje, dirigida por Brian Synger. Pero vamos, ahí acaban las coincidencias. Generalmente reconocida como la más burda, ridícula y cutre versión que se ha dado del hombre de acero. Yo personalmente creo que se quedan cortos estos apelativos aunque la versión india tiene telita también. El visionado de Süpermen Dönüyor es el equivalente a una mala ensoñación provocada por unos “Kebabs” en mal estado. La pobreza de medios se hace evidente en el film desde el primer momento. Así, en un prólogo donde se nos introduce la historia del personaje, vemos el universo con sus planetas y estrellas que no son sino ¡adornos navideños sobre un fondo negro!
Inmediatamente se nos muestra el apacible hogar de nuestro Clark Kent turco que descubre (revelado por sus padres terrestres) que en realidad es un extraterrestre con poderes. Al darle sus padres un pisapapeles de cristal verde que encontraron junto al niño, este le guiará a una cueva donde lo arrojará (el pisapapeles) para que explote y así aparecer su verdadero padre, Jor-El, que le dará ciertas instrucciones y ese traje tan característico. Estamos lejos del glamour de Hollywood y aquí su padre adoptivo lejos de tener el aspecto de Glenn Ford parece más bien un cabrero Albanés, mientras que Jor-El no sólo no se parece en nada a Marlon Brando, sino que además le faltan varios dientes (probablemente a causa de la explosión de su planeta). En cuanto al traje, decir que aquí parece más que nunca un pijama con los calzoncillos por fuera, cremalleras en las mangas y unos calcetines rojos por botas. En cuanto al actor que encarna a Kent-Superman, bueno, es verdad que se preocupan de encontrar a alguien alto y con ojos azules; pero el chico no está precisamente musculado y da un aspecto de desgarbado cuando lleva el pijama puesto. En cuanto a sus gafas cuando interpreta a Clark Kent, parecen de estas que venden en las tiendas de artículos de broma, pero a la que se le ha quitado la nariz postiza, que para napia la que gasta el propio actor. Ver para creer.
¿Superman o Mortadelo con uno de sus disfraces?
A todo esto he de decir que la película saquea sin miramiento la mítica banda sonora de John Williams, ¡y hasta la de James Bond! Digo saquea porque, evidentemente, no disponían de los derechos de autor de la misma. Es más, dudo que dispusieran del dinero suficiente para pedir una conferencia con USA y pedir los derechos. De todos modos, el hecho de utilizar la música, lejos de dar empaque a la obra todavía la hace más ridícula ante la extrema cutrez de lo que vamos presenciando durante el metraje. Y llegamos al apartado de los d-efectos especiales. Aquí es donde la pobreza se deja ver en toda su (lamentable) dimensión. Los poderes de Superman son acompañados siempre por un molesto zumbido porque si no es imposible enterarnos de que los está usando. Se añaden nuevos poderes muy útiles como el de escribir a máquina con la mente (no sé como Christopher Reeve pudo pasar sin él) e incluso los turcos se permiten algún gag picante como cuando Kent ve a una compañera de trabajo en la redacción con sus poderes de rayos x en paños menores. ¡Que picaros estos turcos!
Que malandrín, este Superman
En cuanto su poder de volar, aquí es sustituido ¡por el poder de convertirse en un madelman que vuela! Jajajaj... Y es que es tan evidente el muñequito tieso sobre impresionado en un fondo, que mejor hubiera quedado que hubiese ido este Supermen en autobús a todos los sitios. Por su parte, los fondos superpuestos son de pésima calidad y debieron ser cedidos por dicho Ministerio de Turismo puesto que se limitan a tres o cuatro paisajes típicos de Turquía.
Como aspecto positivo mencionar, eso sí, que aquí la Louis Lane es más guapa que la americana (eso no era difícil de conseguir) y que su duración es de apenas una hora y diez minutos, cosa que, para que engañarnos, se agradece mucho. A estas alturas se me ha olvidado hablar de la trama de la película pero… ¿de verdad hace falta? Además esta es tan tontorrona y confusa que tampoco tiene más importancia. Hasta hace muy poco era imposible disfrutar (es un decir) de esta película más que en turco a palo seco. Pero gracias a Yulifero existe una versión subtitulada donde se ha permitido el traductor unas licencias jocosas para conseguir un visionado menos traumático.
Momentos estelares del Superman Turco
No puede perdérsela: Quien se quiera echar unas risas con los amigos. Abstenerse: El resto. Con que vean el video de arriba ya van a tener bastante. IMDB:Ficha de la ¿película? Como verla: Exclusivamente vía emule, gracias a una copia en V.O con subtítulos en castellano incrustados. E-link:Super Zangolotino Anatolio - Vose - Cutrefilms 075.avi
Síntomas: Un joven extraterrestre llega por equivocación a La Tierra. Allí tres niños faltos de atención lo encontrarán y esconderán de los adultos. El pequeño ser tiene poderes especiales pero unos malvados descubrirán su existencia y perseguirán al extraterrestre para hacerse con él.
Diagnóstico: Bueno, pues para alejarnos del mal rollo de la película de Pasolini, nada mejor que una aventura para toda la familia. No, no me he equivocado. No es el argumento de "E.T, el extraterrestre", la super taquillera cinta de Spielberg. Pero el argumento es clavadito ¿eh? Y no acaban ahí las coincidencias. De hecho estamos ante un claro antecedente de la famosa película. Una cinta hasta hace muy poco desconocida pero que debía gustar y mucho a los responsables de E.T. Y es que hace 26 años (como pasa el tiempo) poco podía sospechar Spielberg que una cosa llamada internet podría dar a conocer esta olvidada cinta inglesa y que todos podríamos comprobar el parecido más que razonable que tiene con aquel mega éxito. La película es una auténtica rareza del cine familiar. No es que sea una gran cinta (que no lo es) pero tiene su encanto y bastantes alicientes que pueden animar a su visionado.
Parecidos... ¿razonables?
En primer lugar, porque se trata de una película familiar con alto mensaje pedagógico. Esto se hace evidente en la exagerada honestidad de los niños. Un ejemplo: el pequeño extraterrestre (al que los niños bautizan como "Meba"), tras escuchar una conversación de los niños, decide volar hasta una pastelería y traer una enorme cantidad de dulces. Los muchachos, tras comenzar a devorarlos con avidez caen en la cuenta que Meba, ignorante del concepto de moral que tenemos los humanos, en realidad ha cometido un robo, con lo cual le obligan a devolverlos y además ¡a pagar los pasteles que ya se han comido! Vamos, como los niños de hoy en día (y sus padres).
El planeta de los espermatozoides
Es curioso que incluso hay un claro mensaje anti xenófobo en la película. Así,el muchacho del grupo (el más snob de los tres) parece tener ciertos prejuicios con una de las chicas por ser "extranjera" (sudamericana para más inri) aunque al final de la aventura termina eliminando esas reticencias y sintiendo una verdadera amistad hacia sus compañeras femeninas. Las actores no están nada mal. Asombra en ocasiones la naturalidad de los niños, hartos como estamos de niños repelentes en el cine. En cuanto a los efectos especiales, bueno, dejan en evidencia el poco presupuesto de la cinta pero también tienen su encanto, con ese platillo volante en que se transforma Meba y que no es más que un dibujo animado sobreimpresionado en imagen real. Mención aparte merece la bellísima escena en la que Meba cuenta su origen venusino; una escena que sorprende por su imaginación y sentido plástico de las imágenes.
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbHuyendo con Meba "amortajado"
La trama es sumamente entretenida, en especial la parte final de la película que no es sino una continua carrera donde los maleantes persiguen a los niños que han rescatado a E.T (perdón, a Meba) envuelto ¡en una sábana!. En definitiva, una pequeña película (ni siquiera llega a la hora de duración) simpática y muy curiosa, sobre todo para aquellos que creíamos que E.T nació en el año 1982. Por cierto, como último dato, comentar que el productor (y autor del argumento) es Frank Wells, nada más y nada menos que el hijo del mítico escritor H.G. Wells cuyo "La Guerra de los mundos" también versionó recientemente Steven Spielberg. Que pequeño es el universo.
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbMeba y los niñosde San Ildefonso
Síntomas: La acción transcurre en un castillo del Norte de Italia, a orillas del lago Di Garda, durante la efímera República de Saló, que señaló el fin del régimen fascista de Benito Mussolini. Allí cuatro representantes de los poderes (patriarcales), iglesia, política, justicia y finanzas, se dedican a vejar y a torturar salvajemente a un grupo de adolescentes masculinos y femeninos para liberar la pulsión homicida de su aberrante voluntad de poder. Un monumental catálogo de perversiones sexuales, que incluye la coprofagia, el incesto y toda clase de penetraciones varias, acompañado de un notable surtido de torturas como la castración, la extracción de ojos, en definitiva, las mutilaciones más dolorosas y brutales. Ver para creer. Diagnóstico: Probablemente la película más brutal y difícil de ver de todos las que vaya a presentar en este blog. Una patada directa al estómago que deja varios días en la retina del espectador imágenes difíciles de olvidar. A pesar de ello, “Saló” está lejos de ser una mera explotación que juegue con el morbo del que se acerque a esta película algo despistado. Crítica despiadada al fascismo pero también a la situación política de la Italia de la época, la Italia de los Años de Plomo, donde el terrorismo, la inseguridad y la corrupción institucional hacían estragos. Pasolini se atrevió a denunciar con esta película y sin tapujos a todos ellos. Pago caro su locura; un comunista homosexual e (para colmo) intelectual, no tenía cabida en aquella Italia (y dudo que en la actual de Berlusconi). No llegó a ver estrenada su obra: murió apaleado en extrañas circunstancias nunca suficientemente aclaradas en un barrio de la periferia de Roma.
Para una crítica tan brutal, Pasolini se sirvió de la novela de Sade “Las 120 Jornadas de Sodoma” que, curiosamente, se trata también de su novela más provocativa y la que tuvo que padecer un ostracismo crítico más duradero. Donatien-Alphonse François (1740-1814), más conocido como Marqués de Sade ha generado tanta o más literatura que la que él mismo escribió. Es cierto que su imaginación dio relatos más que crudos (“Justine”, “Juliette”, “La Filosofía del tocador”, etc…) pero no lo es menos que dicho Marqués distó mucho de la personalidad “sádica” que todos parecen atribuirle. Para muestra un botón: liberado tras la revolución francesa, a pesar de su condición de noble, fue tomado como un héroe izquierdista (si en aquella época tenía sentido el término) al ser hallado en la Bastilla. Inmediatamente, se le asignó un puesto como Juez para poder guillotinar libremente a quien se le antojara. A los pocos meses fue destituido: no había condenado a ninguno de los acusados que se les presentaba. Y ello a pesar de que presentaron ante él a su propia suegra, la que precisamente había logrado que lo encerraran en la famosa cárcel por sus continuas infidelidades y humillaciones a los que había sometido a su esposa. A Pasolini también se le acusaba de ser un vicioso y un depravado. Evidentemente, su condición de homosexual en la Italia de los 70 no ayudaba a su causa. Quien no conozca su figura y obra (grandísimo poeta, dramaturgo y cineasta) y su primer acercamiento sea esta película va a tener ese concepto de él. Nada mas lejos de la realidad. Lejos de ello, era un hombre refinado, culto y bien concienciado con las causas sociales.
Saló o los 120 días de Sodoma es un fílm límite. Pasolini, realizador proclive a desdeñar la técnica cinematográfica en aras de un mayor acercamiento a lo poético, emplea en su última película una mirada geométrica sobre el espacio del infierno. Su dirección es fría, con planos secuencia durísimos, por lo general lejanos, haciendo que los actores permanezcan inmóviles a excepción del foco de atención de la narración. Pasolini no tiene compasión, no deja respiro al espectador, no hay nada a lo que se pueda amarrar este ante tanto horror. Desmembramientos, sodomizaciones, quema de genitales, descabellamientos en directo, todo supera nuestra imaginación. A mí, personalmente, se me hacen especialmente duras las escenas de coprofagia, de un realismo difícil de soportar. Por momentos crees estar viendo una película snuff, tal es la perfección técnica de las atrocidades aquí mostradas. El hecho de que utilice a actores desconocidos casi en su totalidad hace más real aun si cabe el relato. Pasolini logra su objetivo.
Cuando vi por primera vez este fílm yo era todavía un pardillo con granos de acné en la cara. Había oído hablar de la peli y me disponía a verla pensando ingénuamente “no puede ser tan fuerte”. No logré acabarla. En mi bisoñez cinéfila, me sentí ultrajado, violentado ante los abusos que continuamente sufrían las inocentes víctimas de la película. Años después por fin pude terminar de ver una copia íntegra y entonces comprendí lo que Pasolini quería: A través de un brutal realismo, unas imágenes de extraña y morbosa belleza y una puesta en escena falsamente naturalista, el autor de "Las mil y una noches" y "Edipo Rey" nos obliga a adoptar el punto de vista del libertino que se deleita con el sufrimiento ajeno de unas víctimas pasivas que en ningún momento se rebelan. Un estilo seco, descarnado, no permite la indiferencia del espectador, que se ve abocado a participar de un repugnante festival de sexo y muerte. Lo realmente triste, lo que verdaderamente coloca esta película en los rincones más demenciales de la historia del cine, es que aun vista hoy día (ya acostumbradas nuestras retinas a imágenes mucho más brutales servidas en televisión) todavía su discurso nos acompañará durante varios días porque su vigencia no ha envejecido lo más mínimo. Por ello, retirero, la película continua siendo un claro ejemplo del horror en el sentido amplio de la palabra.
Trailer de la película
No puede perdérsela: Los que de verdad quieran ver un discurso potente.
Astenerse: Los que odien el cine socialmente comprometido (y los de sensibilidad delicada).
Bueno, a la espera de que coloque aquí alguna que otra película "fuera de lo común", vamos ahora con todo un clasicazo de la animación. Un film producido en 1969 y que se ha convertido con el paso de los años en una auténtica pieza de culto.
Síntomas y Diagnóstico: El animador Marv Newland se detuvo a pensar, allá por finales de aquellos psicodélicos años 60: "¿Sí tuviera que escoger a los dos personajes de ficción más opuestos de la historia del cine para juntarlos en una misma película?" Y tras mucho cavilar llegó a la conclusión que Bambi y Godzilla se encontraban uno en las antípodas del otro (es que por aquel entonces todavía no había amanecido Heidi, que si no). El resultado de juntar en una misma película a estos dos personajes: Pues una historia de lo más bucólica y, al mismo tiempo, de gran fuerza. Bella y bizarra a la vez. Sencilla pero espectacular. Por fin. Lo estábamos esperando los amantes de lo imposible: Bambi, el joven cervatillo salido de la factoría Disney se enfrenta a la aterradora criatura emergida de los miedos atómicos de los Japos. ¡Imposible perdérsela! ¡Ah! Por si alguien todavía se lo está pensando: La película dura minuto y medio. Espero que vuestros corazones puedan soportar tal intensidad.
Película completa
IMDB:FICHA E-link: No hay problema para encontra varios enlaces en el emule.
Síntomas: Erase una vez, que a un idílico pueblecito donde los corderitos (niños) jugaban en el campo a sus anchas, llega un malvado lobo (el predicador Harry Powell). Allí se fijará en dos de los corderitos más jugosos. Ante la ingenuidad y pasividad de la madre de los corderitos, estos se ven obligados a huir por el bosque, perseguidos de cerca por el hambriento lobo. Exhaustos, llegan a una pequeña cabaña donde vive una amable ancianita. Juntos tendrán que hacer frente a la llegada del feroz depredador.
Diagnóstico: Señoras; señores. Descúbranse las cabezas. Una reverencia, por favor. Estamos ante una de las obras más mágicas que ha dado este, ya de por sí, mágico arte llamado cine. Pero, ¿qué hace una obra así en un blog como este? Aaahh, queridos amigos. La locura y la genialidad ¿no se dan tantas veces de la mano? Y esta obra es única. Absolutamente distinta a todo lo que se había hecho antes y radicalmente diferente a todo lo que se ha rodado después, por más que le hayan salido imitadores hasta la saciedad. Si esta película está aquí es porque todos y cada uno de sus elementos parecen distintos a cualquier otra película. Porque cada imagen, cada plano que lo conforman desprende un halo especial que la distingue de cualquier otro film ¿Cómo se logró ese milagro? No lo sé. Es un secreto que su creador se llevó a la tumba. Sólo podemos recrearnos en ese misterio.
El Lobo acecha fuera de la casita
No es esta más que una revisitación (como he dejado patente en el argumento) de los cuentos de los Hermanos Grimm. Esos cuentos que nos querían hacer pasar como infantiles y que en realidad no eran sino cuentos de horror disfrazados. Laughton, aquí, desenmascara el tradicional cuento y lo muestra en toda su crudeza. Resultado: una de las películas más desasosegantes que se puedan imaginar. Los personajes del relato son, por supuesto, los habituales en un cuento infantil: EL LOBO(Predicador Harry Powell) Interpretado por el gran Robert Mitchum. Que este actor nos ha dado grandes recreaciones es cosa sabida. No hay más que recordar al violento Max Cady en la primera versión de “El Cabo del Terror”, al sheriff borracho de “Eldorado”, o su memorable interpretación en “Yakuza”, la mejor película sobre la mafia japonesa que ha parido el cine yanqui. Decir entonces que en esta película logra su mayor interpretación es mucho decir; y aun así es completamente cierto. Y pocos habrán que se atrevan a contradecirlo. Mitchum logra, bajo la atenta dirección de Laughton, uno de los villanos más espeluznantes de la historia: sádico, cruel, misógino exacerbado y paciente como todo buen lobo que espera un descuido de su víctima para atacar. Esa canción que tararea constantemente en la película o el desgarrador aullido que lanza cuando es herido por la escopeta de la abuelita sigue poniendo los pelos de punta. Y esas manos con las palabras “AMOR” y “ODIO” tatuadas en sus nudillos se han convertido ya en un icono del cine. Pocos recuerdan, por cierto, que Mitchum repetiría ese personaje en la película “El Poker de la Muerte”, aquí ya mucho menos terrorífico aunque igualmente sibilino.
LA MADRE La progenitora de este relato está lejos de ser una madre protectora. No es que no quiera a sus hijos. Es sólo que está demasiado “hipnotizada” por ese encantador lobo como para ver la realidad. Siempre prevalece en su relato su deber como esposa y como cristiana (que gran moraleja contra la beatería religiosa) antes que prestar atención al peligro que rodea a sus vástagos y a ella misma. Este personaje está interpretado por la grandísima (en ambos sentidos) actriz Shelley Winters, la Emma Penella del cine USA. De mirada dulce y serena belleza en su juventud, pronto empezó a engordar notablemente. Afortunadamente, el cine no fue ajeno a su talento (cuantas estrellas hollywoodenses deben rendirse al dios “botox” para seguir en la brecha) y a pesar de su evidente sobrepeso, pudo seguir deleitándonos con grandes interpretaciones hasta el fin de sus días en 2006. Aparte de este papel, la recordamos por ser la mamá de “Lolita” en versión Kubrick o esa anciana oronda que entorpecía la marcha de los supervivientes del Poseidón (“La aventura del Poseidón”, 1972) y que, por una genialidad el guión, se convierte en salvadora de todo el grupo. Por este papel fue nominada precisamente al óscar como actriz secundaria. Yo, naturalmente, le tengo especial cariño por ser además la desagradable portera del inmueble donde habita “El Quimérico Inquilino” (Roman Polansky, 1976).
LA ABUELITA ¿Qué sería de Caperucita roja sin esa abuelita amorosa que vive en el bosque? Aquí la abuelita es de todo menos tonta y no se va a dejar devorar por el lobo tan fácilmente. No tiene ningún parentesco con los corderitos y el encuentro con ellos es fortuito pero va a saber suplir la atención y el cariño que la madre natural de ambos no ha sabido darles. Cuando el reverendo Powell aparece por la cabaña disfrazado de papá cordero, va a saber mirar por debajo de esa falsa piel y no dudará en plantarle cara. El enfrentamiento final de ambos dura apenas un minuto pero es uno de los momentos más impresionantes de todo el cine de terror. La abuelita sólo podía estar interpretada por una mujer: Lilian Gish, una auténtica pionera del séptimo arte. Fue la bella protagonista de las grandes epopeyas del cine mudo (“Intolerancia”, “El Nacimiento de una nación”, “Las dos huerfanitas”…) y siguió paseando su arte hasta su muerte ¡a los 99 años! Su última película fue “Las Ballenas de Agosto”, cuando ya contaba con 94 años. De hecho, es la actriz con la carrera cinematográfica más larga de la historia hasta el momento, 75 años. Siempre dijo de su oficio: "El matrimonio es un negocio. Yo elegí el negocio del cine antes que el del matrimonio". Vamos, lo que se dice una abuelita de armas tomar y, desde luego, una mujer adelantada a su tiempo.
EL LEÑADOR Otro fijo de los cuentos de horror. Aquí en realidad un pescador retirado. Un viejo borrachín que les va a servir a los niños de poca más ayuda que la madre. Es uno de los primeros que intuye que algo amenaza la casa de nuestros corderitos y ofrece su ayuda. Desgraciadamente, como también sucede en la mayoría de los cuentos, nunca está disponible cuando se le necesita. Pero se lo perdonamos porque en el fondo no es más que un pobre diablo que tampoco nos hubiera servido de mucho ante este peligroso depredador. Viene interpretado por James Gleason, guionista y actor secundario de tantas gloriosas películas de los 40 como “Juan Nadie”, “Arsénico por compasión” o “El difunto protesta”.
LOS CORDERITOS Billy Chapin y Sally Jane Bruce encarnan a la presa predilecta de este lobo. Y son los escogidos porque comparten ambos un gran secreto: dónde se esconden los 10.000 dólares fruto de un antiguo atraco. Sí, los lobos ya no son lo que eran y se rinden al mundo capitalista. Estos dos jóvenes intérpretes cumplen perfectamente su cometido, en especial el niño que asume el papel de padre protector de su hermana ante la carencia de verdadero progenitor. Todavía enternece la escena en que vigila la cabaña de la abuelita por la noche, consciente de que, tarde o temprano, el lobo los encontrará. Chapin aún tuvo una corta carrera en televisión. Sin embargo Sally realizó aquí su segunda y última interpretación para el cine.
La abuelita protege a sus cachorros
Todos estos actores, como digo, están perfectos. Como si les hubiera tocado la misma mágica varita que parece haber rodeado a todo el film. Nunca se ha visto un blanco y negro tan denso, corpóreo, tétrico, fruto de la maestría del operador Stanley Cortez, que ya había fotografiado otras extrañas joyas como “El Cuarto Mandamiento” de Orson Welles o “Secreto tras la puerta” de Fritz Lang. Curiosamente , su último trabajo sería en el remake de “La Noche del cazador”. En realidad un telefilm rodado en 1991 para aquellos que ver una historia en blanco y negro les provoca salpullidos y que desde luego no recomiendo en absoluto. La película está repleta de momentos gloriosos que no enumeraré para no desvelar aspectos esenciales. La puesta en escena remite a los clásicos expresionistas y nos da la pista dela sólida formación teatral de Sir Charles Laughton: esos decorados mostrándonos tan claramente la “cuarta pared” (visión del espectador). Pero lo verdaderamente demencial de esta obra; lo que la hace verdaderamente merecedora de figurar en esta CASA DE LOCOS es que su creador , ¡sólo rodó esta película! Parece como si todo ese gran talento que dosificó a lo largo de todas esas estupendas interpretaciones que nos regaló, decidiera sin embargo, condensarlo como director en una sola película. El resultado: “LA NOCHE DEL CAZADOR”.
No voy a seguir destripando esta obra maestra. Lo mejor que se puede hacer es verla. No importa que ya lo hayas hecho. Siempre se encontrará algo nuevo, una nueva escena en la que no habías reparado y que está cargada de simbolismos. Para el que todavía no la haya visto, mi enhorabuena. No puede sino provocarme sana envidia. Y es que su visionado, provoca en el espectador la sensación de haber saldado una vieja deuda, un trabajo pendiente que ni siquiera eras consciente de tenerlo. También tiene sus peros la película, por supuesto. Siempre se le ha criticado la falta de lógica en la forma de actuar ante la amenaza, de algunos de sus personajes. ¿Por qué los niños no acuden directamente a la policía? Pero claro, esto no es más que un cuento. No le buscamos lógica a Caperucita Roja o a Hansel y Gretel. También se le ha acusado de tener un final completamente anti-climático. Y ahí debo dar toda la razón. El film es tan intenso que esa resolución te deja algo frío, es cierto. Pero en una obra como esta ¿no pensaríamos tener un final convencional a los usos y costumbres de cualquier film de terror, verdad? Quizá pensó relajar la parte final de una obra tan densa. Quizá pretendía ironizar sobre los finales felices con ese ñoño discurso final en favor de los niños. El caso es que las obras maestras son así, las tomas o las dejas en su totalidad. El público no la comprendió en su día, condenándola al ostracismo. Fue durante los años 80 cuando su fama creció hasta convertirse en el mito que es hoy día. Así que olvidemos todo el cine que hemos visto antes y sumerjámonos cuanto antes en las aguas pantanosas y nada plácidas de este film mágico, inquietante y terriblemente hermoso. Que lo disfrutéis.
Uno de los terriblemente hermosos momentos de la película
No puede perdérsela: Los que siempre pensaron que los Hermanos Grimm no escribían historias para niños. Abstenerse: Absolutamente nadie. IMDB:Ficha de la película Cómo verla: Existen dos ediciones en DVD o un mágnífico enlace en Dual.
Director:Al Adamson. Intérpretes:John Carradine (Dr. Rynning), Robert Dix (Dr. Manning), Vicki Volante (Valerie), Joey Benson (Willy), Jennifer Bishop (Lian Malian), Bruce Powers (Comandante Steve Bryce), Fred Meyers (Bob Scott), Britt Semand (Linda). Síntomas: Un grupo de vampiros espaciales (los Tuberton) ataca la Tierra. El Doctor Rynning, explorador y científico, decide erradicar el problema en su origen viajando a la galaxia de donde proceden dichos monstruos. Aunque el desconocido y nuevo planeta tiene un aspecto parecido al de la tierra, su atmósfera sufre cambios cromáticos debidos a radiaciones. Durante la exploración, la tripulación se verá asaltada por los peligrosos vampiros. Para escapar de una muerte sangrienta, deberán luchar contra los habitantes de este incierto mundo.
Diagnostico: Una película que, desde luego, encaja aquí en este blog de locos como pocas. El punto más bajo de John Carradine, padre de una saga de actores y uno de los grandes nombres del cine fantástico de todos los tiempos. Este gran actor colaboró con Adamson de una forma muy similar a la que Lugosi hizo con Edward D. Wood. Y es que Al Adamson, coetáneo de Ed Wood, tiene en su estilo cinematográfico más de una similitud con el popular director de“Plan 9 from outer space”· Desgraciadamente para él, Tim Burton no le escogió para realizar su biópic y, por tanto no cuenta con la misma popularidad. Pero si pensáramos en candidatos para arrebatar a Wood el título de “pero director de cine de la historia”, Al Adamson estaría en el grupo de destacados. Incluso su macabra muerte parece escrita para algunos de sus alucinados proyectos. Sin duda merecerá un Análisis clínico próximante en este blog.
Pero centrémonos de una vez en la ¿película? Resulta curioso que una cinta de vampiros tenga a su vez, dentro de su propia concepción, un proceso de “vampirización” sin parangón en la historia del cine. Y es que esta se realizó a partir de “TAGANI”, una cinta Filipina en blanco y negro sobre ¡vampiros cavernícolas! A ellas se le añadió escenas de la versión muda de “El Mundo Perdido” y de “Hace un millón de años” (versión 1940). Así el avispado Adamson sólo tuvo que rodar un absurdo prólogo y las escenas del interior de la nave. Pero claro, se le presentaba el primero de los problemas: ¿Si había publicitado una película en color, cómo justificar que el 80% del metraje era en blanco y negro? Muy fácil. Haciendo alarde de un descaro mayúsculo, descubrimos que el planeta donde aterrizan los protagonistas está contaminado por la “RadiaciónSpectrum”, que hace que la atmosfera adquiera a veces un tinte rojo, otras veces azul, amarillo, verde… De ese modo todo solucionado para meter disimuladamente las imágenes en blanco y negro, eso sí, viradas a esos colores. Y asunto arreglado.
Como comentaba antes, la tripulación se ve obligada a aterrizar en dicho planeta. La escena del aterrizaje es impagable. Pocas veces en la historia del cine se ha podido contemplar unos efectos especiales tan aberrantes. Es tan descarado el diminuto tamaño de “la nave” que no puede sino provocar el regocijo del respetable. El doctor Rynning (John Carradine) permanece a bordo mientras los demás salen a explorar el planeta, y descubren dinosauros y hombres de las cavernas. De hecho hay varias tribus en el planeta: hay seres de aspecto humano normal, otros –más o menos humanos- a los que les crecen serpientes en el cuerpo; los hombres-langosta, que viven en el río; los hombres-murciélago, que habitan en cuevas y, por supuesto la tribu Tuberton, formada por vampiros de largos colmillos. La tripulación encuentra y rescata a una indígena que es perseguida por dichos vampiros. Para permitir una correcta comunicación, le implantan un comunicador electrónico en el cerebro. Pero esto también es una chapuza ya que la tía habla como Tarzán: “Yo querer volver” y cosas así. La cavernícola en cuestión he de reconocer que está jamona y puede alegrar la vista al espectador masculino. Sin duda sus cualidades acaban ahí. La chica es tan nula como actriz (la tal Vicki Volante) que en ocasiones ni siquiera es capaz de mirar a los ojos de sus interlocutores cuando habla.
Pero sin duda los mejores momentos de la cinta estriban en los ataques de los bichos del planeta. Los hombres-langosta que aparecen cuando una tribu cruza incautamente el rio son absolutamente demenciales. No tengo palabras para describirlo. Mejor verlo en el video de abajo. Más logrados están lo hombres murciélagos que, la verdad, si que dan miedo. Son una mezcla de saltimbanquis chinos y hombres-lobo tísicos que dan un repelús…
El resto de criaturas (principalmente los dinosaurios) están sacados, como ya he explicado, del metraje de películas realizadas cuarenta años antes. Lo gracioso es que estas apariciones suceden en junglas y zonas con vegetación más bien abundante, mientras que los personajes que reaccionan a las apariciones están en un terreno más seco que el desierto de Arizona.
Y poco más que destacar. A pesar de todos sus momentos divertidos, la cinta resulta aburrida en muchos puntos del metraje. Y esa es la ventaja que Ed Wood y otros por el estilo le llevaban a Al Adamson. No solían hacer películas de más de 70 minutos mientras que este desaguisado dura casi los 90. Adamson, para rellenar metraje se inventa escenas absurdas, como el polvete que realizan los dos técnicos de la Estación de Control en el momento en que pierden comunicación on los miembros de la expedición. Resulta que en el futuro tiene que hacerse el amor a través de una máquina psicodélica que emite constantemente un sonido irritante. La secuencia del rollete dura una eternidad (o al menos a mí me lo pareció) y total para no enseñar nada de nada. También se hacen duras las interminables luchas de las dos tribus que, la verdad, ni nos van ni nos vienen.
Del guión mejor no hablar, (¿habrá guión?) Yo mejor os sugiero una diversión adicional mientras se ve la película: contar las incongruencias científicas que tiene la historia de principio a fin. De veras que puede resultar un juego muy divertido si se hace en grupo. Al que consiga en su libretita más respuestas se le puede premiar con una bolsa de palomitas, o mejor aún, unas gafas especiales para soportar esas radiaciones Spectrum que puede dejaros atontados al final del visionado de esta obra cumbre de la estulticia. Por que, eso sí, esta película es absolutamente ideal como pocas para ver en compañía de los amigos y echarse unas carcajadas. Que os aproveche. p
El Temible ataque de los hombres-langosta, intentado no ahogarse mientras forcejean con los cavernicolas
No puede perdérsela: Los fans de Ed Wood. Adamson es un sucedaneo que da mucho juego. Abstenerse: ¿Puede abstenerse alguien después de haber visto el video anterior? IMDB:Ficha de la película Modos de verla:
Recien editada por Filmax en un DVD ¡snif! sin extras Edición DVD o mediante su e-link en la mula ya que existe un magnífico montaje en castellano:
Comienzo mis "Análisis Clínicos" con la que es, probablemente, la personalidad más popular del mundo bizarro gracias a dos circunstancias ajenas a su voluntad: el magnífico Biopic que Tim Burton rodó sobre su persona y el hecho de haber rodado la que está considerada por muchos la peor película de todos los tiempos: "Plan 9 from outer space". Datos Biográficos: Nacido en Poughkeepsie, (Nueva York) el 10 de Octubre de 1924, el joven Ed se interesó desde muy pequeño por el cine, especialmente por las películas de terror y del oeste. Ya a los 11 años de edad sus padres le regalaron una cámara de cine, lo cual inició su pasión por la industria cinematográfica. Tras servir en la Segunda Guerra Mundial (ataviado según él mismo confesó con ropa interior de mujer) se establece en Hollywood en 1948. Allí comienza a dirigir e interpretar obras de teatro mientras intenta convencer a algún productor incauto para que financie sus locos proyectos. Con el tiempo conoce a Alex Gordon (futuro productor de películas de Roger Corman) con el que escribe varios guiones y que le presenta al mítico Bela Lugosi, famoso desde que interpretará a Drácula en 1931 y que ya se encontraba en franca decadencia merced a sus problemas con las drogas. "Glen o Glenda" sería su primer proyecto cinematográfico. En ella se trataba el controvertido tema del travestismo, en una época en la que este tema era todavía tabú. A pesar del escaso éxito de su anterior film, Wood consigue que le produzcan su siguiente film: "Jail Bait". Wood lo realiza sin demasiado éxito, pero continua en la brecha. En el 55 Wood firma un contrato con la American International Pictures (Productora en que empezó Corman), que le adelanta una parte del presupuesto. Se la gasta rodando las primeras tomas de Lugosi. A partir de entonces empiezan las fiestas de recaudación. "Bride of the Monster" se realiza gracias al dinero que pone un empresario a cambio de que su hijo la protagonice. Es en esta época cuando la novia del "monstruo" (Wood), Dolores Fuller se separa de él por sus continuas extravagancias. Comercialmente el film tiene éxito, pero los beneficios se van a las arcas de la AIP. En el 56 muere Bela Lugosi, y con él el plan de Wood de hacerle protagonizar su nuevo proyecto "Plan 9 from Outer Space". Pero Wood no renuncia y aprovecha material filmado y un doble. A pesar de todo consigue realizar el que será considerado como el peor film de la historia. La película no logra distribución hasta el 59, cuando se estrena sin sospechar el éxito que años después tendría. Vuelve con "Night of Ghouls" que se podría considerar una segunda parte de "Bride of the Monster", con la que comparte escenarios y personajes. El film no consigue distribución hasta que se estrenó en vídeo en el 80. En el 60 rueda "The Sinister Urge" con actores amateur. En el 63 vende el guión de "Shotgun Wedding", y en el 65 entra en el mundo del softcore colaborando con A.C. Stephen. A partir de ahí una lenta caída en picado. Continua escribiendo y dirigiendo películas cada vez más subidas de tono (llega incluso a rodar con sus vecinos una película porno), pero todo lo que gana se lo gasta en bebida. Se muda a una barriada de L.A. y cuando no puede pagar el alquiler acaba en casa de un amigo. Llega incluso a vender su máquina de escribir para conseguir alcohol. A medida que se aleja de Hollywood su sueño se va difuminando. Finalmente muere a los 53 años, enfermo y arruinado por culpa de su adicción, el 10 de diciembre de 1978. Tan sólo dos años después recibe el título de "peor director de cine de todos los tiempos".
Síntomas del Paciente: Su total y absoluta falta de talento solo era superada por su entusiasmo y fe en sí mismo, algo de lo que todos deberíamos aprender. Pero ese espíritu impetuoso también le pasaba factura en los rodajes, traduciéndose en constantes descuidos de enfoque, decorados que se mueven, actores mirando a cámara, etc... Para Wood "todo vale", aunque, bien mirado, ese toque personal es lo que lo hace absolutamente único. Para dar notoriedad a sus películas, consigue introducir en ellas algunas estrellas en declive. Bela Lugosi es la colaboración más famosa, llegándose a inventar un personaje para él a última hora (en "Glen o Glenda") o a rodar material suyo para utilizarlo cuatro años desués de su muerte (como sucedió en "Plan 9 from outer space"). Otras "estrellas" utilizadas por Wood serían Vampira o el luchador Tor Johnson.
Historial Clínico: De entre su abundante filmografía como actor, guionista o director destacaría (es un decir)
Glen or Glenda (1953). Escrita, dirigida y protagonizada por el mismísimo Edward Wood Jr., con la participación de Bela Lugosi (interpreta a una especie de dios) y de la novia de Wood en aquel momento, Dolores Fuller. Se trata de un docudrama acerca del travestismo inspirado en la vida del propio realizador. Absolutamente demencial, cuantan las malas lenguas que el productor cuando vió los resultados le retiró la palabra. Yo he de confesar que es la que más me ha costado terminar pero la película merece nuestra simpatía aunque sea por su mensaje a favor de la tolerancia. a
Jail Bait (1954). Unico film negro de Ed Wood. Un gangster utilizará la cirujía estética para huir de la policía. Reinterpretación muy personal de algunos clásicos del género con Steve Reeves (futura estrella del Peplum) de protagonista. Esta es de las pocas que todavía no he visto, luego no puedo comentar mucho más. a
Bride of the Monster (1955). Un científico realiza experimentos con humanos con la intención de crear un superhombre, pero una periodista se interpondrá. La película fue pagada por el papá del horroroso (por mal actor) protagonista del film. Por otro lado, para ser justos, no es peor que cualquier serie B de la época. Y Bela Lugosi está tan entrañable como siempre. Para mi gusto, de lo más disfrutable de Ed Wood. a
Plan 9 from Outer Space (1959). La cúspide del arte de Ed Wood. Los extraterrestres pretenden invadir nuestro planeta resucitando a los muertos. Estos al final se reducen a dos: Vampira y Bela Lugosi. Así la invasión, claro está, fracasa por falta de presupuesto de los marcianos. Considerada (injustamente) como la peor película de la historia. Desde luego es sumamente divertida. En su día merecerá un artículo para ella sola. La película que interpretó Lugosi cuatro años después de su muerte. Paradójico final fílmico para el Príncipe de las Tinieblas. a
Night of the Ghouls (1959). El inspector Bradford ha de investigar, esta vez, las apariciones causadas por el Dr. Acula en la casa de los sauces. Secuela de "Bride of the Monster", ya sin Lugosi. Muy disfrutable también. a
The Sinister Urge (1960). Un film realmente extravagante, rodado con actores amateurs (tampoco hay mucha diferencia con respecto a otros films.) La policía trata de pillar a un manicaco sexual que asesina a sus víctimas después de violarlas. Además de ser el autor y director de este film, Wood hace aquí también una breve aparición en la escena de una pelea. Este sería su último intento por introducirse en Hollywood. Después ya se limitaría a rodar películas directamente eróticas o pornográficas.
Su mejor momento: "Bride of the Monster" es una serie B ni mejor ni peor que algunos títulos de terror de la época y por tanto muy divertida. A eso uniríamos momentos gloriosos de "Plan 9 from outer Space", como el ataque de esos tapacubos, (perdón platillos) volantes o la resurrección de Vampira en el cementerio.
Su error más grave: Creerse el sucesor de Orson Welles. Quizá su descenso a los infiernos comenzó cuando fue consciente de su nulo talento.
Director: Kunt Tulgar. Intérpretes: Tayfun Demir (Süpermen / Tayfun Kent), Güngör Bayrak, Esref Kolçak, Yildirim Gencer, Nejat Özbek, Reha Yurdakul, Seref Pekseker, Turgut Özatay, Kadir Kök.
El Superman turco (la nariz es suya)
¿Superman o Mortadelo con uno de sus disfraces?
El planeta de los espermatozoides
Pero sin duda los mejores momentos de la cinta estriban en los ataques de los bichos del planeta. 
